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domingo, 20 de enero de 2019

CRÍTICA DE EL REINO (2018)

9:49:00 0 Comentarios

A REY PUESTO, REY MUERTO


Todo apunta a velocidad. Como si todo tuviera prisa. Hay más de dos horas por delante, pero todo termina en un decir… o no decir nada. La música, en una carrera de locos, se lleva por delante todo lo que encuentra en su camino. La cámara, nerviosa pero siempre en su sitio, contagia la ansiedad ambiente. El silencio de los despachos es incluso más tenso y veloz que la música. Los diálogos son cortantes a la vez que agitados: brillantes. Los personajes tienen los nervios a flor de piel. El protagonista camina y camina en un movimiento en continua pugna con la velocidad de la música y el nerviosismo de la cámara. No hay detalle que quede al margen de esta carrera por la supervivencia. No del más fuerte, sino del más corrupto.

Rodrigo Sorogoyen no se coloca en ningún extremo –el partido es, simplemente: el Partido-. Extiende la corrupción a todo y todos, y lo hace a la velocidad de la luz. Sacando a la luz lo que ya no puede tapar la sombra. Recuerda en cierto modo –por la velocidad y el empuje, la acción continua, los diálogos, la temática- a El hombre de las mil caras de Alberto Rodríguez. Pero la actualidad y el anonimato de los personajes la hacen de alguna forma más cercana, más comprensible y más general. No hay que remitirse a los hechos como en aquella: solo hay que vivir en este mundo.


Las actuaciones -no solo de Antonio de la Torre- terminan por impulsar una película que cuenta, en poco más de dos horas que pasan como un rayo, la historia de nunca acabar. Tanto es así que, la frase final -tras un intenso duelo político-periodista en el que el director tampoco se alinea (salen trapos sucios tanto de un lado como de otro)- queda flotando entre el fundido en negro y el silencio total como un eco desgarrador difícil de olvidar. Porque esto no ha acabado, y la vida es un juego de tronos.

Valoración: 8.5 / 10


EL REINO (2018)
Director: Rodrigo
Reparto: Antonio de la Torre, Josep Maria Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Mónica López, Bárbara Lennie, Luis Zahera, Francisco Reyes II, María de Nati, Paco Revilla, Sonia Almarcha, David Lorente, Andrés Lima, Óscar de la Fuente, Laia Manzanares, Max Marieges.
Género: Drama, intriga, política
Duración: 130

domingo, 30 de diciembre de 2018

CRÍTICA DE A CIEGAS (2018)

11:06:00 0 Comentarios

NO DEL TODO A CIEGAS


Dos horas esperando un cameo… si esto no es un “incidente”, que venga Shyamalan y lo vea. La historia se repite…cada diez años. Y lo peor de todo es que la humanidad sigue desapareciendo. No aprendemos. Es mejor taparse los ojos y no mirar. Porque si miramos, seguro que encontramos una película similar. Esto ya lo hemos visto. Me suicido.

A ciegas debe verse a ciegas, dejando de lado posibles parecidos razonables. Sí, las comparaciones con El incidente son incuestionables. También son incuestionables las debilidades frente a aquella, empezando por lo predecible de prácticamente cada detalle de la trama. Aun así, hay razones para dejarnos llevar: la tensión es continua incluso cuando ya intuimos –o sabemos- lo que va a pasar; los personajes son lo suficientemente interesantes como para sospechar de todos y de ninguno -no así las actuaciones-, y como era de esperar de la dirección de Susanne Bier, el diseño de producción, la fotografía y la música son más que partes integrantes del todo.

Falta ese no desvelar que nos hubiera mantenido “a ciegas” durante todo el camino. Esa venda en los ojos que, como los mismo personajes, no debería habernos quitado hasta el final o, quizás, ni siquiera entonces.

Valoración: 6.5 / 10


A CIEGAS, “BIRD BOX” (2018)
Director: Susanne
Reparto: Sandra Bullock, John Malkovich, Sarah Paulson, Danielle Macdonald, Trevante Rhodes, Jacki Weaver, Rosa Salazar, BD Wong, Machine Gun Kelly, David Dastmalchian, LilRel Howery, Happy Anderson, Amy Gumenick, Parminder Nagra, Tom Hollander, Taylor Handley, Keith Jardine, Chanon Finley, Damon O'Daniel, Matt Leonard
Libro: Bird Box, de Josh Malerman
Género: thriller, ciencia ficción

Duración: 124 min.

jueves, 30 de agosto de 2018

CRÍTICA DE EL JUEGO DE GERALD (2018)

13:09:00 0 Comentarios

SANGRE, SUDOR, LÁGRIMAS Y UNO DE LOS RELATOS MÁS PERTURBADORES DE STEPHEN KING


Es difícil escapar a una historia de Stephen King. Más aún si nos esposa a la cabecera de la cama. La única forma de desengancharse es dejarse llevar hasta que la sangre haga su trabajo. Nadie como él para confirmar aquello de que la letra con sangre entra. En este caso, con unos cuantos de litros. 

