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domingo, 30 de diciembre de 2018

CRÍTICA DE A CIEGAS (2018)

11:06:00 0 Comentarios

NO DEL TODO A CIEGAS


Dos horas esperando un cameo… si esto no es un “incidente”, que venga Shyamalan y lo vea. La historia se repite…cada diez años. Y lo peor de todo es que la humanidad sigue desapareciendo. No aprendemos. Es mejor taparse los ojos y no mirar. Porque si miramos, seguro que encontramos una película similar. Esto ya lo hemos visto. Me suicido.

A ciegas debe verse a ciegas, dejando de lado posibles parecidos razonables. Sí, las comparaciones con El incidente son incuestionables. También son incuestionables las debilidades frente a aquella, empezando por lo predecible de prácticamente cada detalle de la trama. Aun así, hay razones para dejarnos llevar: la tensión es continua incluso cuando ya intuimos –o sabemos- lo que va a pasar; los personajes son lo suficientemente interesantes como para sospechar de todos y de ninguno -no así las actuaciones-, y como era de esperar de la dirección de Susanne Bier, el diseño de producción, la fotografía y la música son más que partes integrantes del todo.

Falta ese no desvelar que nos hubiera mantenido “a ciegas” durante todo el camino. Esa venda en los ojos que, como los mismo personajes, no debería habernos quitado hasta el final o, quizás, ni siquiera entonces.

Valoración: 6.5 / 10


A CIEGAS, “BIRD BOX” (2018)
Director: Susanne
Reparto: Sandra Bullock, John Malkovich, Sarah Paulson, Danielle Macdonald, Trevante Rhodes, Jacki Weaver, Rosa Salazar, BD Wong, Machine Gun Kelly, David Dastmalchian, LilRel Howery, Happy Anderson, Amy Gumenick, Parminder Nagra, Tom Hollander, Taylor Handley, Keith Jardine, Chanon Finley, Damon O'Daniel, Matt Leonard
Libro: Bird Box, de Josh Malerman
Género: thriller, ciencia ficción

Duración: 124 min.

sábado, 9 de junio de 2018

CRÍTICA DE JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO (2018)

10:25:00 0 Comentarios

NO HAN REPARADO EN GASTOS


Cuando llevas años esperando que los dinosaurios vuelvan a dominar la tierra y la película se te hace más larga que la espera, algo ha fallado en la cadena evolutiva. Me habían hecho creer que la vida se abría camino. Me habían prometido un sueño. Me dijeron que no repararían en gastos. Llevaba meses ensayando mi grito de guerra: “Lo ha logrado, ese loco de Bayona lo ha logrado...”. Y todo para nada. Bueno, sí. No han reparado en gastos. Pero, como bien decía John Hammond: “Que Dios nos asista. Estamos en manos de ingenieros...”.

Si hay algo que ha evolucionado hasta el extremo de lo extraordinario son los efectos visuales. El Rex no estaba tan guapo desde su aparición estelar en 1993, la estampida-erupción es cosa de otro mundo y la nueva especie consigue superar al Indóminus Rex. Pero la evolución ha corrido paralela a la costumbre y nuestros ojos de cinéfilos nunca más volverán a sentir la emoción de la primera vez. Descanse en paz, Isla Nublar.


Y como no solo de efectos espectaculares vive el espectador, la película se va consumiendo en su propia lava. La última mirada a la isla es también la última mirada –si bien una mirada emocionante-. La grandeza da paso a la claustrofobia de una mansión. Y es entonces cuando viene a la mente una de las famosas frases de Ian Malcom: “¿A quién tienen ahí, a King Kong?”. La amenaza de los dinosaurios es eclipsada por la amenaza del hombre en su intento de convertirse en Humanus Rex. La genética da un giro inesperado y la cuestión animalista se alza como protagonista. El hombre y su ambición dominan el argumento desde un punto de vista muy alejado de la visión soñadora de la premisa original, restando carisma e ilusión. Fuera de su hábitat, los dinosaurios ya no son lo que eran. No hemos aprendido nada de la excursión del Rex por las calles de San Diego…

Atrás quedaron los tiempos en los que las patas de cabra y los vasos de agua provocaban terror. Aquí lo único que da miedo es la música. Y no precisamente en el buen sentido. Todo el trabajo de John Williams queda resumido en dos pequeños momentos, probablemente los más emotivos de la película. Tampoco el tema del mismo Giacchino para Jurassic World consigue arreglar el estropicio. No hay descanso. Un tema detrás de otro sin sentido de la continuidad ni propósito narrativo. Un caos, en todos los sentidos, donde no hay forma de encontrar un punto de apoyo. Y los coros… un dinosaurio, por muy inteligente que sea, no puede hablar con voz humana, y el hombre aún no ha conseguido su total control. Se mire por donde se mire, nada tiene sentido.

