sábado, 16 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE ALI & NINO (2016)

13:13:00 0 Comentarios
ROMEO Y JULIETA DE AZERBAIYÁN 
Por Lucía Pérez García 


Dos historias de independencia. La de Ali, musulmán nacido en Azerbaiyán, y Nino, cristiana de Georgia. La de Azerbaiyán, tomada por turcos y persas, en su intento por ser libre. Naturaleza, lugares exóticos, amor, identidad. El mejor lugar para que Asif Kapadia explorase el realismo y el ardor amargo de Omar (2013), la inteligencia dramática de Amy (2015) y la grandeza y pasión del cine épico. No hay lugar, sin embargo, para todo ello. La música, en manos de Dario Marianelli, advierte desde el inicio la elección del director: romance. 


Femenino, dulce y tranquilo. El conflicto no es tal. Ni la tragedia ni la pasión llegan a abrirse camino a los ojos y el alma del espectador. No hay contraste. El conflicto, esbozado en pocos planos, tampoco contagia emoción. Todo es llano como la estepa. Si bien no tan impresionante y expansivo como el paisaje. Todo se levanta en torno a cariño y el afecto de un joven amor, si bien no es amor a primera vista lo que sentimos. 

Todo fue épico en los pocos seis años que abarca la película (1914-1920): el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la invasión turca, la independencia de Azerbaiyán, su reconocimiento por el gobierno inglés, la nueva aparición de los rusos. Todo es drama y romance en la historia de los protagonistas: unos jóvenes enamorados, distinta religión, diferentes costumbres, padres, un entorno hostil. No faltan crudeza, grandeza y pasión en el papel. No falta talento en el reparto, en la música, la fotografía, el director. ¿Qué ocurre entonces con Ali & Nino? Peca de amor: le sobra todo el que le falta. Se podría decir tan sosa y edulcorada como el monumento que se levanta en su honor en la ciudad de Batumi (Georgia), sin llegar a sus cotas de horterada turística. 

Valoración: 5.5 / 10 




ALI & NINO (2016) 
Director: Asif Kapadia 
Reparto: Adam Bakri, María Valverde, Mandy Patinkin, Connie Nielsen, Homayoun Ershadi, Halit Ergenç, Fakhraddin Manafov, Nigar Gulahmadova, Parviz Gurbanov, Numan Acar, Daniz Tacaddin, Khumar Salimova, Mekhriban Zeki, Parviz Mammadrzayev, Jovdat Shukurov, Ekin Koç  
Género: Drama, Bélico, romántico, histórico 
Duración: 100 min

martes, 12 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE IT (2017)

11:08:00 2 Comentarios
REMA-IT
Por Lucía Pérez García


Todavía estaba flotando cuando me absorbieron de nuevo por el desagüe. No habían dejado de aparecer globos cuando uno explotó justo delante de mí. Tal era la costumbre que me dejé llevar por el momento. Porque todos flotamos. Porque el estímulo mantenido se convierte en rutina. Intenté hundirme hasta el fondo. Desesperadamente. Pero solo cuando la sonrisa surgió de las aguas sentí que volvía de nuevo a la superficie. Flotaba. Y así, entre un estado y otro, conseguí mantenerme durante más de una hora. Pasada otra media, ya no podía aguantar. Decidí que mis pesadillas me darían más miedo. Buenas noches Pennywise. Nos vemos en mis sueños.

En mis sueños los ochenta no están de moda. Stranger things no ha calado tantísimo en mi subconsciente. Mis sueños no se ruedan en Super 8. De 1958 a 1989. El cambio es lógico: la actualidad, el gusto, la cercanía, la empatía. Los adultos volverán a estar entre nosotros como lo estuvieron, cronológicamente, entre los adultos de los noventa. Aquellos niños que vieron It a escondidas, con los ojos medio tapados, empezarán a recordar. Veintisiete años después. Ni uno más, ni uno menos.


En mis sueños el tiempo se funde. Un espacio unía dos palabras y una época en la novela pertinente. Nuevamente, la estructura ha cambiado. La actualidad, el ahora, manda. Los niños crecen. No hay flashback que controle el desarrollo. Unos años más de espera, y la segunda parte podría contar con los mismos actores para hacer de su yo futuro. ¿Esperar otros veintisiete años? Daría un poco de miedo.

