domingo, 12 de agosto de 2018

CRÍTICA DE UNA RELACIÓN ABIERTA (2017)

12:18:00 0 Comentarios

UNA RELACIÓN ABIERTA MÁS ALLÁ DE LA PANTALLA



Podía haber sido otra película de parejas en Brooklyn de las que apestan a Woody Allen y desprenden olor a hípster por los cuatro lados de la pantalla. Lo tenía todo a su favor –o en su contra-: la locación, el rango de edad, los personajes, las situaciones… y, sin embargo, se mueve por caminos inesperados y finales que te dejan en suspenso: no sabiendo si reír, llorar o reír por no llorar.

La cuestión es empatizar con el personaje correcto. La respuesta es más que complicada: no lo hay o lo son todos. La premisa principal, más allá de la simpleza superficial, va extendiendo sus tentáculos –retorcidos, sinuosos y ligeramente húmedos y pegajosos- hasta un primer plano donde todos: tentáculos, personajes, situaciones e incluso lugares; explotan en si

Todo es protagonista en una película que -se nota- está hecha entre amigos. No será una película de culto ni entrará en la lista de las mejores películas independientes, pero no sobra ni el perro, ni el bebé, ni la música como dedicación y representación interior, ni una sola de las diferentes visiones sobre las relaciones de pareja. De una parte o de otra, de todas o de ninguna, nadie llegará al final sin haber pensado ¿Quién tiene razón?

Valoración: 7 / 10
UNA RELACIÓN ABIERTA, “PERMISSION” (2018)
Director: Brian Crano
Reparto: Rebecca Hall, Dan Stevens, Gina Gershon, François Arnaud, Morgan Spector, David Joseph Craig, Jason Sudeikis, Sarah Steele, Michelle Hurst, Raúl Castillo, Bridget Everett, Lindsey Elizabeth, Axel B. Crano, Marc Iserlis
Género: Comedia, drama, romántico
Duración: 96 min

domingo, 17 de junio de 2018

CRÍTICA DE ALEX STRANGELOVE (2018)

11:20:00 0 Comentarios

UN AMOR EXTRAÑO Y VERDADERO


Hay decenas de tríos de cine, miles de institutos y bailes y, últimamente, unas cuantas historias de chicos abriendo las puertas hacia una sexualidad tan floreciente como desconocida. La mezcla es inevitable: extraña y llena de amor. Solo faltaba Alex: strangelove.

De apellido Truelove, de título strangelove, Alex –que bien podía ser la copia en miniatura de Andrew Garfield- vive su pequeña gran historia de amor extraño y verdadero desde una rendija del armario: a un lado la chica ideal, al otro el chico misterioso. En medio, la confusión y la amistad: la de ella, con la emotividad consecuente; y la de un grupo de amigos que más allá de perseguir una rana tiene sus propias historias que aportar y sentimientos que compartir. Tan encajadas quedan las piezas –que no la puerta del armario- que el extraño problema encuentra su verdadero sentido: aceptar un sentimiento no significa negar el otro, quizás solo cambiarlo.


Con el inconfundible tono de comedia de adolescentes independiente –coloridos momentos stop motion incuidos-, lleva la marca Craig Johnson desde el poster hasta los créditos finales, pasando por el baile modo playback y, por supuesto, la trama homosexual, con sus momentos agridulces. Prescindiendo de la lluvia pringosa de gusanos de colores y de lo ideal de la atmósfera que rodea al protagonista, el carisma de los personajes nos lleva de la mano hasta el final para ayudar a Alex a mover la puerta de su armario. ¿Hacia adelante o hacia atrás?

Valoración: 6.5 / 10


ALEX STRANGELOVE (2018)
Reparto: Daniel Doheny, Antonio Marziale, Joanna Adler, Isabelle Amara, William Ragsdale, Ayden Mayeri, Nik Dodani, Annie Q., Madeline Weinstein, Daniel Zolghadri, David Fierro, Anthony Pierini, Sophie Faulkenberry
Género: Comedia, adolescencia, homosexualidad
Duración: 99 min.

sábado, 9 de junio de 2018

CRÍTICA DE JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO (2018)

10:25:00 0 Comentarios

NO HAN REPARADO EN GASTOS


Cuando llevas años esperando que los dinosaurios vuelvan a dominar la tierra y la película se te hace más larga que la espera, algo ha fallado en la cadena evolutiva. Me habían hecho creer que la vida se abría camino. Me habían prometido un sueño. Me dijeron que no repararían en gastos. Llevaba meses ensayando mi grito de guerra: “Lo ha logrado, ese loco de Bayona lo ha logrado...”. Y todo para nada. Bueno, sí. No han reparado en gastos. Pero, como bien decía John Hammond: “Que Dios nos asista. Estamos en manos de ingenieros...”.

