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domingo, 30 de septiembre de 2018

CRÍTICA DE EL REVERENDO (2017)

9:27:00 1 Comentarios

TAN REAL, TAN EXTRAÑAMENTE IRREAL


Película extraña de esas que no sabes si te gustan o te aburren. Lenta, fría, absurda, inverosímil, intensa y obsesiva a partes iguales. Todas las partes igual de sorprendentes. Por extrañas. Y porque el tema te va creando tantas dudas como al protagonista, cuyo final puede ser el tuyo: ya sea porque te guste, o porque te aburras. 

La mezcla de religión, intereses económicos, amor y activismo-ecologista-sectarismo-apocalíptico, junto a la inquietante quietud de los personajes y del mundo que les rodea –silenciosamente estático en su conflicto y su acción de avanzar- es lo que confiere a El reverendo esa extraña cualidad de candidata a película de culto –si eso aún es posible- resultado de una época y un contexto definido, o a película totalmente olvidable. 

Ethan Hawke y Amanda Seyfried no hacen más que ayudar a incrementar el desasosiego. Casi sin palabras. Con gestos lánguidos y miradas de profundo significado o sin significado alguno. Con más atracción sobrenatural que natural. Sus rasgos, unidos a una atmósfera ciertamente incómoda donde hasta las lámparas te observan, arrastran a cualquiera a la perdición: por hipnosis, o por aburrimiento.


El director Paul Schraeder arriesga tanto que quizás acierta en la misma medida. Todo es tan realmente cierto que parece inverosímil: las dudas, los remordimientos, el terrorismo, el ecologismo exacerbado, el pensamiento apocalíptico, la obsesión, la muerte, los problemas, Dios, la religión, el dinero, la conciencia, el amor. Nada escapa a la rareza de la verdad ni a la exageración de la mentira. Es extraño. Y al final, o te gusta, o te aburres. Como de la realidad. 

Valoración: 7 / 10



EL REVERENDO, “FIRST REFORMED” (2017)
Director: Paul Schrader
Reparto: Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Michael Gaston, Cedric the Entertainer, Victoria Hill, Philip Ettinger, Bill Hoag, Michael Metta, Frank Rodriguez, Mahaleia Gray, Elanna White, Satchel Eden Bell, Joseph Anthony Jerez, Jake Alden-Falconer, Otis Edward Cotton, Delano Montgomery.
Género: Drama, religión
Duración: 108 min.

domingo, 27 de mayo de 2018

CRÍTICA DE DISOBEDIENCE (2017)

11:03:00 0 Comentarios

LLAMÉMOSLO DESOBEDIENCIA


El mundo es gris, nublado, frío, estático, sin perspectiva. Todas las pelucas son iguales. Feas. Faldas cortadas por el mismo patrón. Las normas están para cumplirlas. A rajatabla. Y más. ¿Qué la película es seca, lenta, sin movimiento, silenciosa…opresiva? ¿No es así como se siente? Desobediente. Cuando la religión sobrepasa su sentido. Y desobedece. Entrando en el terreno del radicalismo. Y la obediencia extrema. Que lleva a la locura. Y a la desobediencia. ¿Avanzamos? Ahora sí. Podemos. Desobedecer cada regla. Desobedeciendo las creencias. Propias y adquiridas. La cámara se mueve. La cama también. Hay música. Por fin. Suena el corazón. La vida. Bajo la ropa interior. Humedad y saliva. ¿Desobediencia? ¿Extenuación? Libertad a escondidas. La historia de una escena de sexo que rompió con todo: con la rigidez, la frontalidad, la parálisis, la ausencia de comunicación. ¿El resto? Represión. ¿Aburrida? Represión. ¿El fin? La salvación. La libre elección. Sin libre albedrío. Dentro de Dios. De los judíos. Pero con una puerta abierta. Al exterior. A un amor que un día cogió un taxi.