En mis sueños los payasos tenían la cara de Tim Curry. Ahora veo doble. Monstruosa saga la de los Skarsgård.

En mis sueños los actores no eran dignos de aquel nombre. Los niños de ahora no tienen miedo a las cámaras. No espero menos de los adultos.

La producción de mis sueños era horrible. Tanto que daba miedo. Esta vez, siendo de miedo, me dio sueño.

Al despertar, pensé que habían pasado otros veintisiete años.

Quizás, he dejado de creer.



Valoración: 7 / 10

IT (2017)
Director: Andrés Muschietti
Reparto: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert, Stuart Hughes, Geoffrey Pounsett, Megan Charpentier, Javier Botet
Libro: It, de Stephen King.
Género: Terror, fantasia
Duración: 135 min.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE SONG TO SONG (2017)

13:33:00 0 Comentarios
SIEMPRE LA MISMA CANCIÓN
Por Lucía Pérez García


Las canciones de Terrence Malick tienen diferente título pero idéntica melodía. Variaciones sobre un mismo tema o un mismo tema con ligeras variaciones. A penas hay una delgada línea que las separa. El color es lo de menos. Ninguna de ellas nos descubre un nuevo mundo. El árbol de la vida dejó de dar sus frutos hace tiempo. El director no supo abonar las malas tierras. Y aquellos días de cielo despejado llegaron a su fin. To the wonder… pero no más allá.

Quizás el tiempo sea la clave. Porque Malick solo puede ser llamado cineasta cuando se toma su tiempo. Pensar, meditar, reconocer, crear, trabajar. Detectar errores y buscar soluciones. Cuando el tiempo se reduce, el proceso de creación es mínimo y, como resultado, las películas cada vez lo son menos: película, creación y tiempo que tardan en olvidarse. Muy atrás queda el tiempo en el que sus obras eran dignas de proyectarse, más que dignamente, en los cines. Con El Árbol de la vida, paradójicamente, llegó la muerte, en vida.


Ni la fotografía de su inseparable Emmanuel Lubezki. Ni el buen trabajo de Fassbender como un productor musical odioso y odiable. Ni la curiosidad de comprobar que Rooney Mara, teniendo a Blanchett cerca, puede hacer un buen papel tan cercano y tan lejano a la vez del de Carol, sin parecerlo demasiado. Ni los cameos musicales. Ni nada de nada. Todo es real y exactamente lo mismo: ricos que, efectivamente, también lloran; casitas impensables para todo el que no sea futbolista, frialdad –en los personajes y en las casitas-, lejanía con el espectador, voces en off, playas, fiestas, parejas que no saben si se quieren o no se quieren, actores que repiten, actores que quedan cortados en postproducción, largas jornadas de rodaje, improvisación… y si a eso añadimos varios flashes -¿intencionados?- de películas de Ryan Gosling, apaga –la radio- y vámonos que esta canción ya me la sé. De memoria.

Y lo digo yo que, en general, me suele gustar el cine de Terrence Malick -principalmente entre 1973 y 2011-. Yo, fan número uno de las buenas actuaciones –de las malas no tanto- de Michael Fassbender. Yo, cuya actriz favorita es Cate Blanchett. Yo, que le di un 10 a Carol. Yo, que me adoro la música, y más en el cine. No puedo decir más de una película que reúne lo mejor de lo mejor para acabar siendo casi la peor –ese honor lo tiene Knight of Cups-. No puedo abandonarme más que a la esperanza de que la próxima canción de Malick merezca, al menos, ser tarareada.

Valoración: 5.5 / 10



SONG TO SONG (2017)
Director: Terrence Malick
Reparto: Michael Fassbender, Ryan Gosling, Rooney Mara, Natalie Portman, Cate Blanchett, Haley Bennett, Val Kilmer, Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Clifton Collins Jr., Angela Bettis, Bérénice Marlohe, Florence Welch, Holly Hunter, Iggy Pop, Flea, Lykke Li, Patti Smith, Austin Amelio
Género: Drama, música, romántica
Duración: 129 min.

martes, 29 de agosto de 2017

CRÍTICA DE VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS (2017)

13:04:00 2 Comentarios
VALERIAN, LAURELINE DE CARNE, HUESO Y PSICODELIA
Por Lucía Pérez García



La ciencia ficción debe mucho a Valerian y Laureline. Entre los muchos legados de sus misiones espacio-temporales, uno de los más importantes -además de impedir varios cataclismos nucleares, descubrir planetas o cambiar el pasado- ha sido la creación de todo un sistema de vida espacial reconocible en cualquier película del género que se precie. Ya era hora, pues, de que estos personajes se tomarán el cine por su cuenta.