Mike Flanagan decidió que la sangre debía seguir corriendo. A otro nivel. Mucho más explícito. Hasta el gore y más allá: un vaso, unas esposas y una mano desesperada por escabullirse de su confinamiento. Al nivel de “herir la sensibilidad” de los ojos menos sensibles a las barbaridades de la carne humana salida de sus órbitas. Ni el brazo de 127 horas fue tan traumático. Desgarros bestiales, moscas de la putrefacción, sangre, huesos, tendones, cuencas vacías… 

Pero no solo de sangre vive el aficionado a Stephen King. Y Flanagan debió entenderlo a la perfección. La fidelidad es casi literal en los detalles importantes. Los que te hacen sospechar de tus alrededores cuando estás leyendo el libro y luego se presentan psicológicamente turbadores en la pantalla. Las presencias. Reales, fantásticas y traumáticas. Pocas cosas más terroríficas que la mirada fija y la quietud, el silencio. Pocas cosas más terribles que un pasado que te persigue. 



Y es en ese pasado en el que se ancla la trama y donde el simbolismo aparece retratado por la luz del sol eclipsado: roja como la sangre. Las voces del libro cobran vida con la muerte, tomando formas diferentes pero mucho más acertadas que las originales: ella y ellos. Así, el diálogo equilibra la sangre con más sangre. De la que no se ve. De la que duele tanto como un coágulo buscando la salida a borbotones.

Si consigues sobrevivir a la primera media hora sin tirar tus expectativas por la ventana y abandonar el juego –el principio, como el de la novela, puede resultar un poco decepcionante-, prepárate: es ahora cuando empieza la verdadera supervivencia. 
 
Valoración: 7 / 10


EL JUEGO DE GERALD, “GERALD’S GAME” (2018)
Director: Mike Flanagan
Reparto: Carla Gugino, Bruce Greenwood, Henry Thomas, Kate Siegel, Carel Struycken, Chiara Aurelia
Libro: El juego de Gerald de Stephen King
Género. Thriller, terror
Duración: 102 min.

sábado, 30 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SINNER (2017)

10:15:00 2 Comentarios

CAER EN PECADO


¿Quién es el pecador? ¿Cuál es el pecado? ¿Está justificado? ¿Es pecado pecar?? ¿Cuántas veces? ¿Por quién? ¿Por qué? 

El pecado original. Origen de pecados. Mentes sin libre albedrío. Cuerpos destrozados desde el origen, en busca del pecado que les muestre el origen de su destrozo. Buscadores de pecados por la vía del pecador. Bien y mal en un mismo círculo. Vicioso. En un mismo lugar. De olor corrompido. Sonido punzante. Vista nublada. En un mismo mundo. Tan diferente. 

Y si la culpa de Jessica Biel no es suficiente. Si crees que hay un camino diferente. Alejado del símbolo del pecado. Negro. Si no quieres introducirte más allá de lo ya predecible desde inicio. No llegues al final. No peques. 

Valoración: 7.5 / 10


THE SINNER (2017)
Director: Antonio Campos, Brad Anderson, Cherien Dabis y Tucker Gates
Reparto: Jessica Biel, Bill Pullman, Christopher Abbott, Jacob Pitts, Nadia Alexander, Patti D'Arbanville, Abby Miller, Eric Todd, Dohn Norwood, Kathryn Erbe, Teri Wyble, Robert Funaro, Devin McGee, Michael H. Cole, Gretchen Koerner, Ruby Barnes, Leslie Fray, Katelyn Farrugia, Meredith Holzman, Sunshine Tovar, Anna Elizabeth, Stephanie Olah Kelly, Danielle Burgess, Enid Graham, C.J. Wilson, Susan Pourfar, Peggy Gormley, Joanna Adler, Adam LeFevre, Joseph Melendez, Jacob Berger
Género: Thriller, serie de TV
Duración: 8 capítulos de 40 min.


miércoles, 13 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE DÍA DE PATRIOTAS (2016)

16:15:00 0 Comentarios

CINE Y ATLETISMO: TERRORISMO, SEGURIDAD Y DEPORTE


Un maratón no es solo una carrera de 42.195 metros. Detrás, delante y entre los miles de atletas, voluntarios y organizadores hay todo un dispositivo de seguridad que, pese a las molestias y pérdidas de tiempo que a veces supone, es tan necesario como el avituallamiento. Controles en la salida, inspecciones, nada de coger objetos del público, nada de celebrar la llegada con un selfie, policías por aquí, policías por allá, de uniforme, de paisano, a pie o motorizados. No hay excusas. No es la primera vez que el terrorismo se enfrenta -real y cinematográficamente hablando- con su opuesto (Munich). Los espectáculos deportivos son objetivos atractivos y el mundo no está para bromas. Los maratonianos tampoco.

Aquellos que entrenaron meses para estar en la salida del maratón de Bostón 2013, o que entrenaron la paciencia durante semanas para animar a un atleta por las calles de la ciudad y llegar antes que él a la salida, sabrán que no fue cosa de chiste. Tres muertos y 282 heridos por las bombas, más un muerto y otros heridos en los tiroteos posteriores. Dos ollas a presión, llenas de metralla, colocadas a ras de suelo. Muchas piernas amputadas. Si eres persona, puedes imaginarlo. Si eres atleta, no querrás ni pensarlo.