Y dicho esto, la cuestión es la siguiente: Dios crea al dinosaurio, Dios destruye al dinosaurio. Dios crea al hombre, el hombre destruye a Dios. El hombre crea al dinosaurio. Spielberg lo santifica. Joe Johnston lo vuelve a destruir. Colin Trevorrow lo resucita. Bayona promete eternizarlo. Todo se queda en promesa. Así que, con permiso de Chris Pratt y Bryce Dallas Howard, que son lo mejor que le ha pasado a la saga desde Alan Grant e Ian Malcom –grande pequeña aparición-; y con permiso de Bayona, cuyo estilo es increíblemente inconfundible –en el mejor de los sentidos- y cuyo trabajo no puedo más que aplaudir; he decidido no avalar la película. No obstante, espero con ansia la siguiente… mis ganas no se extinguen.

Valoración: 6 / 10



JURASSIC WORLD: EL REINO CAIGO, “JURASSIC WORLD: FALLEN KINGDOM” (2018)
Director: J. A. Bayona
Reparto: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, James Cromwell, Rafe Spall, Toby Jones, Justice Smith, Daniella Pineda, Ted Levine, Geraldine Chaplin, Jeff Goldblum, B.D. Wong, David Olawale Ayinde, Bobbi Jo Hart, Daniel Stisen, Robert Emms, Kamil Lemieszewski, Michael Papajohn, Peter Jason, Sean Gislingham, Max Baker, Faith Fay, Kevin Layne, Daniel Eghan, Ronan Summers, Deborah Rock, Charlie Rawes, Manoj Anand, Cory Peterson, Fran Targ, John Heartstone
Género: Aventuras, ciencia ficción
Duración: 128 min.

martes, 29 de agosto de 2017

CRÍTICA DE VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS (2017)

13:04:00 2 Comentarios
VALERIAN, LAURELINE DE CARNE, HUESO Y PSICODELIA
Por Lucía Pérez García



La ciencia ficción debe mucho a Valerian y Laureline. Entre los muchos legados de sus misiones espacio-temporales, uno de los más importantes -además de impedir varios cataclismos nucleares, descubrir planetas o cambiar el pasado- ha sido la creación de todo un sistema de vida espacial reconocible en cualquier película del género que se precie. Ya era hora, pues, de que estos personajes se tomarán el cine por su cuenta.

Porque Laureline se puede mover como Pedro por su casa en los tiempos que corren, tan ideológicamente parecidos a los de su nacimiento en los años sesenta. Porque no solo de Goscinny vive el cómic francés. Porque Valerian haría buenas migas con los guardianes de la galaxia. Porque la tecnología lo permite. Porque Dane DeHaan (queda perdonado lo de Life) y Cara Delevingne forman esa extraña pareja de extraña belleza juvenil que no se puede dejar pasar. Y porque Alexandre Desplat tiene la increíble capacidad para controlar el espacio y el tiempo, galáctico (y aquí es donde la galaxia devuelve el favor a la creación de Jean-Claude Mézières), irónico y personal. ¿Se puede dar mejor momento?


Colores, criaturas a gogó (en todos los sentidos), psicodelia, espacios futuristas y grandes espacios abiertos (desérticos, espaciales y hasta avatarianos), curiosas apariciones como la de cawboy Ethan Hawke o la Rihanna intercambiable... Luc Besson, después de las desastrosas Malavita y Lucy, consigue la mezcla perfecta entre la esencia del cómic original y el entretenimiento palomitero, la acción justa y estéticamente controlada para no sentir que te están expandiendo temporalmente hasta la muerte por sobredosis de planos, y la diversión propia de la época del año para asegurarse de que nadie quiera transportarse a otro espacio durante las más de dos horas de película. Si a eso añadimos un cómic que puede hacer la competencia a mismo Asterix (por estilo de dibujo, por pareja protagonista, por tono cómico, por época y por nacionalidad) y un título de esos que gusta pronunciar (da igual en español que en inglés que en francés), se puede pasar que Laureline se apropie de la faceta más manida de Delevigne, que en el tramo final el guión sufra de turbulencias aeroespaciales o que se cambien ciertos detalles del cómic, en su mayoría para acercarlo a la actualidad.

Fuera los prejuicios planetarios. Quien no se arriesga a meterse en un agujero negro, nunca sabrá si puede ser absorbido…

Valoración: 6.8 / 10


VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS, “VALERIAN AND THE CITY OF THE THOUSAND PLANETS” (2017)
Director: Luc Besson Reparto: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Ethan Hawke, Rihanna, Herbie Hancock, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya
Género: Ciencia ficción, comic
Duración: 137 min.

lunes, 2 de enero de 2017

CRÍTICA DE PASSENGERS (2016)

10:16:00 0 Comentarios
PASSENGERS: UN VIAJE DE INFINITO POTENCIAL DESEQUILIBRADO 
Por Lucía Pérez García



Intenta por un momento despertar noventa años antes de tu vida. Intenta hacerlo en otro lugar. Infinito. Cerrado. Solo. Náufrago en una cárcel de lujo. Solo. Intenta despertar allí con un desconocido. A la vez sueño y asesino de soledad. Solo. Imagina tener el universo y no tener nada. Un mínimo pasado y un futuro imposible. Soledad. Intenta no pensar en ti. No ser egoísta. 