Porque Laureline se puede mover como Pedro por su casa en los tiempos que corren, tan ideológicamente parecidos a los de su nacimiento en los años sesenta. Porque no solo de Goscinny vive el cómic francés. Porque Valerian haría buenas migas con los guardianes de la galaxia. Porque la tecnología lo permite. Porque Dane DeHaan (queda perdonado lo de Life) y Cara Delevingne forman esa extraña pareja de extraña belleza juvenil que no se puede dejar pasar. Y porque Alexandre Desplat tiene la increíble capacidad para controlar el espacio y el tiempo, galáctico (y aquí es donde la galaxia devuelve el favor a la creación de Jean-Claude Mézières), irónico y personal. ¿Se puede dar mejor momento?


Colores, criaturas a gogó (en todos los sentidos), psicodelia, espacios futuristas y grandes espacios abiertos (desérticos, espaciales y hasta avatarianos), curiosas apariciones como la de cawboy Ethan Hawke o la Rihanna intercambiable... Luc Besson, después de las desastrosas Malavita y Lucy, consigue la mezcla perfecta entre la esencia del cómic original y el entretenimiento palomitero, la acción justa y estéticamente controlada para no sentir que te están expandiendo temporalmente hasta la muerte por sobredosis de planos, y la diversión propia de la época del año para asegurarse de que nadie quiera transportarse a otro espacio durante las más de dos horas de película. Si a eso añadimos un cómic que puede hacer la competencia a mismo Asterix (por estilo de dibujo, por pareja protagonista, por tono cómico, por época y por nacionalidad) y un título de esos que gusta pronunciar (da igual en español que en inglés que en francés), se puede pasar que Laureline se apropie de la faceta más manida de Delevigne, que en el tramo final el guión sufra de turbulencias aeroespaciales o que se cambien ciertos detalles del cómic, en su mayoría para acercarlo a la actualidad.

Fuera los prejuicios planetarios. Quien no se arriesga a meterse en un agujero negro, nunca sabrá si puede ser absorbido…

Valoración: 6.8 / 10


VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS, “VALERIAN AND THE CITY OF THE THOUSAND PLANETS” (2017)
Director: Luc Besson Reparto: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Ethan Hawke, Rihanna, Herbie Hancock, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya
Género: Ciencia ficción, comic
Duración: 137 min.

sábado, 26 de agosto de 2017

CRÍTICA DE BABY DRIVER (2017)

12:41:00 0 Comentarios
CÁMARA, MÚSICA, ACCIÓN
Por Lucía Pérez García


Conduce al compás de la MÚSICA. Vive al ritmo de un PLANO SECUENCIA. “Now come on baby”.
La carretera es una pista de BAILE. La ciudad el ESCENARIO de un concierto. “Hitch hitch hike baby”.
107 minutos de música. “Just ride ride ride”.
¿Y el diálogo? Tras los cascos de BABY, la letra de una CANCIÓN, un graffiti en el muro. “Yeah yeah yeah”.

Hay muchos ‘drivers’ en el CINE pero ninguno es como Baby. “I was born one dark gray morn/ With music coming in my ears”.
Se mueve tan FÁCIL como conduce. “And once upon a pair of wheels”.
Tiene CORAZÓN, tiene RITMO, tiene CARISMA. “I hit the road and I’M gone”.
No es el ANSEL ELGORT que conocemos. “Shine a light, ooo ooo oo, ooo ooo oo”.
Por un VIDEOCLIP de Mint Royale y por una canción de Simon & Garfunkel: “They call me BABY DRIVER”.