Valoración: 6 / 10


Director: Sebastian Lelio
Reparto: Rachel Weisz, Rachel McAdams, Alessandro Nivola, David Olawale Ayinde, Mark Stobbart, Cara Horgan, Sophia Brown, Lasco Atkins, Bernardo Santos,
Dominic Applewhite, Omri Rose, Liza Sadovy, Dave Simon, Trevor Allan Davies, Cristian Lazar
Libro: Disobedience, de Naomi Alderman
Género: drama, homosexualidad, religión
Duración: 114 min.

miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA LLAMADA (2017)

10:37:00 0 Comentarios
UNA LLAMADA PERDIDA 
Por Lucía Pérez García 


Si a Dios le gusta el electro latino, yo me hago atea. Otra cosa es que cante –y muy bien- por Whitney Houston. Y otra más curiosa aún, es que sea de un blanco lavado con Perlán. Cuando, docenas de películas mediante, ya me había hecho a la idea de que Dios era negro, viene este señor y me destroza las expectativas. ¿Qué canta por una negra? Ah, eso lo arregla todo. Bueno, no todo. Porque lo que no es Whitney Houston o Presuntos Implicados no se merece el cielo. O sea, que la música original brilla por su presencia, y no precisamente como el oro. Cuando Belén Cuesta y Gracia Olayo me cantan “Estoy Alegre”, yo les respondo que sí, pero que solo un poco. Cuando Macarena García me canta “Si esto es fe”, yo le digo que no. Y el remate. Cuando Macarena García y Anna Castillo me cantan “Lo hacemos y ya vemos”, yo les respondo que mejor que no, que no lo quiero ver. ¿Tan mal lo hacen? No. No es eso. Si cantar, cantan bien. Es otra cosa. Y no es precisamente una llamada. 



Tampoco es precisamente gracia. Ni divina ni de la otra. Un poco sí, pero a ratos. Todos los de Sor Bernarda, y algunos –demasiado pocos para la gracia que tiene Belén Cuesta- de Milagros. El niñateo tiene la gracia justa -muy justita- para justificar el cambio radical de las chicas y poco más. Y la cocinera es un añadido. Y no, no es que actúen mal –no hay nadie como Anna Castillo para hacer de niñata-. Es otra cosa. Es que no le termino de encontrar del todo la comedia. Ni el musical… 

Me prometieron que me llamarían, que escucharía la llamada. Me prometieron que sería divertida y que no querría colgar. Que la música hace milagros. Pero el único milagro que he presenciado durante la película ha sido que, por primera vez en mi vida, me ha gustado escuchar una canción de Presuntos Implicados. Y la única llamada que he recibido, me ha cogido con el móvil apagado. Normas del cine.  

Valoración: 6 / 10 


LA LLAMADA (2017) 
Director: Javier Ambrossi, Javier Calvo 
Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo, Richard Collins-Moore, María Isabel Díaz, Secun De La Rosa, Víctor Elías, Esti Quesada 
Género: Musical, comedia, religión 
Duración: 108 min.

lunes, 16 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA CABAÑA (2017)

10:13:00 0 Comentarios
EN EL NOMBRE DEL PADRE, DEL HIJO Y DEL ESPÍRITU SANTO 
Por Lucía Pérez García 


En busca de la felicidad más allá de los sueños habitaban angelitos negros que, en lugar de tocar las maracas, marcaban el ritmo al son de la música de Aaron Zigman. Todo era florido y hermoso. Porque de colores se visten los campos en la primavera. Así son los milagros del cielo según el director Stuart Hazeldine y, sobre todo, según William Paul Young, algo así como el escritor de Dios. Padre, Hijo y Espíritu Santo. Negro, por su puesto. Amarillo y chocolate. Lo de las barbas solo se lleva en la tierra. La eternidad es transcendente. Y lo transcendente es antiséptico y relimpio, a la par que ceremonioso, pausado, tranquilo y un poco lacio. Qué bonito todo. Qué paz. Qué lata en ocasiones. Pero qué bonito todo. Aunque un poco repipi, para que mentir. 

Entre carreras sobre el agua, paseos por jardines de fantasía y charlas al calor de un café, el cielo se abre para el personaje de Sam Worthington -acostumbrado a las asombrosas tierras de Avatar, no sé de qué se sorprende-. Miradas al interior, búsqueda de un sentido, perdón. Una homilía de poco más de dos horas camuflada tras un paisaje fabuloso y pronunciada por la siempre risueña Octavia Spencer con ayuda del curioso y simpático Jesús de Avraham Aviv Alush, una más aburrida Sumire en el papel del siempre incomprendido Espíritu Santo, y Alice Braga, una ocupa con aires de reina de las nieves llamada Sofía, alias sabiduría. Así, pues sí. Y si encima da un poco de pena, pues claro. Aunque es un poco repipi, para que mentir. 