Intenta escribir una historia. Intenta hacer una película. Busca la emoción. Intensa. En combate a muerte con la ética, los valores, la moral. La humanidad. Busca la inteligencia y el ingenio. La supervivencia. Intenta mezclarlo todo un en un agujero negro. Intenta no ver el horizonte. Un mundo infinito de posibilidades. Espectacular. Intenta que te salga mal. Imposible. 

Intenta recordar The imitation game. Intenta ver a Chris Pratt y Jennifer Lawrence. Intenta escuchar a Thomas Newman. Intenta pensar en un fracaso. Imposible. 


Deja de intentarlo y déjalo en manos de Morten Tyldum. Deja que te lleve. Enciérrate en su cápsula y duerme su sueño. ¿Sueño o pesadilla? Debía ser las dos cosas. ¿Qué ves? ¿Qué sientes? ¿Un poco de decepción por un montaje de juguete? ¿Por una banda sonora que se escucha mejor fuera que dentro, y se desequilibra en enormes aciertos y claros fallos? ¿Por unas actuaciones con grandísimos momentos –los dos más importantes- y escenas horribles? ¿Por un desperdicio tal de guión? 

¿Solo eso? No lo creo. ¿No sientes también que has disfrutado? ¿Qué has estado casi dos horas entretenido sin un bostezo ni miradas de reojo al reloj? ¿Qué te ha encantado el Arthur de Michael Sheen? ¿Qué desearías tener en tu casa un robotito recoge sobras? ¿Qué, por un momento, has querido estar allí? ¿Qué has querido ser uno de los protagonistas? ¿Qué has peleado contigo mismo para averiguar qué harías en su lugar? 


Quizás Passengers -fuera de comparaciones inútiles- no te ha emocionado a lo grande. No has llorado ni te has comido las uñas de tensión. Has llegado a la conclusión de que se pueden hacer malas películas con medios potencialmente geniales. Has llegado a la conclusión de que hay películas malas, y películas malas con potencial, entretenidas y con lugares tan grandes como los momentos clave de la decisión y el despertar. Has comprobado el tirón de las estrellas. Y has salido del cine con un pequeño –aunque importante en ciertos aspectos- porcentaje de disgusto y una gran parte –la mayor de todas- de satisfacción. Porque has visto algo y no te ha dejado indiferente. Ni en lo bueno, ni en lo malo. ¿Un 5? Y un poco más. Para bien. 


Valoración: 6 / 10 

PASSENGERS (2016) 
Director: Morten Tyldum Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García, Julee Cerda 
Género: Ciencia ficción, aventuras, romántica. 
Duración: 116 min.

sábado, 31 de diciembre de 2016

CRÍTICA DE ASSASIN'S CREED (2016)

9:48:00 2 Comentarios
ASSASIN’S CREED: NO HAY LUGAR PARA LOS VIDEOJUEGOS EN EL CINE 
Por Lucía Pérez García



Desde mi giralda particular. Desde el interior de la verdadera catedral de Sevilla. Pienso (en voz muy alta): ¡Malditos efectos digitales! ¡Maldito el día en el que al director Justin Kurcel se le ocurrió que la capital hispalense se vería igual de bonita sobre una pantalla verde, azul o de un color que dista de ser especial! ¡Maldito el día! Porque gracias (o desgracias) a los avances tecnológicos, Sevilla perdió la oportunidad de albergar otro monumento digno de ser nombrado patrimonio de la humanidad: el señor Michael Fassbender. Sin despreciar a talentos tales como Marion Cotillard y Jeremy Irons, por su puesto. 

Grandilocuencia y superespectacularidad. Suministradores potenciales de transcendencia. Justin Kurcel juega con la imagen como si fuera lugar de reunión de toda la importancia del mundo –y realmente Sevilla lo fue en su momento-. Donde reside el secreto más valioso de la humanidad. Pienso de nuevo: Esto no es Macbeth. Y su hermano, Jed Kurcel, le secunda con una música que todo lo llena, sin llegar a llenar nada. Y sigo pensando: ¿Dónde quedó la curiosa partitura de Slow West? 