Si hay algo que ha evolucionado hasta el extremo de lo extraordinario son los efectos visuales. El Rex no estaba tan guapo desde su aparición estelar en 1993, la estampida-erupción es cosa de otro mundo y la nueva especie consigue superar al Indóminus Rex. Pero la evolución ha corrido paralela a la costumbre y nuestros ojos de cinéfilos nunca más volverán a sentir la emoción de la primera vez. Descanse en paz, Isla Nublar.


Y como no solo de efectos espectaculares vive el espectador, la película se va consumiendo en su propia lava. La última mirada a la isla es también la última mirada –si bien una mirada emocionante-. La grandeza da paso a la claustrofobia de una mansión. Y es entonces cuando viene a la mente una de las famosas frases de Ian Malcom: “¿A quién tienen ahí, a King Kong?”. La amenaza de los dinosaurios es eclipsada por la amenaza del hombre en su intento de convertirse en Humanus Rex. La genética da un giro inesperado y la cuestión animalista se alza como protagonista. El hombre y su ambición dominan el argumento desde un punto de vista muy alejado de la visión soñadora de la premisa original, restando carisma e ilusión. Fuera de su hábitat, los dinosaurios ya no son lo que eran. No hemos aprendido nada de la excursión del Rex por las calles de San Diego…

Atrás quedaron los tiempos en los que las patas de cabra y los vasos de agua provocaban terror. Aquí lo único que da miedo es la música. Y no precisamente en el buen sentido. Todo el trabajo de John Williams queda resumido en dos pequeños momentos, probablemente los más emotivos de la película. Tampoco el tema del mismo Giacchino para Jurassic World consigue arreglar el estropicio. No hay descanso. Un tema detrás de otro sin sentido de la continuidad ni propósito narrativo. Un caos, en todos los sentidos, donde no hay forma de encontrar un punto de apoyo. Y los coros… un dinosaurio, por muy inteligente que sea, no puede hablar con voz humana, y el hombre aún no ha conseguido su total control. Se mire por donde se mire, nada tiene sentido.

Y dicho esto, la cuestión es la siguiente: Dios crea al dinosaurio, Dios destruye al dinosaurio. Dios crea al hombre, el hombre destruye a Dios. El hombre crea al dinosaurio. Spielberg lo santifica. Joe Johnston lo vuelve a destruir. Colin Trevorrow lo resucita. Bayona promete eternizarlo. Todo se queda en promesa. Así que, con permiso de Chris Pratt y Bryce Dallas Howard, que son lo mejor que le ha pasado a la saga desde Alan Grant e Ian Malcom –grande pequeña aparición-; y con permiso de Bayona, cuyo estilo es increíblemente inconfundible –en el mejor de los sentidos- y cuyo trabajo no puedo más que aplaudir; he decidido no avalar la película. No obstante, espero con ansia la siguiente… mis ganas no se extinguen.

Valoración: 6 / 10



JURASSIC WORLD: EL REINO CAIGO, “JURASSIC WORLD: FALLEN KINGDOM” (2018)
Director: J. A. Bayona
Reparto: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, James Cromwell, Rafe Spall, Toby Jones, Justice Smith, Daniella Pineda, Ted Levine, Geraldine Chaplin, Jeff Goldblum, B.D. Wong, David Olawale Ayinde, Bobbi Jo Hart, Daniel Stisen, Robert Emms, Kamil Lemieszewski, Michael Papajohn, Peter Jason, Sean Gislingham, Max Baker, Faith Fay, Kevin Layne, Daniel Eghan, Ronan Summers, Deborah Rock, Charlie Rawes, Manoj Anand, Cory Peterson, Fran Targ, John Heartstone
Género: Aventuras, ciencia ficción
Duración: 128 min.

domingo, 27 de mayo de 2018

CRÍTICA DE DISOBEDIENCE (2017)