Nada de lo que dice está fuera de lugar. A muchos les abrirá su propio cielo. A otros les cerrará los ojos de sueño. A unos les hará pensar. A otros no les gusta que las películas les hagan pensar. A unos les señalará un nuevo camino. A otros les señalará el camino a casa desde el cine. A unos les gustará, y llorarán. A otros les hará despotricar. Pero a nadie le habrá hecho mal. Y además, es todo super bonito. Aunque un poco repipi, para que mentir.  

Valoración: 5.9 / 10 



LA CABAÑA, “THE SHACK” (2017) 
Director: Stuart Hazeldine 
Reparto: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Graham Greene, Megan Charpentier, Ryan Robbins, Gage Munroe, Jordyn Ashley Olson, Alice Braga, Sumire Matsubara, Avraham Aviv Alush, Lane Edwards, Carolyn Adair 
Libro: La cabaña, de William Paul Young. 
Género: Drama, religión 
Duración: 132 min.

lunes, 9 de enero de 2017

CRÍTICA DE SILENCIO (2016)

18:37:00 0 Comentarios
UNA SILENCIOSA LLAMADA DE  FE
Por Lucía Pérez García






No hay silencio más ruidoso que el de la duda:
Por eso Shusaku Endo tituló así una novela de la que Scorsese no pudo más que respetar cada palabra, imaginando un grandísimo guión.
Por eso la película ha terminado saliendo a flote después de tantos años de incertidumbre. 
Por eso el sonido ambiente es parte esencial. 
Por eso la música de Kim Allen y Kathryn Kluge es omnipresente en su casi inexistencia. 
Por eso el paisaje abruma. 
Por eso el mar y sus olas. 
Por eso un estilo que, en su grandeza, roza lo independiente. 


No hay silencio si sabemos escuchar:
Por eso habla la naturaleza, y hasta una simple existencia. 
Por eso la paciencia. 
Por eso Kichijiro. Porque Dios nos pone a prueba.
Por eso los personajes se consumen –física y psicológicamente- en su ignorancia. 
Por eso las terribles y explícitas torturas. 
Por eso no percibimos la música cuando ÉL se manifiesta. 
Por eso el sutil y a la vez explícito paralelo con la Pasión. 
Por eso la confusa actuación de Andrew Garfield (más floja, pero más profunda que en Hasta el último hombre).
Por eso la angustia y la desesperación. 
Por eso las casi tres horas de película. Escuchar requiere su tiempo.
Por eso Scorsese no ha hecho una película divertida y para todo el mundo (como El lobo de Wall Street), ni una película excelente y perfecta, sino una obra solo apta para aquellos dispuestos a entregar los sentidos. A ver el verdadero sentido. 


Y después ¿qué? 
Aunque nadie lo sepa, incluso aunque tú mismo no te hayas dado cuenta, Dios sabrá si has escuchado. Pon atención y ten fe, porque ese Silencio te ayudará a soportar el mayor de los tormentos imaginable. Escucha. Porque estará donde menos te lo esperas.





Valoración: 8.8 /10



SILENCIO “SILENCE” (2016)

Director: Martin Scorsese

Reparto: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Issei Ogata, Tadanobu Asano, Shin'ya Tsukamoto, Ryô Kase, Sabu (AKA Hiroyuki Tanaka), Nana Komatsu, Yôsuke Kubozuka, Yoshi Oida, Ten Miyazawa

Novela: Shusaku Endo

Género: Religión, drama.

Duración: 159 min.

martes, 6 de septiembre de 2016

CRÍTICA DE BEN HUR (2016)

12:26:00 3 Comentarios
BEN JU, JU, JU 
Por Lucía Pérez García 






Así se ríe Timur Bekmambetov de la novela de Lewis Wallace. De un ladrillo involuntario traspasado por una flecha revolucionaria. Del amor fraternal. “Muy progresista”. Dice Judá. Los guionistas, Keith R. Clarke y John Ridley (ganador de un Oscar por 12 años de esclavitud), también se ríen. Ju, Ju, Ju.  