No me gustan los videojuegos. Prefiero codearme con el Giraldillo. Pero soy una eterna viajera del tiempo. Me gustan la fantasía y el olor a viejo de volver al pasado. Si entre medio hay un poco de acción, un poco más de ciencia ficción de la no muy buena, y un mucho de posturitas importantes, no es problema. El problema viene cuando nunca has jugado al susodicho jueguito, cuando el ojo no capta la velocidad y cuando los personajes -actores desaprovechados- parecen abonados a la seriedad, entre una nebulosa de mundos digitales donde la música, con sus momentos videojuego, no descansa un minuto. Pienso una vez más: me quedo con El ministerio del tiempo. 

 
No es una película para pensar –en absoluto-. Pero da para pensar muchas cosas. Como por ejemplo: ¿Merece la pena? Solo por ver a Fassbender –y no me olvido de la Corillard-, aunque sea en uno de sus peores papeles. 


Valoración: 5.5 / 10 

ASSASIN’S CREED (2016) 
Director: Justin Kurcel 
Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Ariane Labed, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Javier Gutiérrez, Matías Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso 
Género: Acción, ciencia-ficción, aventuras, videojuegos Duración: 108 min.

lunes, 26 de diciembre de 2016

CRÍTICA LA LLEGADA (2016)

11:23:00 2 Comentarios
VILLENEUVE SIEMPRE SABE COMO LLEGAR 
Por Lucía Pérez García 




¿Kubrick? Yo pensé en Brancusi. La forma ovoide como el origen y la esencia de la vida. ¿Ciencia? No todo son números. La aceptación del destino y la pureza del amor. A través de esa conformidad –nacida de la no conformidad-, y a través de una especial capacidad de comunicarse. De una historia como la historia y como la vida ya han sido y seguirán siendo. El medio podía ser cualquiera. Más o menos espectacular. El fin sería el mismo. Literalmente. Palíndromo.  




Los personajes de Villeneuve siempre se mueven entre la duda y la total seguridad de sus principios. Caminan en el límite mientras ponen al límite su mismo yo. Un proceso lento y lleno de tensión física y moral, especialidad del director canadiense, que música (Jóhann Jóhannsson) y fotografía (Bradford Young) transmiten hasta las terminaciones nerviosas. La mano temblorosa de la protagonista es la nuestra. Hay miedo: a lo desconocido. Hay tensión: continua. Hay reflexión: antes, durante y, sobre todo, después. Hay una niebla que cubre los ojos como en un sueño que se escapa al segundo de despertar, pero deja marca en algo así como el alma. 

Palabras que no lo son. No se entienden. Se comprenden. A través de las cuerdas -¿vocales?- de la humanidad, los sintetizadores -¿Tienen boca?- extraterrestres, de las onomatopeyas ininteligibles –¿comunicación?- que se esfuerzan en una impotencia que todos entendemos. A través de una conjunción que habla por sí sola si la quieres escuchar. Una humanidad en estado de melancolía perpetua vocalizada por el violonchelo y la atmósfera gris, fría, húmeda, casi inhabitable, de la ciencia ficción sucia de la que habla el director. 




Sucia. Una historia que, aunque siempre vuelve, no le tenemos cogida la medida. Un sueño del que no queremos despertar, pero que aceptamos superponiendo acción a mediación. Un cine, el de Villeneuve, que sabemos de memoria en el fondo, pero que no acabamos nunca de comprender. Se está comunicando con nosotros y nosotros no hacemos más que sudar, apretar los puños y acabar con la boca abierta. Quizás algún día consigamos comunicar lo que hemos sentido, y entendido. A no ser que nos hablen en chino mandarín, sin subtítulos. He ahí la torre de Babel. He ahí, como reza el título de la novela de Ted Chiang en la que se basa –con cambios la película: La historia de tu vida. 


Valoración: 9 / 10 

LA LEGADA “THE ARRIVAL” (2016) 
Director: Denis Villeneuve 
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien, Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver 
Género: Ciencia ficción, drama Duración: 116 min.

lunes, 15 de agosto de 2016

CRÍTICA DE CAZAFANTASMAS (2016)

13:20:00 2 Comentarios
LOS FANTASMAS DE PAUL FEIG
Por Lucía Pérez García 




Si encontrara un fantasma en mi casa tengo claro a quien llamaría. Y no sería precisamente a estas cuatro señoras. Puestos a contemplar un espectáculo de ectoplasma, mejor que sea con gracia, con la música de Elmer Bernstein y al ritmo de la canción original de Ray Parker Jr. Y el remake-secuela-reinicio-versión-oloquequieraquesea de Paul Feig, no tiene nada de eso, o solo un poco, a su muy especial manera. 

La boda de mi mejor amiga (2011), Cuerpos especiales (2013), Espías (2015)… No me extraña que Feig quisiera deshacerse de sus fantasmas. Pero uno no puede desprenderse de ellos con los mismos recursos que los fabricó: comedias medianillas protagonizadas por Melisa McCarthy y otras tantas mujeres. Eh aquí el problema. El disparador de protones no es la solución. Ni siquiera en la época del feminismo. 