Contada desde el punto de vista de un agente de policía, Día de Patriotas se centra en la investigación. Desde la primer detonación hasta la captura del segundo de los terroristas días después de los hechos. Seriedad, realismo y veracidad. Diálogos precisos y sin florituras. Actuaciones correctas. Fotografía adecuada a la gravedad del asunto. Acción limitada a los hechos y mucha tensión. Mucha. La tensión y el suspense mantenidos de saber el resultado pero temer en todo momento por su no resolución.

A parte de alguna exageración espectacular, no hay distracción sentimental ni subtramas innecesarias. El argumento está enfocado al asunto principal. El entorno y sus consecuencias solo existen en los momentos exactos donde su presencia está justificada. Los cinco sentidos se activan para no perderse en la niebla de lo sentimental. Solo al final, cuando todo está hecho y los testigos reales nos cuentan su experiencia, los sentidos descansan en el sentimiento contenido. Al fin podemos dar rienda suelta a la tensión acumulada. Alegría, tristeza y esfuerzo a partes iguales. Como en un maratón. Porque la seguridad también es una peligrosa carrera de fondo, que permite que todos corramos seguros.

Valoración: 8 / 10


DÍA DE PATRIOTAS, "PATRIOT`S DAY" (2016)
Director: Peter Berg
Reparto: Mark Wahlberg, John Goodman, Kevin Bacon, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, Rachel Brosnahan, Alex Wolff, Melissa Benoist, Michael Beach, Khandi Alexander, Erica McDermott, Lana Condor, Dean Neistat, Vincent Curatola, John Enos III
Género: terrorismo, thriller, drama, basado en hechos reales
Duración: 130 min

CRÍTICA DE SUBURBICON (2017)

11:05:00 0 Comentarios

GEORGE CLOONEY NOS ABRE LAS PUERTAS DE SUBURBICON PARA ABRIRNOS LOS OJOS Y DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA 

La mejor zona, las mejores casas, los mejores servicios, los mejores vecinos, la mejor reputación y una familia de color. Una mancha negra en el expediente del mejor de los barrios americanos de diseño… Una mancha negra rodeada de manchas blancas que no pasarían la prueba del algodón.

Suburbicon es una psicosis a sangre fría en el barrio de Eduardo Manos Tijeras. Un lugar sobrevolado por el espíritu musical de Bernard Herrmann, la sombra de Hitchcock, el humo del cigarro de Truman Capote y el colorido del Barton más luminoso. Lo mejor de los Coen pasado por el filtro del mejor George Clooney. Cine negro a todo color. Humor negro con el color como mcguffing. Suspense, tensión, sangre y risa tan oscura como el género. La sonrisa falsa de la supuesta superioridad blanca, muerta de risa. Porque quien ríe último, ríe mejor.


Dos historias paralelas, en vivienda y en argumento, que terminan por encontrarse –muy sutil e inteligentemente- en un infinito: el que une el pasado con la actualidad. Sin lugar para el descanso eterno. Con mucho espacio para la crítica, la sátira y la política más correcta e incorrecta de los hombres al mando –de la película y del gobierno-. Personajes sin moral ni escrúpulos cayendo por su propio peso y ambición. Rostros de vida plena y satisfactoria como crónicas de una muerte anunciada. Lo sabemos desde hace tiempo, y no por ello deja de ser apasionantemente intrigante y apasionantemente risible en su incoherente y triste realidad.

Valoración: 8 / 10


SUBURBICON (2017
Director: George Clooney
Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell, Lauren Burns, Tony Espinosa
Género: Cine negro, comedia negra
Duración: 105 min

domingo, 21 de mayo de 2017

CRÍTICA DE DÉJAME SALIR (2017)

11:21:00 1 Comentarios
PIENSALO DOS VECES ANTES DE ENTRAR
Por Lucía Pérez García 





Nunca un sonido tan simple y cotidiano fue tan fastidioso. Irritante hasta gritar ¡déjame salir! Querrás arrancarte los oídos y seguir escuchando al mismo tiempo. ¡Déjame salir! Volverás a gritar. La cucharilla seguirá su ronda por los confines de la taza. ¡Déjame salir! Una vez más. Pero las ondas sonoras ya habrán conquistado esa parte de tu cerebro que te pone los vellos de punta. De repelús, de miedo, de intriga, de asco ¿Té negro o café solo? 

Remover o derramar. Mientras, tu aguante ha llegado al punto en el que los cristales, y la porcelana, estallan. No encontrarás otra salida que continuar mirando, porque no tendrás más sentido que el de supervivencia. ¡Déjame salir! Nadie escucha. Dentro para siempre. Dentro de una tacita de apariencia dulce y sabor amargo ¿Hay algo más inquietante? No, este juego no es nada divertido… 


¡Déjame salir! Por última vez. Tus ojos empiezan a abrirse como naranjas en una mirada mecánica. ¡Déjame salir! Y, casi zombi, te dejas arrastrar hacia el final. Adivina quién viene a cenar esta noche… y asegúrate de que los anfitriones sean Katharine Hepburn y Spencer Tracy, y no Catherine Keener (que inquietante me resulta siempre esta mujer) y Bradley Whitford.