El director de Abraham Lincoln: Cazador de vampiros (2012) se ríe del que nos dejó: La loba (1941), Los mejores años de nuestra vida (1946), La heredera (1949), Vacaciones en Roma (1953), Horizontes de grandeza (1957)... y el Ben Hur más grande la historia. Se siente elegido por alguna divinidad. Seguramente romana. Seguramente la más pagana de todas. Se siente capaz porque -¡Atención!- en su momento dirigió el remake de una tal The arena (Steve Carver y Joe D'Amato, 1974), llamado Gladiadoras (2001)... Cree que puede maravillar al mundo en dos horas, cambiando a Charlton Heston por el insípido e insulso John Huston y metiendo, así como quien no quiere la cosa, a Morgan Freeman. Ese que conoce tan bien a Dios. Cree que nos va a emocionar. Y no sabe que solo se salva el Mesala de Toby Kebbel. El malo tenía que ser.


Se ríe de Miklos Roksa. La música instrumental. Marco Beltrami. Un compositor capaz de algo tal como El tren de las 3.10 (James Mangold, 2007). Lleno su salón de premios, como llena su filmografía de películas malas, malísimas y olvidables. Contradictorio e irrisorio. Porque se ríe. Nos engaña con un buen tema principal para burlarse de nosotros con el resto. Y la canción final. Horrible remate a ¿el peor y más innecesario remake de la historia? Escuchar la canción “The Only Way Out” de Andra Day en la escena final es la peor de las pesadillas cinéfilas. La peor canción final desde el “Imagine” de Los gritos del silencio (Roland Joffé, 1984). 


Todo es risa en este Ben Hur del siglo XXI. Ni carrera ni nada. De usar y tirar. Y porque estamos en plena época de palomiteo veraniego. Pero… quien ríe el último ríe peor. Profecía o no. Se intuyen 11 Oscars convertidos en 11 Razzies como la copa de un pino. 


BEN HUR (2016) 
Director: Timur Bekmambetov 
Reparto: Jack Huston, Toby Kebbell, Morgan Freeman, Rodrigo Santoro, Nazanin Boniadi, Pedro Pascal, Olivia Cooke, Ayelet Zurer, Sofia Black-D'Elia, Alisha Heng, Marwan Kenzari, Nico Toffoli Género: Aventuras, drama, remake. 
Duración: 124 min. 


jueves, 30 de junio de 2016

CINE Y ARTE: EL NOMBRE DE LA ROSA (1986)

11:09:00 3 Comentarios
EN EL NOMBRE DE LA ROSA, DE UMBERTO ECO, DE JEAN JACQUES ANNAUD Y DE SEAN CONNERY. AMEN. 
Por Lucía Pérez García

Justo antes de comenzar a relatar el primer día, Adso teme que el recuerdo merme sus facultades: “Ojala mi mano no tiemble cuando me dispongo a narrar lo que sucedió después”. Justo antes de empezar a leer el primer día de Adso, yo ya no podía despegar mis ojos del libro. Mis temores no estaban en el recuerdo, sino en quedarme petrificada ante tal fascinación novelesca y no ser capaz de hacer otra cosa que seguir leyendo. Mis manos no temblaban, pero mi cabeza vivía inmersa en un laberinto de bibliotecas e iconografía medieval del que me era imposible salir. Cuando no tenía el libro de Umberto Eco en las manos, tenía uno de historia del arte medieval, o incluso el Apocalipsis. Justo antes de llegar a la última frase del último día, la película de Jean Jaques Annaud me esperaba dentro del DVD. En palabras del director: “una entretenida trama policiaca. Una historia asombrosa que te lleva a otro mundo”.  


Eran todos tan feos… Ron Perlman a la cabeza. ¿Acaso no eran feas las representaciones del mal del arte medieval? Fachadas y capiteles llenos de criaturas esperpénticas, terroríficas, dignas de cada pecado, mortal y capital, para adoctrinar a los fieles iletrados, supersticiosos y asustadizos. ¿No hay superstición también en estos personajes? El director francés buscaba realidad. Histórica, pero también literaria. La propia historia destila una misteriosa maldad: “La tierra baila la danza de Macabré; a veces me parece que surcan el Danubio barcas cargadas de locos que se dirigen hacia un lugar sombrío”. 