No es por aquello del cambio de sexo, es simplemente que el único que tiene gracia –y tampoco mucha- es Chris Hemsworth. Algo que saben hasta los créditos finales. 

Parece que las criaturas del Más allá no van más allá de los ochenta. No hay nada que inventar, ni nada que se invente que haga efecto. La nostalgia no ayuda a digerir las nuevas propuestas. Y las nuevas versiones de las canciones originales son para encerrarlas en una trampa y mandarlas directamente a la unidad contendora. Al menos es entretenida, se respetan ciertos elementos y, lo más importante –sobre todo para los que hemos crecido con la serie de animación Los verdaderos cazafantasmas-, no se olvidan de Moquete.  



Valoración: 5 / 10 

CAZAFANTASMAS, “GHOSTBUSTERS” (2016) 
Director: Paul Feig 
Reparto: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver Género: Comedia, ciencia ficción, remake 
Duración: 117 min.

 

viernes, 10 de junio de 2016

CRÍTICA DE CALLE CLOVERFIELD 10 (2016)

10:23:00 5 Comentarios
LA SOMBRA DE J. J. ABRAMS 
Por Lucía Pérez García 






Sucesora spiritual de Monstruoso. Espiritual y de nombre. Otro tipo de miedos, otro tipo de monstruos. Al fin y al cabo, otra cosa, pero con su misma esencia, muy en el fondo. Tanto como puede estarlo un productor, J.J. Abrams. Es decir, en el fondo de la superficie de un estilo reconocible: inicios impactantes, accidentes, la bebida Slusho, los secretos de producción, el suspense de necesitar más y más, la ciencia ficción cuando menos te lo esperas… Visto así, Calle Cloverfield 10 es pariente de sangre, no solo de Monstruoso, sino de Perdidos, etc… un ejemplo claro de director en la sombra. 

Tres personajes y un espacio claustrofóbico –preferentemente un sótano-. Unidad de acción y lugar, con pocos implicados. Consignas que son al suspense lo que el diez a la escala de Richter. Fijarse en el más mínimo detalle y estar atento a cada palabra es esencial. No tanto para escapar de allí como para descubrir cuál es la razón de dentro e intentar averiguar que “la verdad está ahí fuera”. 



John Goodman, el hombre de todo y para todo, el hombre cuya presencia llena literalmente la pantalla en todos los sentidos, es el alma, el fantasma y el cuerpo de la película. Un interrogante tan grande como él mismo. El miedo de la cortesía y la amabilidad unidas a la ironía y los arrebatos. Clichés. Sí. Pero en la persona de John Goodman, que no es lo mismo. Mary Elizabeth Winstead y John Gallagher Jr. no pueden hacer nada a su lado, ni como personajes ni como actores. 

Todo está pensado para tenernos en tensión y que no miremos más que la pantalla durante hora y media. Luego pasan cosas… cada uno que opine lo que quiera al respecto. ¿Ridículo, extraño, fuera de lugar, no lo esperaba, lo sabía, vaya estafa, genialidad, estupendo, engaño, extravagancia? En todo caso, típico del señor J. J. 


Valoración: 7 / 10 

CALLE CLOVERFIELD 10, “10 coverfield lane” (2016) 
Director: Dan Trachtenberg 
Reparto: Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr., Suzanne Cryer. Género: Thriller, terror, ciencia ficción 
Duración: 103 min. 


martes, 3 de mayo de 2016

CRÍTICA DE HIGH RISE (2015)

19:25:00 0 Comentarios
HIHG RISE: UN COLOSO EN LLAMAS
Por Lucía Pérez García  




Una película tachada de infilmable. Rara, rara. Tan rara que no puedes apartar los ojos. Rara hasta el extremo de querer volver a verla. Puedes no entender nada y entenderlo todo a la vez. Es lo que tienen estas extrañas películas. O quizás la odies. Es lo mismo. 

El mundo del escritor J. G. Ballard no es nada agradable. La literatura del autor de la novela en la que se basa la Spielgberiana El imperio del sol (1987), no es como esta obra, excepción que confirma la regla, nos cuenta. Es una literatura cuyo mundo está teñido de apocalipsis y manchado del sueño de Sodoma. Representante de la nueva ola de la ciencia ficción inglesa de los años sesenta, bucea por los recovecos de la mente humana, excava en el subconsciente y saca los instintos más primitivos. En sus letras, el fin del mundo no es material, es totalmente psicológico y comportamental. Ballard explora el “espacio interior” y sus consecuencias en el exterior. 