Te guste o no la ACCIÓN, te engancha como una melodía. “Ready let's go”.
Te guste o no el CRIMEN, disfrutarás como un enano. “Hocus Pocus”.
Incluso con sus clichés, sus ruidos y sus romances a todo gas, EDGAR WRIGTH ha hecho algo que creía imposible: que quiera ver por segunda vez una película de mi género más odiado. “They call me BABY DRIVER”. “They call me BABY DRIVER”.

Valoración: 8.5 / 10


BABY DRIVER (2017)
Director: Edgar Wright
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González, Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer, Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Género: Acción, crimen
Duración: 107 min.

lunes, 21 de agosto de 2017

CRÍTICA DE DUNRKERQUE (2017)

11:50:00 0 Comentarios
LA GUERRA SEGÚN NOLAN
Por Lucía Pérez García



¿Qué es la II Guerra Mundial para los directores contemporaneos? Según Spielberg, el horror y la búsqueda. Según Polanski, el terror y la belleza escondida. Según Tarantino, la comedia de la vida. Según Gibson, una cuestión moral. Según Nolan, supervivencia. El heroísmo es el factor común. El grupo, la unión, un objetivo moral, de búsqueda y por el que sobrevivir, la razón principal de la existencia del héroe de guerra.

Dunkerque podía ser contado de muchas maneras. Nolan prefiere vivirlo de todas las formas posibles, en un esquema temporal que tiende al infinito: de la espera, del agobio, de la claustrofobia. Con la vista puesta en un punto concreto: la salvación. Con unos medios tan simples como tremendamente efectivos.

El silencio. Como si el miedo de los soldados les dejara sin habla. La tensión. Parte inegrante del silencio. La música. Fuente constante de tensión. El tiempo. Más breve de lo que parece, contenido en agobio y suspense constantes. Y la realidad, en su sentido más material. 


Pero si rescatar a más de 300.000 soldados no es tarea fácil, menos lo es colarse en el podium del género bélico. Nolan ha hecho una obra diferente, enorme en su austeridad, pero demasiado enorme, casi interestelar, en espectativas... con todo lo que ello conlleva. Solo el angustioso paso del tiempo dirá si sobrevive o si acaba siendo uno más de los hombres abandonados en las playas francesas, entre los cuales, puedo asegurar, no estará Tom Hardy, cada vez volando -y esta vez literalmente- más alto.

Valoración: 8 / 10




DUNKERQUE, “DUNKIRK” (2017)
Director: Christopher Nolan
Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel
Género: Bélico
Duración: 107 min

sábado, 19 de agosto de 2017

CRÍTICA DE IT (1990)

11:45:00 0 Comentarios
CREER. PUES ESO. 
Por Lucía Pérez García 




Yo creo. Fantasía e imaginación son mis compañeras de habitación. La primera duerme en mi almohada. Todas las mañanas sacude su ondulante cuerpecillo, esparciendo los restos de sueño que han quedado atrapados en mi subconsciente. Cierra los ojos y vuelve a dormir. La segunda es un ser diurno. De pelo corto y largas patitas. Respira los poros fantasiosos que circulan por el ambiente y los transforma en objetos tangibles. 

Creo en todo. Eso vive escondido bajo mi cama. Puedo creerlo. Y cuanto más lo pienso, más real y menos creído. Unos días es una mirada en la oscuridad. Otros días es un murciélago. A veces duele como el silencio absoluto. Otras veces son pisadas sobre el césped, un despertador en mitad de la noche o un ladrido fuera de lugar. Seguiré creyendo lo que sea. Sea Eso o lo otro. 

Nunca me ha gustado el circo. El aburrimiento es mi mayor miedo. Intento no creer en él. Carteles psicodélicos anunciando criaturas siniestras salidas de lo más recóndito de la genética experimental. Ligres. Luz baja casi roja. Risas que suenan pero no se escuchan. Payasos. 

Tim Curry me habla directamente a mí. Ojos fijos en su objetivo: yo. Yo soy Bill. Soy Mike. Soy Ben. Soy Bev, Eddie, Richie. Soy Stan y tengo miedo. Dientes podridos. Ojos acuosos color arteria desecha. Sonrisa maligna. Me habla a mí. El mal más maligno siempre habla de frente, a los ojos, educadamente. Naranjas mecánicas -en vez de botones-, Funny games –flotar es divertido-. Yo también puedo flotar. 