Sean Connery… 
Presencia. Por él mismo. Cualquier papel a cualquier edad. No importa. Es Sean Connery. Es William of Baskerville. No podía ser otro y así quedará para siempre, pese a que las dudas asaltaron a Annaud durante el casting. La luz del conocimiento y la belleza entre tanta suciedad y conspiración maléfica. La criatura opuesta del lado derecho del tímpano. La que tiende la mano a Dios, aunque con cierto orgullo intelectual, siempre en pos del bien. Su personaje es todo: el bien, la inteligencia, la deducción y la transmisión del conocimiento.  


La arquitectura… 
La palabra espectacular es un pobre cúmulo de letras al lado del diseño de producción de las películas de Annaud (Siete años en el Tibet, El oso, Enemigo a las puertas, El último lobo). Un adjetivo que con la fotografía de Tonino Delli Colli y la música de James Horner aumenta más si cabe. Porque la arquitectura no es solo ella misma, sino todo lo que la habita y la rodea. Fiel a la historia. Rodada entre el monasterio cisterciense de Eberbach (pese a que el arte cisterciense alcanzó su apogeo en el siglo XII, y que a principios del XIV muchos de estos monasterios quedaron en ruinas, este monasterio sobrevivió) y los grandiosos decorados construidos en Italia. Con la niebla y la nebulosa y húmeda suciedad siempre presentes. Y una música anacrónica y con cierta atonalidad, grave, solemne y sobretodo misteriosa, que incrementa la oscuridad del entorno; acompañada de los siempre inquietantes cantos gregorianos, cuyo eco transmite más que ningún otro elemento, la forma, la función y el espacio de esta arquitectura religiosa. Enorme.  



Los códices… 
El conocimiento. Se puede depender de él como de una droga. Más aún incluso. Querer más y más. Llegando a matar. Muerte por curiosidad intelectual. Lo creo. Y en la Edad Media, es que algunos siguen considerando oscura, el conocimiento era parte esencial. Los monasterios eran criaderos de eruditos. Hombres proponiendo teorías hasta debajo de las piedras (o de la mugre). Hombres afanados hasta perder la vista y sangrarle los dedos en copiar esos textos para su transmisión futura. Sin ellos, hoy no sabríamos ni la mitad. Hoy solo sabríamos que sabríamos absolutamente nada. La oscuridad medieval no es tal. Es luz y nada más. 
Las bibliotecas y scriptorium son parte esencial de la historia. En la película no falta detalle, como no falta en la descripción que de ellos hace Adso en la novela: “El scriptoprium me parecía un tranquilo y jubiloso taller del conocimiento. Los sitios mejor iluminados estaban reservados a los restauradores, miniaturistas, expertos y copistas. Cada mesa tenía todo lo necesario para pintar. Tinteros, plumas finas que muchos monjes afilaban con cuchillos, piedras pómez para fijar el pergamino y reglas para trazar las rayas de los versos”. 


Miniaturistas. Porque no solo había textos. Las letras se acompañaban de dibujos de no menor significado. Parte fundamental de la historia del arte. De entre los millones de códices iluminados que existen, los beatos merecen mención importante. Umberto Eco lo sabía y por eso los incluyó como parte de la trama principal. Sumergirse en su iconografía apocalíptica es bucear por los colores, los ojillos redondos y expectantes de las figuras, criaturas infernales y, por su puesto Dios. Sumergirse doblemente en un beato y en El nombre de la rosa, es el colmo del éxtasis cinematográfico, artístico e intelectual. Tu cabeza puede entrar en un bucle con forma de escalera de caracol de biblioteca de monasterio. 

Yo aún sigo subiendo y bajando por esas escaleras: Stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemos… 


Valoración: 8.5 / 10 
EL NOMBRE DE LA ROSA, “THE NAME OF THE ROSE” (1986)
Director: Jean-Jacques Annaud 
Reparto: Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Valentina Vargas, Ron Perlman, Feodor Chaliapin Jr., William Hickey, Volker Prechtel, Leopoldo Trieste, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Habeck, Urs Althaus, Vernon Dobtcheff, Andrew Birkin 
Género: Drama, intriga, religión 
Duración: 131 min.