11:03:00 0 Comentarios

LLAMÉMOSLO DESOBEDIENCIA


El mundo es gris, nublado, frío, estático, sin perspectiva. Todas las pelucas son iguales. Feas. Faldas cortadas por el mismo patrón. Las normas están para cumplirlas. A rajatabla. Y más. ¿Qué la película es seca, lenta, sin movimiento, silenciosa…opresiva? ¿No es así como se siente? Desobediente. Cuando la religión sobrepasa su sentido. Y desobedece. Entrando en el terreno del radicalismo. Y la obediencia extrema. Que lleva a la locura. Y a la desobediencia. ¿Avanzamos? Ahora sí. Podemos. Desobedecer cada regla. Desobedeciendo las creencias. Propias y adquiridas. La cámara se mueve. La cama también. Hay música. Por fin. Suena el corazón. La vida. Bajo la ropa interior. Humedad y saliva. ¿Desobediencia? ¿Extenuación? Libertad a escondidas. La historia de una escena de sexo que rompió con todo: con la rigidez, la frontalidad, la parálisis, la ausencia de comunicación. ¿El resto? Represión. ¿Aburrida? Represión. ¿El fin? La salvación. La libre elección. Sin libre albedrío. Dentro de Dios. De los judíos. Pero con una puerta abierta. Al exterior. A un amor que un día cogió un taxi.


Valoración: 6 / 10


Director: Sebastian Lelio
Reparto: Rachel Weisz, Rachel McAdams, Alessandro Nivola, David Olawale Ayinde, Mark Stobbart, Cara Horgan, Sophia Brown, Lasco Atkins, Bernardo Santos,
Dominic Applewhite, Omri Rose, Liza Sadovy, Dave Simon, Trevor Allan Davies, Cristian Lazar
Libro: Disobedience, de Naomi Alderman
Género: drama, homosexualidad, religión
Duración: 114 min.

sábado, 19 de mayo de 2018

CRÍTICA DE REBELDE ENTRE EL CENTENO (2018)

12:36:00 0 Comentarios

Holden Caufield se reconcilia con la pantalla

Por Lucía Pérez García


Solo dos personajes me han leído en directo su propia historia. Terrorífico y sádico, Patrick Bateman me miraba con ojos psicópatas mientras escupía su frenético discurso. En la mano derecha, un cuchillo ensangrentado disparaba luces como misiles. Irreverente y curiosamente simpático, Holden Caufield me habló como si me conociera de toda la vida. Su relato fue genial y simbólico, a la par que anodino. No quiso prestarme su gorra roja. Leer sin leer, restando a la lectura el esfuerzo de ser leída. Leer siendo leída por el mismo libro, utilizando la energía en controlar la emoción. A eso le llamo yo ser guardián entre el centeno.

Al principio era el caos. Entonces F. Scott Fitzgerald creó a Amory Blaine y lo puso A este lado del paraíso. Surgió un género de la literatura norteamericana: el del joven rebelde. Salinger cogió el libro entre sus manos. Modeló a Holden a imagen y semejanza del personaje de su ilustre antecesor. El eslabón final llegó con Marcus Messner, al que Philip Roth trajó al mundo lleno de Indignation. Entonces, siguió siendo el caos. El cine se llenó de chicos malos. Salinger se refugió entre el centeno.
 

Un lugar sin pantallas. Salinger no lo habría permitido. Lejos del mundanal ruido, se retiró a escribir para sí mismo. Nada de masas. Nada de éxito. Pero miles de Holden Caufields acechaban a cada paso exigiendo su personalidad. La novela pedía imagen. Ver sus vidas fusionadas: Holden y Salinger, Salinger y el mundo. La creación de un yo literario convertido en mito indiscutible: por genialidad e impacto. Por violencia. La muerte del escritor lo fue también de su negativa. Se hizo el cine. Y yo volví a ver los campos de centeno.

Desde las raíces. Una historia tan convencional como la vida de un rebelde, pero de una capacidad de evocación increíblemente inspiradora. Correcta y sin riesgos -¿Es eso un defecto?-. Se diría meditada por la capacidad literaria de Holden, dejando de lado su vivacidad y su ironía. Un Salinger desconocido que se intenta dar a conocer tras el misterio de su existencia. Una película a la que no le hace falta cartel. Habla por sí misma: no tanto del escritor como de literatura. La música de Bear McCreary nos acerca el resto. Nos susurra al oído: no te caigas, te estaré vigilando: entre el centeno.


Salinger me empujó por la espalda. ¡Escribe! ¡Busca tu estilo! ¡Insiste! Y así, sucesivamente, vi pasar la vida de un gran autor en el formato prohibido. Rebelde como artista en lucha con su arte. Rebelde contra la locura del mundo. Poseedor de esa rebeldía carismática que, como la de Holden, nos inclina –con placer- a ver su mundo como el más cierto. A nosotros que estamos fuera, y a todos aquellos que estuvieron dentro: editores, profesores, lectores de todas las épocas. Él nos vigila entre el centeno, para no dejarnos caer