Valoración: 7.5 / 10



DÉJAME SALIR, “GET OUT” (2017)
Director: Jordan Peele
Reparto:     Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Betty Gabriel, Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens
Género: Terror, racismo

Duración: 103 min.

jueves, 9 de febrero de 2017

CRÍTICA DE MÚLTIPLE (2016)

10:24:00 0 Comentarios
UNA CRÍTICA MÚLTIPLE 
Por Lucía Pérez García 







Desde mis múltiples perspectivas, Múltiple es una película con múltiples interpretaciones. 

 1. James McAvoy: Por qué a este hombre nunca lo han nominado a un Oscar es una pregunta que se me ha venido a la cabeza en múltiples ocasiones. Las oportunidades han sido múltiples: Expiación, El último rey de Escocia, Filth... incluso, apurando, sus interpretaciones en La desaparición de Eleanor Rigby o Trance se merecían un reconocimiento. Y es que no desentona ni en las películas más comerciales, ni como el hermano ciclista pirado de Wimbledon. Actor físico y de retos. Actor múltiple capaz de mutar múltiples veces en un solo plano. Entendiendo mutar en el sentido más MONSTRUOSO e IMPRESIONANTE de la palabra.  


2. M. Night Shyamalan: Un director de múltiples sentidos. Más de seis. A saber: del presupuesto, del punto de vista, del suspense, de la música, de la escritura de guión, del final inesperado, de la sorpresa, del simbolismo, de la trascendencia camuflada, del tiempo y los tiempos… de las múltiples facetas de la dirección. Como el mejor de los directores (véase Spielberg, incluso el mismo Hicthcock), a veces falla, rotundamente (Véase La joven del agua y mejor no véase After Earth). Como los mejores, tiene un estilo propio inconfundible (que se aprecia de forma múltiple en Múltiple). Y, además (y esto no lo hacen todos): escribe, dirige y actúa. ¿Qué Múltiple no es su mejor trabajo? Aún está por ver. Porque esto no acaba aquí. Ni siquiera empieza aquí… todo empieza por empezar a ver las múltiples películas del director, y acabará cuando menos nos lo esperemos, y seguro, que con un final devastador.  

3. La música: Cuando un director y un compositor se entienden tan bien como para colaborar en prácticamente toda una filmografía, no hay duda de que el compositor es un buen cineasta y el director un músico en potencia. Y si alguien pensaba, por casualidad, que en esta ocasión no iba a poder escuchar a James Newton Howard… Hay múltiples formas de aparición, y Shyamalán, además de un director sorprendente, sabe bien cómo manejar la música. Múltiples sorpresas nos depara la música…  



4. La cámara: Gracias a ella podemos experimentar múltiples personalidades y emociones. Y aquí es donde entras dos de los múltiples dominios de Shyamalan: el punto de vista y el suspense por omisión. 5. Múltiple: También tiene sus fallos, aunque menos múltiples que sus logros: la única secuestrada que no parece sacada de Spring Breakers es Anya Taylor-Joy. Tras La bruja (y junto a Maika Monroe), pequeña promesa del terror independiente. Los flashbacks y la motivación de su personaje funcionan regular. Y hacia el tercer tercio, la película tiene un pequeño bajón, hasta que llega el subidón final, solo apto para fanáticos de Shyamalan.   

6. Y una reflexión final: ¿Y si no hubieran existido sinopsis, trailers y entrevistas…? Yo (que por cierto, tuve la suerte de verla en imprescindible V.O), y el mundo entero, habríamos disfrutado múltiples veces más. 


aloración: 7.5 / 10 

MÚLTIPLE “SPLIT” (2016) 
Director: M. Night Shyamalan 
Reparto: James McAvoy, Anya Taylor Joy, Betty Buckley, Brad William Henke, Haley Lu Richardson, Sterling K. Brown, Kim Director, Sebastian Arcelus, Lyne Renee, Neal Huff, Jessica Sula, Maria Breyman, Steven Dennis, Peter Patrikios, Matthew Nadu 
Género: Thriller, secuestros 
Duración: 116 min.

miércoles, 18 de enero de 2017

CRÍTICA DE EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS (2016)

10:18:00 0 Comentarios
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS: COMO ROBAR... UNOS CUANTOS MILLONES.
Por Lucía Pérez García







Cómo entender algo que no entiendes, de lo que no tienes ni idea, que además no es un tema que te interese especialmente, y estar casi dos horas pegado a la pantalla con una tensión creciente: 

1. Prepárate para ver una historia tan real como que sigue ocurriendo, y tan ficticia como un relato surrealista, que no es otra cosa que algo más allá de lo real. Un juego de verdadero o falso. 

2. Asegúrate de que el director sea Alberto Rodríguez, actual maestro indiscutible del thriller nacional, y cabeza de serie del cine andaluz –desde Sevilla con amor-. 

3. Sal de La isla mínima -sin olvidar antecedentes-, y céntrate en el aquí y ahora. A la mínima que te distraigas, te toman el pelo... y los ahorros.

4. Pon mucha, mucha atención desde el minuto cero, porque no sobra una palabra y la cosa tiene mil caras. Resultado infalible de una larga colaboración entre Rafael Cobos y el director Sevillano. 


5. Párate un momento a pensar desde que punto de vista está contada la historia. Un tal Camoes, trasunto de varios personajes reales. ¿Quién mejor que un hombre que es en sí mismo muchos hombres, para contar una historia que tiene mil caras? 