 

sábado, 26 de marzo de 2016

CRÍTICA RESUCITADO, "RISEN" (2016)

20:30:00 0 Comentarios
EN BUSCA DE LA FE
Por Lucía Pérez García  






Resucitado “resucita” aquella película italiana de título tan largo: Una Historia que Comenzó Hace 2000 Años (Damiano Damiani, 1986). No lo hace intención de remake, como la de Giulo Base de 2006. Pero el parecido es más que razonable: incuestionable. También lo son las diferencias, precisamente en lo fundamental.  

El cine actual tiende a enseñar más de lo que debe. Busca en impacto en la imagen, y si puede, se recrea en él. Como el Cristo de la Clemencia de Martínez Montañés, El Cristo de Resucitado nos mira desde la cruz. Pero su rostro no muestra la piedad que le dio el escultor sevillano. La imagen de este Cristo es puro sufrimiento. Rictus de muerte que, en su realismo, parece negar las palabras: “perdónalos porque no saben lo que hacen”. Y sin embargo, no las niega. Porque los ojos con los que nos mira están filtrados por los de un romano que, un segundo después, ya siente la culpa y el remordimiento. Más tarde, serán las numerosas apariciones de Cristo resucitado las que guíen al sorprendido romano hasta el “Sí creo”. 


Esta búsqueda de la emoción de forma tan explícita resta valor, emocional y espiritual, a la película de Kevin Reynolds. El cine clásico supo traernos a Jesús en las miradas del pueblo. Bastaba eso para que todo Él estuviera entre nosotros. La Túnica Sagrada y Ben Hur son ejemplos magistrales de esta emoción. La de Damiano Damiani, más de treinta años después, se unió a ellas llevando el recurso al extremo. Allí, Dios está en todas partes, pero en espíritu. Está incluso donde el protagonista no lo sabe. La fe, ese “sí creo”, no se cuenta en versión Tomás (imagen que no falta en Resucitado), sino desde el trauma interior y la locura por el descubrimiento de un misterio que ya está dentro antes de que se sepa descifrado. La diferencia es clara. Aunque Joseph Fiennes se esfuerza. Realmente se esfuerza. El director Kevin Reynolds también. 



Pero Resucitado tiene otros atributos que le ayudan superar este bache. Uno de ellos es, paradójicamente, el realismo. La secuencia de la crucifixión es una de las más fieles a la historia de todas las que ha dado el cine, Mel Gibson incluido; y la recreación del ambiente es espectacular, con especial mención a los paisajes almerienses. La música también podría incluirse dentro de este apartado, ya que Roque Baños (no olvidemos que estamos ante una coproducción española) utiliza una instrumentación adecuada al lugar y la época que dan, en su fusión con la orquesta y el coro, un toque de Antigüedad. Aunque no acierta en toda su extensión y tiene reminiscencias del cine histórico actual, consigue momentos que superan la búsqueda de emoción a la que no llega la imagen. 


 

Y así, llegamos al momento en el que la película nos interpela a nosotros. ¿Qué mejor momento para hacerlo que en Semana Santa? La fecha de estreno ha sido el mayor acierto, y la mejor homilía.  


Valoración: 6 / 10 

RESUCITADO, “RISEN” (2016) 
Director: Kevin Reynolds 
Reparto: Joseph Fiennes, Tom Felton, Cliff Curtis, Peter Firth, Stewart Scudamore, María Botto, Mish Boyko, Mark Killeen, Stephen Hagan, Stephen Greif, Antonio Gil, Luis Callejo, Richard Atwill, Andy Gathergood, Jan Cornet, Joe Manjón, Pepe Lorente, Selva Rasalingam, Stavros Demetraki, Manu Fullola, Mario Tardón, Àlex Maruny, Paco Manzanedo, Frida Cauchi. 
Género: Drama, histórico, religión. 
Duración: 107 min.


 

viernes, 25 de marzo de 2016

CRÍTICA UNA HISTORIA QUE COMENZÓ HACE 2000 AÑOS, "L´INCHIESTA" (1986)

21:04:00 0 Comentarios
HACE 2000 AÑOS, Y HOY MISMO
Por Lucía Pérez García 






Comenzó hace 2000 años y todavía sigue dando que hablar. Como hecho de fe, como historia y como leyenda. Y el cine, que habla de todo, da igual el año en que comenzara, nunca ha dejado de contarlo. La resurrección de Cristo es “carne” de cine. Tiene “espíritu” de cine. Misterio, intriga, thriller psicológico, drama, aventuras, épica… toca lo más grande, material y espiritualmente, y lo más profundo, lo que no se ve, aquello de lo que se duda. 