Valoración: 7.5 / 10 

 
REBELDE ENTRE EL CENTENO, “REBEL IN THE RYE”
Director: Danny Strong
Reparto: Nicholas Hoult, Kevin Spacey, Zoey Deutch, Sarah Paulson, Hope Davis, Victor Garber, Brian d'Arcy James, Lucy Boynton, Evan Hall, James Urbaniak, Amy Rutberg, Eric Bogosian, Adam Busch, Bernard White, David Berman
Libro: Una vida oculta, de Kenneth Slawenski
Género: Biográfico, drama, literatura
Duración: 106 min.

lunes, 22 de enero de 2018

CRÍTICA DE ME ESTÁS MATANDO, SUSANA (2016)

10:33:00 0 Comentarios

ME ESTÁS MATANDO, GAEL GARCÍA BERNAL


Puede ser Mozart in the jungle. Puede ser un esqueleto olvidado. Puede ser una mujer de mala educación, pero tan guapa como él mismo. Puede hablar todos los idiomas de Babel. Escribir su diario en una motocicleta. Ser perro y dar mucho amor. O, como este caso, exigirlo. Escarbando hasta los fondos más recónditos. Con las herramientas más puntiagudas. Sin mirarse las manos. A la brava. Pero con mucha gracia. La de un hombrecito que encandila, no importa el método ni la razón.



Todo es tan condensado que no cabe en un solo género. Romance, comedia, drama, road movie, inmigración… Y todo lo lleva a cuestas el protagonista. Hasta a su compañera, literalmente. Contrapunto serio y elegante a los nervios, la ansiedad y la personalidad irreprimible de un hombre buscando su respuesta. Como decía Amaral: a veces te mataría, y otras en cambio te quiero comer. Bien podían llamarle cabecita loca.

Tan loca que no acaba de encajar en todo lo que quiere llevar por delante. Aunque es precisamente esa misma locura la que define y moldea al personaje principal. Un hombre descrito a través de canciones que expanden la locura hasta el mismo final de los créditos.

Una palabra que se atasca. Una sonrisa que no quiere salir, pero lo desea desesperadamente. Un aguantarse sin poder hacerlo. Un final, que no podía más que no serlo.

Valoración: 6.5 / 10



ME ESTÁS MATANDO, SUSANA (2016)
Director: Roberto Sneider
Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho, Björn Hlynur Haraldsson, Cassandra Ciangherotti, Barbara Garrick, Gabino Rodríguez, Andrés Almeida, Tristan Carlucci, Jadyn Wong, Maite Suarez Diez, Julian Sedgwick, Will Woytowich, Adam Hurtig, Gordon Tanner, Jeremy Walmsley, Ilse Salas, Juan Pablo Medina
Género: Drama, romántica
Libro: Ciudades desiertas, de José Agustín
Duración: 102 min.

domingo, 21 de enero de 2018

CRÍTICA DE LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO (2017)

20:13:00 0 Comentarios

LOS ARCHIVOS DEL SEÑOR SPIELBERG


El periodismo es un género por sí mismo, en cualquiera de sus versiones: películas basadas en artículos de prensa (Dallas Buyers Club, The Bling Ring, Bernie), y películas sobre la profesión, desde diferentes perspectivas (desde la obra maestra del cine Ciudadano Kane o la capriana Juan Nadie, pasando por la simpática Luna Nueva o la desasosegante Network, hasta la oscarizada Spootlight, la entrañable La vida Secreta de Walter Mitty o la inquietante Nightcrawler). Pocas se quedan en la simple reseña. La mayor parte, incluso, terminan generando artículos elogiosos y haciéndose con premios tan codiciados, o más, que el Pulitzer. No hay director que se resista. El mundo del periodismo da para muchos titulares. Cada cual escrito con la maestría propia del autor correspondiente. Normalmente un gran cineasta. Pero cuando ese autor se llama Steven y se apellida Spielberg… ¡Paren las rotativas! Esto se merece estar en primera plana.



No tanto por la noticia. No especialmente por la correcta y concisa música de John Williams. Tampoco por los meritorios protagonistas. Es el ojo de Spielberg el que aporta la magia: la elegancia de los movimientos de cámara, los planos secuencia, las transiciones entre un plano genial y uno magnífico, los puntos de vista, los encuadres… No hay lugar para la distracción. La atracción es continua y perenne. Un regalo para los sentidos -no solo cinéfilos-. Un regalo para la vista que, al abrirlo, nos hace sentir que vemos con más claridad.

Lo que Spielberg no convierte en noticia, es que no merece serlo. Y pocas cosas no lo merecen cuando caen en sus manos.