6. Avanza con la música de Julio de la Rosa. Impulso esencial de la película. No te dejará respirar. Carrera… ¿de fondo o velocidad? 

7. No te fíes de la caracterización, sino de los actores. 

8. Admira el cartel.

9. Disfruta de una película de espías, corrupción y engaños, con once nominaciones al Goya. 


Valoración: 7.5 / 10 

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS 
Director: Alberto Rodríguez 
Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba, Luis Callejo, Tomás del Estal, Israel Elejalde, Pedro Casablanc, Enric Benavent 
Género: Thriller, basado en hechos reales 
Duración: 123 min.

domingo, 15 de enero de 2017

CRÍTTICA DE TARDE PARA LA IRA (2016)

12:52:00 0 Comentarios
VIVIENDO UNA TARDE LLENA DE IRA
Por Lucía Pérez García





Es momento de olvidar los géneros cinematográficos y centrarse en el asunto. De dejar de lado las influencias –por mucho que todo me recuerde a un Winding Refn a la española, Ryan Gosling castizo incluido-. Es momento de dejar de pensar en que no me gusta el flamenqueo, y que no me agrada la concepción musical. Dejar de pensar en que no soy ni mucho menos aficionada al cine kinki y sus barrios dejados de la mano de Dios. No quiero empezar con mal pie por odiar tanto cartelito en los primeros minutos, y sentir un pequeño rechazo inicial por la cámara. Nada de eso. Es momento de hablar, no solo de la ira, sino de aquello que la despierta y la mantiene viva. Del cómo y el porqué. Del qué haría yo en su lugar.


Difícil tarea. Con un ritmo que ni lento ni rápido. Ni obvio ni lleno de suspense. Ni odioso ni agradable. Un avanzar sin prisa pero sin pausa hacia delante: en el tiempo, el camino, el objetivo, la venganza y la ira. Y un personaje, el de Antonio de la Torre, que te lleva consigo a la espalda –y aquí se acaba el rechazo inicial a la cámara-, sin intentar en ningún momento que entiendas y aceptes sus actos. ¿Cómo lo hago? Observando y dejándome llevar. ¿Hacía la ira? Quizás, pues al final pensé: “Genial, pero yo hubiera sido más violenta”.  


Valoración: 7 / 10 

TARDE PARA LA IRA (2016) 
Director: Raúl Arévalo 
Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García 
Género: Thriller 
Duración: 92 min.

sábado, 7 de enero de 2017

CRÍTICA DE ANIMALES NOCTURNOS (2016)

13:53:00 4 Comentarios
ELLA, ÉL, NOSOTROS,Y EL CINE DE TOM FORD
Por Lucía Pérez García




Casi como un animal nocturno. En la oscuridad de mi propia madriguera. Un pequeño foco de luz. Dos o tres mantas sobre la cabeza. Susan, Tony, Animales nocturnos y yo. Amy Adams, Jake Gyllenhaal, un libro y yo. 

Más animal nocturno que nunca. De nuevo la luz apagada. Una pantalla. ¿Yo? ¿Susan? ¿Tony? 

Leo el libro que lee Susan. El libro de Edward que lee Amy Adams. El libro escrito y protagonizado por Jake Gyllenhaal. El mismo que leo y sobre el que escribo a través de una película. Que veo con más atención que leo. Tan fácil y tan difícil confundirse. Confundirlos. Confundirme. ¿Confundirte?


Austin Wright. Escritor. Tom Ford. Diseñador y director de cine. No acabo de encontrar. No acabo de entrar en el libro. Puedo, sin embargo, hacerlo en la película. Quería acabar de leer, pero hubiera seguido viendo a Tony-Edward hasta la eternidad.  Me llegué a aburrir leyendo. La atmósfera cruel atravesó la pantalla para herir al aburrimiento.

Jake Gyllenhall. Edward y Tony. Impresionante. Enorme. Siempre. Aaron Taylor-Johnson. Asquerosamente bueno. Solos, justifican la película. Terroríficos animales nocturnos. No hacen acto de presencia, tristemente, en una novela pesada. De doble lectura sin mucha lectura doble. Lectura doble que aclara el filme, dejando una tercera lectura al espectador. 



Simbolismo entre naif y genial. Recursos de novatillo pedante. Bohemio. Aclaratorios y muy efectivos en lo musical y sonoro. Visualmente impactantes en ocasiones. A veces, obvios y lejos de nivel. Conjunto hiperestético e inteligente. Asfixiante y apestoso. Ford gana a Wright en la introducción, en el nudo y, sobre todo, en el desenlace. Yo me hubico mejor en la psicología deshubicada de la historia-historias-historia. Tres noches 0 - Animales nocturnos 1. 