En sangre color pompón payaso. No hay otra explicación. Y sin embargo, puedo verla. Sé lo que es. Lo creo. Eso me mira a mí. Me habla a mí. Yo soy quien veo. Me salpico de sangre viscosa como pintura. Yo creo. Eso lo sabe. 

Creo más de lo que pensaba. Solo el pequeño Bill y poco más son dignos de fe. Aun así, me lo creo todo. La insulsa –y odiosa- Bev adulta. La horrible –y ortopédica- araña de plástico. La muerte –o rascado de barriguita- de Eso a manos de un batallón de horribles actores. ¿Cómo es posible que siga creyendo? 


Me reconforta que, al final, todo sea el olvido. Viviré siempre con la imagen de este payaso asesino, pero el recuerdo de un reparto que hace el payaso quedará borrado. Pues Eso. 

“Castiga exhausto, el poste tosco y recto e insiste, infausto, que ha visto a los espectros” 

Valoración: 5.5 / 10


IT (1990) 
Director: Tommy Lee Wallace
Género: Terror Reparto: Richard Thomas, John Ritter, Annette O'Toole, Harry Anderson, Tim Curry, Jonathan Brandis, Brandon Crane, Emily Perkins, Dennis Christopher, Seth Green, Tim Reid, Richard Masur, Olivia Hussey, Adam Faraizl, Ben Heller, Marlon Taylor, Jarred Blancard, Michael Cole. Libro: It, de Steohen King 
Duración: 192 min.

jueves, 17 de agosto de 2017

CRÍTICA DE REY ARTURO: LA LEYENDA DE EXCÁLIBUR (2017)

13:05:00 0 Comentarios
LA LEYENDA DE LOS MAMARRACHOS DE LA MESA AMORFA
Por Lucía Pérez García



De redonda no tiene ni la mesa. 
No hace falta ni un pedazo más. 
Ni uno, ni dos, ni tres…. ni una saga completa. 
Ojalá Guy Ritchie hubiera tropezado con otra piedra. 
Una que no tuviera una espada clavada. 

Entre la espada y la pared ha quedado.
No hay salida posible. 
Ni zoom, ni videojuego, ni videoclip… ni chorradas. 
Ojalá Guy Ritchie hubiera tropezado con otra piedra. 
Y se hubiera dado de bruces con ella. 

Tentáculos y criaturas descomunales. 
¿Dragones y mazmorras? 
Ni serpientes mutantes, ni asquerosos y pegajosos… ¿Qué es esa cosa? 
Ojalá Guy Ritchie hubiera tropezado con otra pierda. 
En la que no hubiera tantos bichos debajo. 

Qué desperdicio de hombres. 
No se salva ni uno. Ni uno es capaz de salvarla.
Ni Charlie Hunnam, ni Jude Law, ni capas, ni espadas... ¿Beckham? 
Ojalá Guy Ritchie hubiera tropezado con otra piedra. 
Y alguien le hubiera devuelto la pedrada a tiempo. 

Sones medievales e instrumentación experimental. 
Cuando la música solo funciona fuera… señores, tenemos un problema. 
Ni tema, ni contratema, pero… la canción no es mala. 
Ojalá Guy Ritchie hubiera tropezado con otra piedra. 
Ojalá nunca más pueda volver a sacar la espada. 


Valoración: 3 / 10 




REY ARTURO: LA LEYENDA DE EXCÁLIBUR “KING ARTHUR: LEGEND OF THE SWORD (2017) 
Director: Guy Ritchie 
Reparto: Charlie Hunnam, Astrid Bergès-Frisbey, Jude Law, Djimon Hounsou, Eric Bana, Aidan Gillen, Freddie Fox, Craig McGinlay, Tom Wu, Kingsley Ben-Adir, Neil Maskell, Annabelle Wallis, Zac Barker, Oliver Barker, Geoff Bell, Poppy Delevingne, Jacqui Ainsley, Bleu Landau, Georgina Campbell, Rob Knighton, David Beckham, Katie McGrath, Michael McElhatton, Mikael Persbrandt 
Género: Aventura, fantasía 
Duración: 120 min.

miércoles, 9 de agosto de 2017

CRÍTICA DE CORAZONES EN ATLANTIDA (2001)

12:41:00 0 Comentarios
UN RELATO CON CORAZÓN AL QUE LE FALTAN LATIDOS 
Por Lucía Pérez García 


Lo que no parece King es totalmente Stephen. El Rey Carmesí, sombría amenaza bajo chaquetas amarillas. Ruina que habita en cada milímetro de Maine y alrededores. Los amigos. Un niño y un adulto en lucha conjunta contra la oscuridad. La torre se divisa en la lejanía. También a lo lejos se cierra la historia. Detrás de historias conectadas por un vaso común: el mal, la guerra, Vietnam, 1960. Si no es Stephen, no tiene más remedio que ser King, aunque por el final se diría de otro. 