Valoración: 8 / 10



LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO, “THE POST” (2017)
Director: Steven Spielberg
Reparto: Tom Hanks, Meryl Streep, Jesse Plemons, Bob Odenkirk, Matthew Rhys, Michael Stuhlbarg, Sarah Paulson, Alison Brie, Carrie Coon, David Cross,
Bruce Greenwood, Tracy Letts, Bradley Whitford, Zack Woods
Género: Drama, periodismo
Duración: 116 min.

sábado, 30 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SINNER (2017)

10:15:00 2 Comentarios

CAER EN PECADO


¿Quién es el pecador? ¿Cuál es el pecado? ¿Está justificado? ¿Es pecado pecar?? ¿Cuántas veces? ¿Por quién? ¿Por qué? 

El pecado original. Origen de pecados. Mentes sin libre albedrío. Cuerpos destrozados desde el origen, en busca del pecado que les muestre el origen de su destrozo. Buscadores de pecados por la vía del pecador. Bien y mal en un mismo círculo. Vicioso. En un mismo lugar. De olor corrompido. Sonido punzante. Vista nublada. En un mismo mundo. Tan diferente. 

Y si la culpa de Jessica Biel no es suficiente. Si crees que hay un camino diferente. Alejado del símbolo del pecado. Negro. Si no quieres introducirte más allá de lo ya predecible desde inicio. No llegues al final. No peques. 

Valoración: 7.5 / 10


THE SINNER (2017)
Director: Antonio Campos, Brad Anderson, Cherien Dabis y Tucker Gates
Reparto: Jessica Biel, Bill Pullman, Christopher Abbott, Jacob Pitts, Nadia Alexander, Patti D'Arbanville, Abby Miller, Eric Todd, Dohn Norwood, Kathryn Erbe, Teri Wyble, Robert Funaro, Devin McGee, Michael H. Cole, Gretchen Koerner, Ruby Barnes, Leslie Fray, Katelyn Farrugia, Meredith Holzman, Sunshine Tovar, Anna Elizabeth, Stephanie Olah Kelly, Danielle Burgess, Enid Graham, C.J. Wilson, Susan Pourfar, Peggy Gormley, Joanna Adler, Adam LeFevre, Joseph Melendez, Jacob Berger
Género: Thriller, serie de TV
Duración: 8 capítulos de 40 min.


miércoles, 27 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE DISASTER ARTIST (2017)

10:03:00 2 Comentarios

MAMÁ, QUIERO SER ARTISTA


Mamá, quiero ser artista.
Yo, de mayor, quería ser Spielberg.
Ahora quiero ser James Franco.
Pero me siento un poco como Tommy Wiseau…
¿Y quién no?
¡Qué desastre!

A todos los que sueñan –despiertos, dormidos y dormitando-.
A todos los pesados que insisten, e insisten, e insisten, y así sucesivamente hasta el infinito y más allá.
A todos los que lo hicieron, lo hicieron, aunque fuera una mierda, pero lo hicieron, y le dijeron naaaaaaaaaaaaaaaaaaaa…
A todos los que, a pesar de eso, siguieron siendo unos pesados insoportables.
A los que se ríen de sí mismos, JA JA JA
A todos los vampiros: los chupasangre y los que no duermen de noche porque no pueden dejar de soñar.
A todos los James Dean que viven en su propio mundo, al este del Edén.
Al arte ¿existe el arte malo?
A las pantallas verdes y los decorados de cartón, cuya existencia queda así justificada.
Al cine.



Que hace reír. DEMASIADO. Que hace llorar. AUNQUE SEAS UN VAMPIRO (LOS VAMPIROS TAMBIÉN TIENEN SENTIMIENTOS). Que emociona. MUCHO. Que empuja hacia delante. PARA QUE TE CAIGAS Y VUELVAS A LEVANTARTE. Que te deja pegado en la butaca. AUNQUE DURASE CINCO HORAS. Que te hipnotiza hasta el punto de querer repetir una, y otra, y otra vez. CUESTE LO QUE CUESTE... LA ENTRADA. Que te descubre un mundo. PORQUE TODOS PODEMOS TENER UNO, Y HACERLO REALIDAD. Que te hace querer a los personajes más espeluznantes. Y REPITO, ¿HAY ARTE MALO? LOS VAMPIROS TAMBIÉN TIENEN SENTIMIENTOS. Abrazar a los personajes más tontunos. OH HUTCHERSON, HUTCHERSON, BOY. Y sorprenderte con… ¿ZAK EFRON? Que te enseña. LO QUE ES DE VERDAD EL CINE. LO QUE ES DE VERDAD LA AMISTAD. LO QUE ES DE VERDAD, Y LO QUE NO. Que pide un Oscar. O UNOS CUANTOS: ACTOR, DIRECTOR, PELÍCULA, GUIÓN ADAPTADO… Y ¿POR QUÉ NO UNO PARA LA MÚSICA DE DAVE PORTER? Que pide más, y más y más. Porque un vampiro nunca se sacia: de pasión. Y es PASIÓN lo que yo veo.