Valoración: 8.5 / 10 



ANIMALES NOCTURNOS “NOCTURNAL ANIMALS” (2016) 
Director: Tom Ford 
Reparto: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Armie Hammer, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Isla Fisher, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Laura Linney Novela: Tres noches (Susan &Tony) de Austin Wright 
Género: Thriller, drama 
Duración: 115 min.

sábado, 2 de julio de 2016

CRÍTICA DE THE EAST (2013)

10:44:00 0 Comentarios
SECTAS, CINE Y BRIT MARLING 
Por Lucía Pérez García 




Me gustan especialmente las películas de Brit Marling. Actriz, guionista, productora y directora (el documental sobre boxeo Boxers and ballerinas, 2004). Incluso cuando la película es mala (Posthumous; Lulu Wang, 2014), su presencia resulta interesante. Nada rimbombante ni llamativa. Una chica normal con mucho talento y muchas ganas de hacer buen cine, con buena gente. Ni superproducciones ni megablockbusters. Cine independiente pero, atención: de género, y de mucha calidad: Otra tierra (Mike Cahill, 2011), Pacto de silencio (Robert Redford, 2012), Orígenes (Mike Cahill, 2014), The better angels (A.J. Edwards, 2014), The Keeping Room (Daniel Barber, 2014)… 


The east es su tercer trabajo como protagonista y coguionista con su amigo Zal Batmanglij. El segundo en el que tratan el tema de las sectas tras Sound of my voice (2011), posiblemente una de las mejores películas sobre el género junto a Martha Marcy May Marlene (Sean Durkin, 2011). Un género que viene de largo: La noche del demonio (Jacques Tourneur, 1957) es un buen ejemplo. Que en aquel 2011, hizo pleno: además de las dos ya citadas, Kill List (Ben Wheatley), Red State (Kevin Smith) o El soldado de Dios (Marc Foster). Qué alcanzó una buena cima con The master (Paul Thomas Anderson, 2012) y la expresión ácida y desencajada de Joaquin Phoenix. Y que todavía sigue dando guerra: Colonia (Florian Gallenberger, 2015), aún sin fecha de estreno en España, o la reciente Acantilado (Helena Taberna, 2016). Y es que las sectas dan para mucho: drama, intriga, terror, fantasía, acción… de todo puede haber dentro de los oscuros entresijos de estos misteriosos grupos. 


The east se cuela directamente en los primeros puestos de la lista. Bien documentada a través de las experiencias reales de Marling y Batmanglij en colectivos anarquistas, mezcla investigación policial, intriga, romance, terrorismo,  drama y todo lo que te cabe esperar, o no, de una secta. Austera como todo lo que lleva la firma Marling. Elegante, inteligente, sucia en su limpieza y con un fondo, un objetivo y un desarrollo que mantienen activo y reflexivo al espectador en todo momento. Y con un reparto igualmente “indi” encabezado por la propia Marling, Alexander Skarsgård, otro actor que me interesa especialmente, y Ellen Page, cuya presencia más que interesarme me provoca un leve desasosiego. Lo único que parece salirse del término “indi” es la presencia de Harry Gregson-Williams en el apartado musical, compositor de la saga Shrek o Marte (Ritley Scott, 2015). Pero lo único que desentona es eso, su presencia, porque su música encaja a la perfección en el conglomerado independiente general. 

Ver películas sobre sectas, curiosamente, “engancha”, y The east es una de las que más contribuyen a la adicción. 


Valoración: 8.5 / 10 

THE EAST (2013) 
Director: Zal Batmanglij 
Reparto: Brit Marling, Alexander Skarsgård, Ellen Page, Toby Kebbell, Shiloh Fernandez, Aldis Hodge. Danielle Macdonald, Hillary Baack, Patricia Clarkson, Jason Ritter, Julia Ormond 
Género: Thriller, drama, sectas. 
Duración: 116 min. 


jueves, 30 de junio de 2016

CINE Y ARTE: EL NOMBRE DE LA ROSA (1986)

11:09:00 3 Comentarios
EN EL NOMBRE DE LA ROSA, DE UMBERTO ECO, DE JEAN JACQUES ANNAUD Y DE SEAN CONNERY. AMEN. 
Por Lucía Pérez García

Justo antes de comenzar a relatar el primer día, Adso teme que el recuerdo merme sus facultades: “Ojala mi mano no tiemble cuando me dispongo a narrar lo que sucedió después”. Justo antes de empezar a leer el primer día de Adso, yo ya no podía despegar mis ojos del libro. Mis temores no estaban en el recuerdo, sino en quedarme petrificada ante tal fascinación novelesca y no ser capaz de hacer otra cosa que seguir leyendo. Mis manos no temblaban, pero mi cabeza vivía inmersa en un laberinto de bibliotecas e iconografía medieval del que me era imposible salir. Cuando no tenía el libro de Umberto Eco en las manos, tenía uno de historia del arte medieval, o incluso el Apocalipsis. Justo antes de llegar a la última frase del último día, la película de Jean Jaques Annaud me esperaba dentro del DVD. En palabras del director: “una entretenida trama policiaca. Una historia asombrosa que te lleva a otro mundo”.  


Eran todos tan feos… Ron Perlman a la cabeza. ¿Acaso no eran feas las representaciones del mal del arte medieval? Fachadas y capiteles llenos de criaturas esperpénticas, terroríficas, dignas de cada pecado, mortal y capital, para adoctrinar a los fieles iletrados, supersticiosos y asustadizos. ¿No hay superstición también en estos personajes? El director francés buscaba realidad. Histórica, pero también literaria. La propia historia destila una misteriosa maldad: “La tierra baila la danza de Macabré; a veces me parece que surcan el Danubio barcas cargadas de locos que se dirigen hacia un lugar sombrío”. 