Siendo un asunto tan cinematográfico, es tarea imposible encontrar una década en la que no se haya hecho una película, serie o documental que lo aborden. Todos recordamos los clásicos, pero todos los países han querido rendir homenaje a ese hombre que, no importa lo creyente que uno sea, encarna un mensaje universal en el que la resurrección juega un papel fundamental. 

ItalIa, cuna del péplum (todavía se alzan en los estudios de Cinecittá una gran ciudad romana) y lugar histórico implicado en la historia sagrada, no podía quedarse atrás. Su especial sentido del cine: fundado en el Neorrelismo, con cemento y ladrillos americanos y con tejado de Spaghetti Western, ha dejado obras más que peculiares en todos los géneros. El bíblico es uno de ellos. Desde El Evangelio Según San Mateo de Pier Paolo Pasolini (1964), hasta las tropecientas mil series y películas para televisión, pasando por esta curiosidad titulada Una Historia que Comenzó hace 2000 Años.  


Damiano Damiani, como el mismo cine de su país, creció con Vittorio De Sica y compañía, y amaneció para el celuloide en la edad del eurowestern, género del que participó con Yo Soy la Revolución (1966) o El Genio (1975). Todo ello se mezcló en una obra dominada por la crítica social y política, en la que tenían cabida actores de talla internacional. Una Historia que… fue una de sus últimas películas (la última fue Ángeles de Negro, protagonizada por Carmen Maura en 2002), y quizás la más alejada, pero cercana al a vez, de su temática predilecta. Y es que las intrigas del poder y las revueltas del pueblo son algo que siempre está de actualidad. 

Hace 2000 años, según nos cuenta Damiani: el pueblo de Jerusalén estaba inquieto, Tiberio quería saber, Pilato no quería que se supiera, su mujer, Claudia, no quería entrar en su juego, Tito Valerio Tauro intentaba descubrir y descubrió sin enterarse de que lo había conseguido… todo un rompecabezas que acaba por descubrirnos el poder de la fe, y las argucias del poder que hacen perder la fe en el mismo. El misterio llega a convertirse en locura. El metraje avanza. Jesús no aparece pero está siempre presente. Se diría de él que es un protagonista invisible. Pero como finalmente termina viviendo Tauro en sus propias carnes, no es tan invisible como parece. Es precisamente ese detalle el que eleva la cinta por encima de lo esperado. Una cinta que ni siquiera está etiquetada como bíblica o religiosa, sino como drama, intriga y misterio. Lo espiritual no se ve, se siente. Más cuanto más nos acercamos al final de la investigación.  



Protagonizada por Keith Carradine y un Harvey Keitel con cara de llamarse Máximo Décimo Meridio, no cae en las convenciones del spaghetti. No está rodado en España, sino en Túnez. No busca el plano estilizado. Pese a que la búsqueda es ardua, no se detiene más de lo necesario en pasajes eternos. Y el westerniano Riz Ortolani, se mantiene lejos del estilo morriconiano. No hay más western que el hecho de un hombre atormentado. Pero su tormento no acaba en el cañón de un rifle, sino en la apertura del corazón al misterio más grande la humanidad, a la historia más grande jamás contada. 


Una Historia que Comenzó hace 2000 Años fue nominada a tres David di Donatello, ganando Llina Sastri el premio a mejor actriz secundaria. En 2006, el también italiano Giulio Base hizo un remake, de calidad cuestionable, titulado En Busca de la Tumba de Cristo, protagonizado por Max Von Sydow. Esta Semana Santa 2016, Joseph Fiennes volverá a encarnar a ese detective espiritual en Resucitado. Peor esa será otra historia ¿No era la misma?...  


Valoración: 7 / 10 

UNA HISTORIA QUE COMENZÓ HACE 2000 AÑOS 
Director: Damiano Damiani 
Reparto: Keith Carradine, Harvey Keitel, Phyllis Logan, Angelo Infanti, Lina Sastri, John Forgeham. 
Género: Drama, histórico, religión 
Duración: 107 min.