Mamá, quiero ser artista. Aunque sea un desastre.

-Mi crítica del estreno en España: Crónicas del Festival de San Sebastián 2017.

Valoración: 10 / 10


THE DISASTER ARTIST (2017
Director: James Franco
Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Hannibal Buress,
Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael, Zoey Deutch, Kristen Bell, Lizzy Caplan, Megan Mullally, Jason Mantzoukas, Adam Scott, Eliza Coupe, J.J. Abrams, Tommy Wiseau, Melanie Griffith, Judd Apatow, Christopher Mintz-Plasse, Zach Braff, Randall Park, Greg Sestero
Género: comedia
Libro: The disaster artist, de Greg Sestero.
Duración: 104 min.

viernes, 22 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE BIG LITTLE LIES

11:27:00 2 Comentarios

PEQUEÑAS MENTIRAS, GRAN CINE


Solo una pequeña mentira. Big Little Lies no es una serie, es cine. Del grande. Nada escapa al alma salvaje de Jean-Marc Valleé. Demolición total. Locura. Una historia cuyo carácter disfuncional es directamente proporcional a la funcionalidad de un guion y un montaje asombrosos. Una disfuncionalidad que sobrepasa a los personajes. Unos personajes moldeados por la fuerza de la naturaleza. Una naturaleza brutal. Una brutalidad demente. Una demencia hipnótica. Un hipnotismo musical. Una música corrosiva. Una corrosión sin cordura. Una cordura que es una gran mentira.

Maltrato, acoso, pareja, hijos. Actualidad. Atmósfera ácida, sutil y elegante propia del cine canadiense. Un reparto que debe mentir para no quedar eclipsado por la genialidad del vecino. Una música penetrante e imposible de olvidar, supervisada por la infalible Susan Jacobs. Siete capítulos de suspense entrecortado por flashes que son de todo menos luminosos. De todo menos luminarios.


Vidas perfectas. Sonrisas brillantes. Tacones altos. Un mar. Tempestad. Una ola que rompe. Punzadas en el oido. Flashfoward. Sombra de muerte. Miedo. Al límite de todo. Hasta la histeria y el grito. A escondidas. Hasta la angustia y el impulso. Hasta el deseo. ¿De qué? Inesperado. Apasionadamente violento. Sorprendente. Impactante. Un fin más grande que la propia mentira. Un fin que, por sublime, nos hace más pequeños.
 
Valoración: 9.5 / 10


BIG LITTLE LIES (2017)
Director: Jean-Marc Vallée
Reparto: Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Alexander Skarsgård, Laura Dern, Zöe Kravitz, Adam Scott, James Tupper, Iain Armitage, Hong Chau
Libro: Big Little Lies, de Liane Moriarty
Género: Drama, thriller
Duración: 7 capítulos de 50 min

domingo, 17 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE ABRACADABRA (2017)

9:54:00 0 Comentarios

Pablo Berger vuelve a hacer magia



Lo que hace Pablo Berger no es magia, pero puede ser hipnótico. Con o sin sonido. Con o sin color. Un actor cualquiera. Una actriz u otra. Comedia, drama o fantasía. Poco (solo tres películas) pero contundente. Un director que con solo decir ¡Abracadabra! hace aparecer una buena película. Un director para el que no existe eso de a la tercera va la vencida, sino vine, rodé y vencí.

Comedia de subgénero indefinido. Película surrealista de ciencia ficción. Thriller psicológico de Carabanchel. Drama romántico de crisis de pareja. Fantasía hipnótica sin cereza absoluta. ¡1, 2, 3! ¡Abracadabra! Y como por arte de birlibirloque, los actores mutan en cuerpo y espíritu. Y los protagonistas pasan ante tus ojos como nunca los habías visto. Y el argumento te atrapa cada vez más. Y las conexiones se hacen y deshacen a su antojo, o por trampantojo. Y un minuto piensas y al otro piensan por ti. Y mientras unos se empeñan en hacer películas en 3D, otros, como Pablo Berger, son capaces de hacerlas en nuestra propia mente. Muchos trucos, pero no hay truco que valga. ¿O sí? ¿Pillarás el truco final?