Sean Connery… 
Presencia. Por él mismo. Cualquier papel a cualquier edad. No importa. Es Sean Connery. Es William of Baskerville. No podía ser otro y así quedará para siempre, pese a que las dudas asaltaron a Annaud durante el casting. La luz del conocimiento y la belleza entre tanta suciedad y conspiración maléfica. La criatura opuesta del lado derecho del tímpano. La que tiende la mano a Dios, aunque con cierto orgullo intelectual, siempre en pos del bien. Su personaje es todo: el bien, la inteligencia, la deducción y la transmisión del conocimiento.  


La arquitectura… 
La palabra espectacular es un pobre cúmulo de letras al lado del diseño de producción de las películas de Annaud (Siete años en el Tibet, El oso, Enemigo a las puertas, El último lobo). Un adjetivo que con la fotografía de Tonino Delli Colli y la música de James Horner aumenta más si cabe. Porque la arquitectura no es solo ella misma, sino todo lo que la habita y la rodea. Fiel a la historia. Rodada entre el monasterio cisterciense de Eberbach (pese a que el arte cisterciense alcanzó su apogeo en el siglo XII, y que a principios del XIV muchos de estos monasterios quedaron en ruinas, este monasterio sobrevivió) y los grandiosos decorados construidos en Italia. Con la niebla y la nebulosa y húmeda suciedad siempre presentes. Y una música anacrónica y con cierta atonalidad, grave, solemne y sobretodo misteriosa, que incrementa la oscuridad del entorno; acompañada de los siempre inquietantes cantos gregorianos, cuyo eco transmite más que ningún otro elemento, la forma, la función y el espacio de esta arquitectura religiosa. Enorme.  



Los códices… 
El conocimiento. Se puede depender de él como de una droga. Más aún incluso. Querer más y más. Llegando a matar. Muerte por curiosidad intelectual. Lo creo. Y en la Edad Media, es que algunos siguen considerando oscura, el conocimiento era parte esencial. Los monasterios eran criaderos de eruditos. Hombres proponiendo teorías hasta debajo de las piedras (o de la mugre). Hombres afanados hasta perder la vista y sangrarle los dedos en copiar esos textos para su transmisión futura. Sin ellos, hoy no sabríamos ni la mitad. Hoy solo sabríamos que sabríamos absolutamente nada. La oscuridad medieval no es tal. Es luz y nada más. 
Las bibliotecas y scriptorium son parte esencial de la historia. En la película no falta detalle, como no falta en la descripción que de ellos hace Adso en la novela: “El scriptoprium me parecía un tranquilo y jubiloso taller del conocimiento. Los sitios mejor iluminados estaban reservados a los restauradores, miniaturistas, expertos y copistas. Cada mesa tenía todo lo necesario para pintar. Tinteros, plumas finas que muchos monjes afilaban con cuchillos, piedras pómez para fijar el pergamino y reglas para trazar las rayas de los versos”. 


Miniaturistas. Porque no solo había textos. Las letras se acompañaban de dibujos de no menor significado. Parte fundamental de la historia del arte. De entre los millones de códices iluminados que existen, los beatos merecen mención importante. Umberto Eco lo sabía y por eso los incluyó como parte de la trama principal. Sumergirse en su iconografía apocalíptica es bucear por los colores, los ojillos redondos y expectantes de las figuras, criaturas infernales y, por su puesto Dios. Sumergirse doblemente en un beato y en El nombre de la rosa, es el colmo del éxtasis cinematográfico, artístico e intelectual. Tu cabeza puede entrar en un bucle con forma de escalera de caracol de biblioteca de monasterio. 

Yo aún sigo subiendo y bajando por esas escaleras: Stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemos… 


Valoración: 8.5 / 10 
EL NOMBRE DE LA ROSA, “THE NAME OF THE ROSE” (1986)
Director: Jean-Jacques Annaud 
Reparto: Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Valentina Vargas, Ron Perlman, Feodor Chaliapin Jr., William Hickey, Volker Prechtel, Leopoldo Trieste, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Habeck, Urs Althaus, Vernon Dobtcheff, Andrew Birkin 
Género: Drama, intriga, religión 
Duración: 131 min.

 

lunes, 20 de junio de 2016

CINE Y ARTE: TRANCE (2013)

11:14:00 0 Comentarios
LA PINTURA NEGRA DE DANNY BOYLE 
Por Lucía Pérez García 




Parafraseando a Forrest Gump, dijo Goya un día: “La vida es como un aquelarre, nunca sabes que bruja te va a tocar”. Si la película es de Danny Boyle, la suerte está echada. Bienaventurados aquellos que consigan salir ilesos de sus frenéticos montajes. Si además nos deja en Trance, apaga y vámonos. A lo mejor, por casualidad, así como quien no quiere la cosa, crees que te has enterado de algo. Un segundo después, volverás a pensártelo dos veces. O tres, o cuatro… hasta que verdaderamente entrés en trance. 