De las cinco historias que componen la novela de 1999 (Hampones con chaquetas amarillas, Corazones en la Atlántida, Willie el ciego, ¿Qué hacemos en Vietnam? y Se ciernen ya las sombras de la noche), Scott Hicks escoge la primera. No hay otra opción. El libro es engañoso. Te atrapa y te persigue durante horas para dejarte desinflado justo en la hoja en blanco que separa el primero del segundo de los relatos. No importa que te enganches a los corazones. La válvula que mantenía el pulso ya no deja pasar el calor de la sangre. Al final, un pequeño torrente escapa. Pero nada más. 


Tomada la primera decisión -la única decisión posible-, el resto parecen salidas de ese “resplandor de genio” que le llevó a los Oscar en 1996. La cara de Anthony Hopkins viene impresa en el mismo nombre de Ted Bratigan. No hace falta verlo para imaginarlo. Ni siquiera hace falta saberlo para la que la mente ponga en marcha la búsqueda del casting perfecto que dominará la lectura. También es perfecto el tono, la luz y lo es el hilo que pasa por cada relato entretejiendo las conexiones en uno solo –el único posible-. ¿Qué falta? ¿Qué sobra entonces? Algo donde agarrarse. 

No es culpa de la película (quien sabe que clase de magia hubiera hecho Frank Darabont...). Tampoco de la historia en sí. Es un algo. Quizás ese mismo algo oscuro que acecha las calles de Maine, y que impide al mismo Stephen King completar gran parte sus novelas decentemente. No nos queda más remedio, pues, que disfrutar del camino. Porque caminar por aquellas calles supone uno de los mayores placeres del mundo, no importa lo oscuro que sea. 

Valoración: 7 / 10 



CORAZONES EN ATLÁTIDA “HEARTS IN ATLANTIS” (2001) 
Director: Scott Hicks 
Reparto: Anthony Hopkins, Anton Yelchin, Hope Davis, Mika Boorem, David Morse, Alan Tudyk, Tom Bower, Celia Weston, Will Rothhaar 
Novela: Corazones en la Atlátida, de Stephen King
Género: drama, intriga 
Duración: 101 min.

domingo, 6 de agosto de 2017

CRÍTICA DE OKJA (2017)

12:13:00 0 Comentarios
EL CERDITO QUE ENCABEZÓ UNA REVOLUCIÓN FUERA Y DENTRO DE LA PANTALLA
Por Lucía Pérez García 


Son momentos de viajar en el tiempo. Momentos de disfrutar la pantalla grande. El día se acerca. La última película. La segunda revolución de la televisión. Su guerra mundial contra el cine en masa. Fría. Desde la sombra. Lentamente. Primero fueron las series, luego los directores, los actores, las buenas producciones… los adeptos se multiplican por minuto. La última película será la primera de una nueva era. Y lo que era, ya no será. 

Ya no será solo rompenieves, a partir de ahora también será rompe reglas. Bong Joon-ho puede ser la cabeza no encubierta de los tiempos por venir. El reino de Neflix puede ser un juego de tronos. El invierno llegará para otros. Un cerdito gigante basta para ganarse a un mundo dominado por los animales. Un reparto para ganarse a los cinéfilos. El resto es cosa de negocios. La balanza precio-calidad se está equilibrado peligrosamente hacia valores domésticos. El peso de una criatura tan enorme ha tenido, seguro, algo que ver. 