Valoración: 7.8 / 10


ABRACADABRA (2017)
Director: Pablo Berger
Reparto: Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep Maria Pou, Quim Gutiérrez, Priscilla Delgado, Saturnino García, Ramón Barea, Javivi, Julián Villagrán, Rocío Calvo, Javier Antón, Janfri Topera, Fabia Castro, Bea de la Cruz
Género: Comedia
Duración: 96 min.

miércoles, 13 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE DÍA DE PATRIOTAS (2016)

16:15:00 0 Comentarios

CINE Y ATLETISMO: TERRORISMO, SEGURIDAD Y DEPORTE


Un maratón no es solo una carrera de 42.195 metros. Detrás, delante y entre los miles de atletas, voluntarios y organizadores hay todo un dispositivo de seguridad que, pese a las molestias y pérdidas de tiempo que a veces supone, es tan necesario como el avituallamiento. Controles en la salida, inspecciones, nada de coger objetos del público, nada de celebrar la llegada con un selfie, policías por aquí, policías por allá, de uniforme, de paisano, a pie o motorizados. No hay excusas. No es la primera vez que el terrorismo se enfrenta -real y cinematográficamente hablando- con su opuesto (Munich). Los espectáculos deportivos son objetivos atractivos y el mundo no está para bromas. Los maratonianos tampoco.

Aquellos que entrenaron meses para estar en la salida del maratón de Bostón 2013, o que entrenaron la paciencia durante semanas para animar a un atleta por las calles de la ciudad y llegar antes que él a la salida, sabrán que no fue cosa de chiste. Tres muertos y 282 heridos por las bombas, más un muerto y otros heridos en los tiroteos posteriores. Dos ollas a presión, llenas de metralla, colocadas a ras de suelo. Muchas piernas amputadas. Si eres persona, puedes imaginarlo. Si eres atleta, no querrás ni pensarlo.

Contada desde el punto de vista de un agente de policía, Día de Patriotas se centra en la investigación. Desde la primer detonación hasta la captura del segundo de los terroristas días después de los hechos. Seriedad, realismo y veracidad. Diálogos precisos y sin florituras. Actuaciones correctas. Fotografía adecuada a la gravedad del asunto. Acción limitada a los hechos y mucha tensión. Mucha. La tensión y el suspense mantenidos de saber el resultado pero temer en todo momento por su no resolución.

A parte de alguna exageración espectacular, no hay distracción sentimental ni subtramas innecesarias. El argumento está enfocado al asunto principal. El entorno y sus consecuencias solo existen en los momentos exactos donde su presencia está justificada. Los cinco sentidos se activan para no perderse en la niebla de lo sentimental. Solo al final, cuando todo está hecho y los testigos reales nos cuentan su experiencia, los sentidos descansan en el sentimiento contenido. Al fin podemos dar rienda suelta a la tensión acumulada. Alegría, tristeza y esfuerzo a partes iguales. Como en un maratón. Porque la seguridad también es una peligrosa carrera de fondo, que permite que todos corramos seguros.

Valoración: 8 / 10


DÍA DE PATRIOTAS, "PATRIOT`S DAY" (2016)
Director: Peter Berg
Reparto: Mark Wahlberg, John Goodman, Kevin Bacon, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, Rachel Brosnahan, Alex Wolff, Melissa Benoist, Michael Beach, Khandi Alexander, Erica McDermott, Lana Condor, Dean Neistat, Vincent Curatola, John Enos III
Género: terrorismo, thriller, drama, basado en hechos reales
Duración: 130 min

CRÍTICA DE SUBURBICON (2017)

11:05:00 0 Comentarios

GEORGE CLOONEY NOS ABRE LAS PUERTAS DE SUBURBICON PARA ABRIRNOS LOS OJOS Y DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA 

La mejor zona, las mejores casas, los mejores servicios, los mejores vecinos, la mejor reputación y una familia de color. Una mancha negra en el expediente del mejor de los barrios americanos de diseño… Una mancha negra rodeada de manchas blancas que no pasarían la prueba del algodón.

Suburbicon es una psicosis a sangre fría en el barrio de Eduardo Manos Tijeras. Un lugar sobrevolado por el espíritu musical de Bernard Herrmann, la sombra de Hitchcock, el humo del cigarro de Truman Capote y el colorido del Barton más luminoso. Lo mejor de los Coen pasado por el filtro del mejor George Clooney. Cine negro a todo color. Humor negro con el color como mcguffing. Suspense, tensión, sangre y risa tan oscura como el género. La sonrisa falsa de la supuesta superioridad blanca, muerta de risa. Porque quien ríe último, ríe mejor.