High Rise es la tercera de las novelas de Ballard que se lleva al cine, tras la ya citada El imperio del sol y Crash (David Cronenberg, 1996). Basada en El rascacielos, escrita en 1975, recurre a tópicos ya pateados desde los inicios del género, Metrópolis de Fritz Lang sin ir más lejos, y le da el carácter contemporáneo que ya hace casi un lustro, cuando tiene lugar la historia, se antojaba actual. La nuevas tecnologías, el lujo, la comodidad, el dinero… y todas las consecuencias asociadas a ello. No por ello está desfasada. Muy al contrario, sigue en pie desde que el hombre es hombre, y lo seguirá estando hasta que deje de serlo y se cumplan, por tanto, las profecías pesimistas que gusta babear la ciencia ficción. 


El director Ben Wheatley saca partido a una época, los setenta, que veía el final de la arquitectura postmoderna (tan dada al simbolismo) y el nacimiento de los edificios High-Tech; que vivía en el consumismo propio de la era del pop art, el kitsch, los inicios del video arte, la revolución sexual, de La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971), que inspira el poster, y con la que tantas cosas tiene en común, en el fondo. Excusas, todas, que entran dentro de un rascacielos, lo dicho: postmoderno y con todo lujo de detalles y comodidades, habitado por los especímenes más y menos selectos, o viceversa. Arriba y bajo, respectivamente. Y en medio de todo, un psiquiatra (un increíblemente michaelfassbenderiano Tom Hildeston) presto a ser el testigo directo del apocalipsis, y el caleidoscopio de un niño, cuya mirada es tan psicodélica como los hechos que se presentan ante sus ojos. Si a ello unimos la música minimalista (estilo, por cierto, nacido en los años setenta) de Clint Mansell, compositor habitual de los delirios de Darren Aronofky, lo único que nos queda por decir es: SOS. Título de la canción de ABBA que remata, increíblemente interpretada por una sección de cuerdas soberbia, y sombríamente repetida en la voz de Martha Paton, todo el simbolismo, significado, rareza y horror de la película. 

No, no es Shame...
Estrenada en los festivales de Toronto y San Sebastián, no puede más que traer opiniones variopintas y contrastadas. Desde la admiración y el hipnotismo, hasta el más puro aborrecimiento. Desde la obra de arte, hasta la basura más pestilente. ¿Y que, sino, despierta en nosotros el futuro? 


Valoración: 9 / 10 

HIGH RISE (2015) 
Director: Ben Wheatley 
Reparto: Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Keeley Hawes, Reece Shearsmith, Peter Ferdinando, Sienna Guillory, Stacy Martin, Enzo Cilenti, Augustus Prew, Tony Way, Dan Renton Skinner 
Género: Drama, ciencia ficción, distopía 
Duración: 118 min. 


miércoles, 13 de abril de 2016

CRÍTICA VICTOR FRANKENSTEIN (2016)

19:52:00 0 Comentarios
Y LA CREACIÓN NO ERA ÉL 
Por Lucía Pérez García 






Todos le llamamos Frankenstein. Lo asumimos así, sin más. Un monstruo gigantesco y estropajoso, lleno de remates, costuras y con dos tornillos. A imagen y semejanza del señor Boris Karloff. Cortesía de Jack P. Pierce, director de maquillaje de la Universal. Sin embargo, él no es más que la criatura. Efecto del ego supremo del Doctor, esta vez sí, Frankenstein. La película de Paul McGigan lo deja bien claro. El monstruo es un protagonista por efecto carismático (no como nos quiso hacer creer Aaron Eckhart en Yo, Frankenstein). El protagonista real es aquel que, en su locura, se creía Dios. El Victor delante del apellido es el elemento definitivo que lo afirma. 


Después tampoco viene el monstruo. Hay algo detrás -o delante- que esconde un significado mucho más profundo. La maravilla sigue estando en crear vida de la nada, pero la nada en este caso es mucho peor, porque es una nada creada, a su vez por el hombre: la exclusión, la repudia, el aislamiento y la negación de la existencia. El Victor del doctor encuentra entonces su contrapunto en un ser sin nombre al que bautiza como Igor, dándole así la vida. 


Y todavía no viene el monstruo. Creación en segunda instancia del doctor majareta ingeniosamente interpretado por McAvoy. Los dos corazones son la pista. La relación entre los personajes de McAvoy y Radcliffe no es solo el centro del cartel. El resto lleva la seña de sus antecesoras clásicas, pero son ellos los que mueven y cambian los hilos al antojo del guionista Max Landis (Chronicle, 2012; American Ultra, 2015). A él debemos también las escenas de acción y los pequeños toques de comedia. Las primeras piden dos cosas: o un poco más de pasión, o un poco menos de espectáculo. Los segundos están en su justa medida. 

Ahora es cuando entra el monstruo (mucho más feo y agresivo que el de Karloff). Pero no como creación, sino como recuperación. La creación es otra. 