Goya dijo más cosas: “El sueño de la razón crea monstruos”. Danny Boyle también. Monstruos que se apoyan en pantallas divididas, por el montaje o por los encuadres de plano; en colores llamativos, en velocidad, en flashbacks, en música electrónica y minimalista de John Hodge que martillea el cerebro hasta que consigue traspasar la tercera dimensión y abrirse a su especial universo; en personajes apasionados perdidos en su propia vida. Si algo tiene Trance de diferente, es llevar las monstruosidades al extremo, utilizando como excusa los inextricables misterios de la mente humana. El olvido (con un pequeño homenaje musical diegético a la saga Bourne) y el recuerdo como armas principales. El arte como obsesión. Para el personaje de James McAvoy, entusiasta historiador de arte, y para el ladrón de Vincent Cassel. Ambos interpretados con la intensidad física propia de ambos actores. 
La emoción que el arte puede producir en un historiador puede verse en los ojos, los recuerdos, las visiones y las frases de Simon (MacAvoy). Su admiración ante una sala llena de cuadros perdidos, la forma de explicar un elemento iconográfico, el juego de convertirse en el personaje de una pintura… incluso sus más secretos sueños eróticos están relacionados con el arte. 
La obsesión del ladrón, por su parte, no tiene nada que ver con el hecho artístico, sino con el económico. Ladrones hay de todo tipo, pero los de arte siempre han tenido, en su mayoría, una sensibilidad especial. Hombres respetados del mundillo, ansiosos coleccionistas, enamorados, o al menos conocedores, de su presa. En ladrón de Vincent Cassel solo tiene de artístico el ser interpretado por el actor francés. Es un hombre de los bajos fondos, con dinero pero sin cultura. Con un plan pero sin conocimiento real de lo que significa el golpe para la historia. No ve óleo, ve billetes. Y en el arte hay muchos, pero que muchos de ellos. Y de los grandes. Allí todos tienen dinero. Lo que importa es demostrarlo. Y no hay mejor forma de hacerlo que mediante la propiedad. Y si es digna y da caché ilustre e intelectual, mejor. Dice más un cuadro que un coche. Y el dinero vuela cuando de arte se trata. El ladrón de Cassel lo sabe. 



El cuadro de la obsesión es Vuelo de brujas (1798), de Goya. El único de una serie de seis que hoy se conserva en el Museo del Prado y que, casi con total seguridad, nunca estará vendiéndose en una subasta en Londres. Si algo tiene que ver con la trama, más allá de ser el objeto alrededor del cual gira todo, es su oscuridad, la locura, los entresijos de la mente, la magia, las brujas… elementos que están representados en la historia por cada uno de los personajes principales, o hacen efecto en ellos. Rosario Dawson podría ser las brujas. El burro es siempre la ignorancia. Ignorancia de los personajes de McAvoy y Cassel, que serían los dos hombres que tras llegar a la cima, se tapan los oídos y se esconden bajo una sábana para no escuchar las voces engañosas y caer en el encantamiento, o la maldición… Goya es uno de los pintores, junto a Picasso, más citados en el cine (biopics, cuadros colgados en paredes de casas, colecciones y museos, diálogos, planos basados en su pintura y grabados, la luz y la oscuridad…). En este caso la excusa era el robo, lo que une el valor económico al artístico. Curiosamente, Goya tiene un grabado que critica los expolios de arte. 


El robo en cuestión es el que abre, de forma impactante, la película. La voz en off de MacAvoy nos va guiando por los menesteres de una subasta y los dispositivos de seguridad de las mismas. La casa de subastas, como no podía ser de otro modo, está en Londres, centro junto a Nueva York del comercio de arte actual. El tema de la seguridad pasa por el filtro del cine de acción, robos y atracos, pero tiene su lógica en cuanto a que se comprueba el entrenamiento al que se someten los propios trabajadores de la casa ante una posible situación límite, algo necesario para la seguridad del patrimonio y que no siempre se hace. El robo, es tan exagerado como eficaz dentro de una película de estas características. Ruidoso, multitudinario, en plena subasta. Nunca un ladrón de arte se hizo ver tan explícitamente, guerras y terrorismo aparte. ¿Hay secretos mejor guardados? Un día se descubren cuadros en un sótano del lugar más recóndito e insospechado. Otro día un coleccionista se levanta y ve sus paredes vacías (los recientes robos de Francis Bacon). Al día siguiente se intercepta un barco sospechoso con un Picasso (el del señor Botín)…y así sucesivamente. Pero lo que tenemos delante es puro thriller de acción. No hay lugar para robos silenciosos. 



Ni aun así no es fácil entender la película más enrevesada de Boyle. Difícil no solo la primera vez. Puedes ir a preguntarle a una bruja, puedes preguntarle a Goya o puedes preguntarle a Danny Boyle. Y si sigues sin enterarte de nada, prueba a ver la película de nuevo. A lo mejor descubres que puede ser que, quizás, por casualidad, así como quien no quiere la cosa, lo mismo sales con una idea aproximada de que va todo este lío lleno de arte.  


Valoración. 8.5 / 10 

TRANCE (2013) 
Director: Danny Boyle 
Reparto: James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson, Tuppence Middleton, Danny Sapani, Wahab Sheikh, Lee Nicholas Harris, Ben Cura, Gioacchino Jim Cuffaro, Hamza Jeetooa 
Género: Thriller, acción 
Duración: 97 min.