Y es digno de ver. Casi como una historia de Miyazaki. Fantástica, llena de aventuras y con unos fuertes cimientos que llegan a lo más profundo. Del desarrollo, de la vida, del ser humano, de la emoción. Como arte incipiente y revolucionario, escoge el momento perfecto para enfrentar política, sociedad y valores actuales. Como cuento, es tierno y abrazable -pese a las inabarcables magnitudes de la criatura-. Una moraleja apta para amantes de los animales y para los que simplemente los dejan estar. Una música mejor incluso que la película misma. Que Jake Gyllenhall sobreactúe es lo de menos. La curiosidad es verlo sobreactuar cómicamente. La doble ración de Swinton es costumbre, y de las buenas. Paul Dano es sinónimo de sorpresa. Desde ahora, comer jamón y llorar será una misma cosa. 

Valoración: 8 / 10 



OKJA (2017) 
Director: Bong Joon-ho 
Reparto: Ahn Seo Hyun, Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily Collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henderson, Daniel Henshall, Je Moon, Choi Woo-sik. 
Género: fantastic, animales, drama. 
Duración: 118 min.

domingo, 25 de junio de 2017

CRÍTICA DE LA CASA DE LA ESPERANZA (2016)

11:26:00 0 Comentarios
UN ZOO QUE NO ES DE CRISTAL

LA CASA DE LA ESPERANZA


Si Anna Frank hubiera imaginado cientos de mascotas, los animales de este zoo habrían salido antes de las páginas de su diario. Con más vida y más fuerza. Seguramente con más emoción. Como una estampida ante la amenaza alemana. Pero ellos eligieron otro lugar para pasar a la historia. Sin pena ni gloria, con más de lo primero. Porque todo es triste hasta cuando es alegre. Inundado por el eterno desbordamiento de los lacrimales de Jessica Chastain -posiblemente, la actriz que mejor llora del mundo-.

Pero no solo ella. Nadie se libra del llanto. Porque de eso se trata. De tendernos un pañuelo para secarnos las lágrimas. En este caso, en forma de criaturas peludas. No alegran la vida, consuelan. Receptores de depresiones humanas. Salen de sus jaulas para recibir bombardeos de desolación. Del encierro a la libertad solo la muerte. Conejitos, cebras, elefantes y leones. Adorables bichitos cuya misión, más que protagonista, es hacer rebosar el vaso de los suspiros.


La verdadera protagonista es la guerra. El miedo, los secretos, los escondites, la muerte e incluso el sempiterno piano. Hay amor en la guerra y guerra en el amor. Ojitos que miran como el gato con botas, un niño que crece bien coloradito y alimentado en medio de la miseria del conflicto, Daniel Bruhl y Chastain, Johan Heldenberg con solo una parte de la radicalidad emocional de Alabama Monroe –la triste, claro-, y una directora interesante que aunque aquí no le acabe de salir, tiene en su haber cosas tan felices como McFarland, USA y tan bien dirigidas como North Country…


Valoración: 6 / 10

LA CASA DE LA ESPERANZA, “THE ZOOKEEPER’S WIFE” (2017)
Director: Niki Caro
Reparto: Jessica Chastain, Daniel Bruhl, Johan Heldenbergh, Iddo Goldberg, Michael McElhatton, Goran Kostic, Anna Rust, Val Maloku, Marian Mitas, Shira Haas, Slavko Sobin, Daniel Sidon, Daniel Ratimorský
Género: Drama, hechos reales, II Guerra Mundial
Novela: La casa de la buena estrella, de Diane Ackerman
Duración: 124 min.

domingo, 21 de mayo de 2017

CRÍTICA DE DÉJAME SALIR (2017)

11:21:00 1 Comentarios
PIENSALO DOS VECES ANTES DE ENTRAR
Por Lucía Pérez García 





Nunca un sonido tan simple y cotidiano fue tan fastidioso. Irritante hasta gritar ¡déjame salir! Querrás arrancarte los oídos y seguir escuchando al mismo tiempo. ¡Déjame salir! Volverás a gritar. La cucharilla seguirá su ronda por los confines de la taza. ¡Déjame salir! Una vez más. Pero las ondas sonoras ya habrán conquistado esa parte de tu cerebro que te pone los vellos de punta. De repelús, de miedo, de intriga, de asco ¿Té negro o café solo? 