Valoración: 6 / 10 

VICTOR FRANKSTEINS (2016) 
Director: Paul McGuigan 
Reparto: Daniel Radcliffe, James McAvoy, Jessica Brown Findlay, Mark Gatiss, Andrew Scott, Louise Brealey, Alistair Petrie, Daniel Mays, Freddie Fox, Adrian Palmer, Adrian Schiller, Spencer Wilding. 
Género: Drama, ciencia ficción, monstruos. 
Duración: 109 min. 


No te pierdas próximamente el análisis de la BSO en De Fan a Fan.

sábado, 19 de marzo de 2016

CRÍTICA R.O.T.O.R. (1989)

18:59:00 2 Comentarios
EL DÍA EN EL QUE SE ACABARON LAS LETRAS PARA CALIFICAR EL CINE DE SERIE… 
Por Lucía Pérez García 


Si no existiera el cine cutre, cuantos buenos ratos nos perderíamos. Tan contradictoria es esta afirmación como decir que R.O.T.O.R es cine. La propia película se ríe de sí misma: “Esto no es una película barata de ciencia ficción”, le dijo el Doctor Houghtaling al robot Willard. Los que nos atrevemos a verla nos reímos de ella. Los que se enteran de que la hemos visto se ríen de nosotros, porque ellos la han visto antes. Y los que aún están por verla serán la diana de las risas de los anteriores. Y así sucesivamente. Quien ríe el último ríe mejor. R.O.T.O.R. rio primero. 

“El día comenzó como cualquier otro día. La fresca brisa otoñal soplaba en el rancho. El ganado venía a por su comida matinal. Era una mañana preciosa. El sol lanzaba un brillo dorado que se filtraba a través de las ventanas del rancho. Si hubiera sabido los que iba a suceder, no me habría levantado”. Palabra de policía grandullón con gafas de sol, que no se quita ni con las luces apagadas en medio de una reunión de científicos expertos. Un guión como Dios manda. Escrito una noche de apagón y eclipse lunar, con las gafas de sol puestas. 


Si así empezó el día, no es muy complicado adivinar como continuó. Director y guionista no se pusieron de acuerdo si querían hacer una película de acción, de terror, de suspense, de ciencia ficción o una comedia. La acción les salió a cámara lenta y con coreografías dignas de un ballet ruso. Solo faltaban los tutús. El terror… a veces las pesadillas toman formas ridículas. Pensaron que meter una trama en plan El Diablo Sobre Ruedas no estaría mal. Total, ese tal Spielberg no se iba a enterar, y así añadían un poco de suspense. No se dieron percataron de que ninguno de ellos se llamaba Steven. La ciencia ficción venía de serie. Un robot por aquí, otro robot por allá, y unas cuantas frases con pretensiones filosóficas e intelectuales. ¡Yo me sé una cita del cuento del monstruo verde con tornillos en la cabeza! ¿La ponemos? Dijo el director. 


Tanto gasto de materia gris precisaba una buena dosis de glucosa. Los dos amigos, orgullosos del trabajo que estaban haciendo, se fueron a merendar. Un Bony y un Tigretón, por favor. A la vuelta, decidirían el título. Tras el nutritivo descanso, llegó el momento culminante. Le pondremos: R.O.T.O.R. El director aplaudió efusivo, orgulloso de su olfato para elegir guionistas. Al final del día, R.O.T.O.R, más que una película, terminó convertido en una palabra diga del mejor Chiquito de la Calzada. Al fin y al cabo, con los dos nos podemos reír un rato. 

Aún quedaban arduas tareas. La elección del reparto era fundamental. Para el protagonista pensaron en una mezcla entre David Hasselhoff y Michael Landon, con un toque de hombre Malboro. Para su ayudante, la "chica atractiva" que especifica la sinopsis, una culturista de pelo estropajoso con residencia en Huston. Qué chiste más bueno. Dijo el simpático guionista meándose de risa. Cuando Coldyron le llame para pedir ayuda podríamos meter la frasecita. El director echaba chiribitas por los ojos. Los científicos llevarán gafas de pasta. El chico del bar debe tener granitos. Y le podemos poner unas paletas de conejo postizas. Gran idea. Cada minuto que pasa me sorprendes más gratamente. Y R.O.T.O.R… ¿has visto Robocob? Listo. ¡Espera! ¿Qué hacemos con la música? Llama a ese tipo de segundo apellido Newman. Que todos crean que es de la familia de Alfred. ¡A sus órdenes! Vaya pedazo de casting nos hemos montado chico. Te mereces una palmadita en la espalda. El guionista sonrió satisfecho, como un bobo. 