Remover o derramar. Mientras, tu aguante ha llegado al punto en el que los cristales, y la porcelana, estallan. No encontrarás otra salida que continuar mirando, porque no tendrás más sentido que el de supervivencia. ¡Déjame salir! Nadie escucha. Dentro para siempre. Dentro de una tacita de apariencia dulce y sabor amargo ¿Hay algo más inquietante? No, este juego no es nada divertido… 


¡Déjame salir! Por última vez. Tus ojos empiezan a abrirse como naranjas en una mirada mecánica. ¡Déjame salir! Y, casi zombi, te dejas arrastrar hacia el final. Adivina quién viene a cenar esta noche… y asegúrate de que los anfitriones sean Katharine Hepburn y Spencer Tracy, y no Catherine Keener (que inquietante me resulta siempre esta mujer) y Bradley Whitford.


Valoración: 7.5 / 10



DÉJAME SALIR, “GET OUT” (2017)
Director: Jordan Peele
Reparto:     Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Betty Gabriel, Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens
Género: Terror, racismo

Duración: 103 min.

viernes, 12 de mayo de 2017

CRÍTICA Z. LA CIUDAD PERDIDA

11:00:00 0 Comentarios
LA LLAMADA DE LA SELVA
Por Lucía Pérez García 






Solo la misma selva puede superar la novela de David Grann, en la que cada frase es más real que la siguiente: “Todo alrededor de mi era sonido, el sonido de la selva”. Los pájaros se convierten en murciélagos sangrientos, las moscas en peligrosos insectos que se alimentan de corneas, los simples mosquitos en nubes negras, las hormigas en asesinas, los perros en monos aulladores, los pececillos de colores en pirañas y la oscuridad de la noche en la lucha de la vegetación por sobrevivir buscando una salida hacia el sol. Luego cierras el libro y el Amazonas desaparece, pero el picor y los síntomas ya nunca lo hacen. Te has convertido en aventurero. Has contraído el síndrome Fawcett. Quizás por eso, por la enfermedad del aventurero romántico, la película de James Grey deja un poso de bohemia irresoluta. Un ansia continua de selva te persigue durante más de dos horas. Necesitas volver, como el mismo Fawcett. Necesitas sentir la grandiosidad amenazante de la naturaleza en su estado más salvaje. Necesitas descubrir el mundo. Incluso echas de menos más hambre, plagas y peligros. Todo es poco para una aventura más grande que el propio Amazonas. 

Aun así, James Gray casi consigue encontrar al verdadero Fawcett. Pero “casi” es poco para un hombre de la talla del intrépido británico, al que nunca le valió la incertidumbre de un abecedario al que le faltaba la última letra. Charlie Hunnam, siempre hijo de la anarquía, se funde con la selva tanto como nosotros. Deseando más. No así con el Fawcett victoriano. Pero tampoco el aventurero real encajaba en las costumbres. La inmensidad del paisaje llega a ser gloriosa por momentos. Una gloria más psicológica que física. Pero qué pocos momentos. Y la música, a la que Fawcett daba una importancia fundamental: “La música es un gran consuelo en la selva, y puede incluso salvar a un hombre solitario de la locura”, agranda tanto como mengua. No sabes si sí o si no. No sabes si la música es realmente ese “sonido de la selva” o el del viento-madera poniéndose en su lugar. La clásica –la civilización- se impone sobre la original –lo salvaje-, como todo en la película, complaciendo nuestras dos facetas pero dejando, de nuevo, un sueño por cumplir. 


Gray intenta despertarnos a un estado de elucubración impreciso con un final emocionante digno de Fawcett. Pero nosotros, como portadores del virus explorador, intentamos seguir dudando para no acabar con el misterio y poder volver de nuevo a la selva. 

El día que realmente encontremos esa ciudad perdida será nuestra perdición, porque nunca más querremos salir del cine.


Valoración: 8 / 10 

Z. LA CIUDAD PERDIDA, "THE LOST CITY OF Z"
Director: James Grey. 
Reparto: Charlie Hunnam, Sienna Miller, Tom Holland, Robert Pattinson, Angus Macfadyen, Bobby Smalldridge, Edward Ashley, Tom Mulheron, Aleksandar Jovanovic, Siennah Buck, Stacy Shane, Bethan Coomber, Ian McDiarmid 
Libro: David Grann. 
Género: Aventuras, basada en hechos reales. 
Duración: 140 min.