Pasó la fase de producción. Acabó la ardua fase de post producción. Y llego, al fin, el día… de la salida de la película en VHS. Cullen Blaine no volvió a dirigir en su vida. Quedó para la posteridad como encargado de story boards en multitud de series animadas de tv (Los picapiedra, Isidoro, Timón y Pumba, Denver el último dinosaurio…). Porque eso sí, después de marcarse ese pedazo de cartel a lo Mad Max alguien pensó que este chico valía un potosí como dibujante. El coguionista junto a Cullen, Budd Lewis, siguió el mismo camino. Los actores, por su puesto, quedaron excluidos del gremio. Nunca más se supo de ellos. Y nosotros nos quedamos sin secuela… porque sí, señores, el final olía a secuela. ¿Podría la historia del cine soportar un R.O.T.O.R II? 

En fin, como bien dijo el Doctor Barret Coldyron: “Tenemos tiempo suficiente para averiguar lo que esto ha significado para cada uno de nosotros”. 

PD: Cosas peores he visto. Al menos con ésta, te ríes un rato. 


Valoración: 1 / 10 

R.O.T.O.R (1989) 
Director: Cullen Blaine 
Reparto: Richard Gesswein, Baker, Gigi Green, Margaret Trigg, Jayne Smith, James Cole. Género: Ciencia Ficción, acción, comedia?¿?¿? 
Duración: 83 min.




 

miércoles, 9 de marzo de 2016

CRÍTICA UTOPÍA (Serie TV)

20:02:00 2 Comentarios
DISTOPÍA BRITÁNICA A TODO COLOR. 
Por Lucía Pérez García 


Olvídense de eso de: “¿Quién mató a Laura Palmer?”, y empiecen a asumir que estamos en el siglo XXI. Por mucho que David Lynch continúe haciendo de las suyas con Twin Peaks, que aquella siga siendo fuente indispensable de todo lo relacionado con asesinatos y búsquedas cinéfilas, y que sea una de las series que merecen ser escritas con mayúsculas, hay que renovarse o morir. Empecemos por cruzar el charco y situarnos en las Islas Británicas. Emplacémonos en una distopía actual. Cambiemos nuestra realidad por la de una viñeta de cómic en plena conspiración. Y, sobre todo, estemos atentos a la pregunta: “¿Dónde está Jessica Hyde?”. Tengan cuidado si no saben responderla… 

Un cómic: Los Experimentos de Utopía. La predicción de un desastre y sus consecuencias. Cuatro personajes, y alguno más, perseguidos por el manuscrito, engañados, chantajeados, torturados. Una organización, La Red, a la búsqueda y captura del mismo. Y adivinen de quien más. El resto son preguntas y más preguntas. ¿Dónde está Jessica Hyde? Dónde, por qué y, lo más importante: ¿Quién es verdaderamente Jessica Hyde? ¿Quiénes son realmente estos personajes? ¿Qué fin persigue Utopía? 




No solo una pregunta emparenta “de alguna forma” esta serie con el mundo de David Lynch. La estética es un elemento importante, si no el que más, en Utopía. Hipnótica desde el inicio por la saturación de colores y la música electrónica desasosegante y casi enervante. Utopía juega con los colores básicos y puros. Planos y saturados, como en un cómic, y combinados entre sí mediante el uso inteligente de los complementarios. No hay que subestimar el simbolismo. Cada color y combinación guarda un significado*. Un simple detalle de color puede revelar una trama completa si uno está atento. Todo ello emparento igualmente con el Pop Art. No solo por el lugar de procedencia, Inglaterra, sino por todo lo que se esconde detrás en cuestión social. Pero la hipnosis a la que nos someten dificulta las capacidades detectivesca del espectador. ¿Conspiración? ¿Está Utopía relacionada de alguna manera con el mundo real? No quieran saberlo. O sí. 

 

Utopía, incomprensiblemente, fue cancelada por Channel 4 en su segunda temporada, alegando falta de espacio para otro contenidos. Y sin embargo, el final podría perfectamente quedar como está. Pero como seguramente nos quedemos con ganas, dentro de poco podremos recurrir al remake (¿Qué raro verdad? Las tendencias están empezando a invertirse… ¿utopía o distopía?) que está preparando la cadena americana HBO. ¿Estará a la altura? 



Valoración: 8.5 / 10 

UTOPÍA (Serie TV. 2013-2014) 
Director: Dennis Kelly (Creator), Marc Munden, Alex Garcia, Wayne Yip. 
Reparto: Nathan Stewart-Jarrett, Alexandra Roach, Neil Maskell, Michael Smiley, Paul Higgins, Geraldine James, Adeel Akhtar, James Fox, Fiona O'Shaughnessy, Alistair Petrie, Stephen Rea, Rose Leslie. 
Género: Thriller, ciencia ficción. 
Duración: 2 temporadas de 6 capítulos (60min)



*Spoiler: Amarillo=elementos más importantes; Rojo=el lado malo, la muerte; Verde: confusión; Azul=experimentos… y así sucesivamente.