Dos historias paralelas, en vivienda y en argumento, que terminan por encontrarse –muy sutil e inteligentemente- en un infinito: el que une el pasado con la actualidad. Sin lugar para el descanso eterno. Con mucho espacio para la crítica, la sátira y la política más correcta e incorrecta de los hombres al mando –de la película y del gobierno-. Personajes sin moral ni escrúpulos cayendo por su propio peso y ambición. Rostros de vida plena y satisfactoria como crónicas de una muerte anunciada. Lo sabemos desde hace tiempo, y no por ello deja de ser apasionantemente intrigante y apasionantemente risible en su incoherente y triste realidad.

Valoración: 8 / 10


SUBURBICON (2017
Director: George Clooney
Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell, Lauren Burns, Tony Espinosa
Género: Cine negro, comedia negra
Duración: 105 min

domingo, 10 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SQUARE (2017)

20:00:00 0 Comentarios
¿Te atreves a entrar en el cuadrado?


Es curioso cuando las colas se convierten en cara-colas y dan vueltas y vueltas alrededor del más insignificante, e incluso inexistente, mobiliario urbano hasta perder la cola. Cuando la pescadilla, literalmente, se muerde la cola, y la cola vuelve a empezar espontáneamente, derivando en figura geométrica alternativa, o similar. Entonces llegas tú, inocente y emocionada, con tu entrada de cine en la mano, y preguntas: “¿Es esta la cola para la sala 1?” Y nadie sabe nada. Y llega otro iluso y te hace a ti la misma pregunta. Y tú tampoco lo sabes. Y la cola se va formando aleatoriamente. Y tú te empiezas a hacer mucho pis. Y le pides al de detrás que te guarde el sitio. Y sales corriendo, pensando que acabas de arriesgar tus cervicales ofreciendo tu total confianza a un desconocido. Pero tienes mucho pis, y dos horas y veinte minutos de película por delante. Y al volver, ya no recuerdas la cara del desconocido. Porque es eso, un desconocido. Y la cola ya no es lo que era. Y giras y giras sin rumbo definido hasta que alguien grita: “¡Chica!”. Y te sientes aliviada. Y la cola empieza a correr hasta que ya no es cola. Y la película empieza. Y la película acaba. Y no sabes si te han engañado o no. Y piensas. Y piensas. Y piensas… hasta que la pescadilla se muerde la cola y desconfías de tus pensamientos. Y quieres escribir. Y quieres que se fíen de tu crítica fundamentada como historiadora del arte que ha visto una película sobre arte. Y no sabes que escribir para no parecer bohemia. Y la lías. Como una caracola. Y vuelta a empezar. Si la cola hubiera sido cuadrada…

“El Cuadrado es un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de él todos tenemos los mismos derechos y obligaciones”.

¿Estás segura que va sobre la confianza? ¿o lo aparenta? Aparenta. Aparente. Apariencia… ¿apariencias? Y todos los de la sala salimos aparentando que somos súper expertos. Y todos ponemos cara de estar mirando una instalación súper conceptual en un museo. Y llegamos a casa y vemos un telefilme alemán de sobremesa. Pero todos hemos entendido The Square.

¿Sobre el contraste entre la imagen y la verdadera personalidad? Y un niño de cinco años se acerca y te dice que porque ves películas tan aburridas que solo dicen tonterías. Y tú le intentas explicar. Y el niño te mira con cara. Y tú acabas dándote cuenta de las tonterías que estás diciendo.


¿Y el arte? Y descubres lo que ya sospechabas sobre el mundo del arte contemporáneo, y de la mejor y más mordaz forma posible. Que un bolso en un museo no es una obra de arte. Que muchas exposiciones nos toman el pelo. Que muchas performances nos tiran del pelo, literalmente. Que ni ellos mismos se lo creen. Que detrás de un traje y una tarjeta de visita de diseño hay un personaje. Y que un niño te puede escupir en la cara. Y el escupitajo sí que será arte.

¿En fin? Hay escenas de un humor soberbio e inteligente. El humor de Ruben Östlund, que además de ser muy aficionado al arte contemporáneo, es bastante peculiar, y a mí me hace gracia. Todo se remonta a aquella película sobre la avalancha donde un padre salvaba su móvil antes que a su familia. Muy serios los adultos, pero luego se comportan como niños. Parecen muy importantes, pero no se puede confiar en ellos. Y mientras, los niños, más coherentes, se lo echan en cara. Qué buena era eh. ¿Cuál? Fuerza mayor. Y esta, ¿es buena? Ha ganado en Cannes. ¿Pero? Es complicada. ¿…? Es graciosa. ¿Te estás haciendo la sueca? No. El sueco es el director.

Valoración: 7 / 10


THE SQUARE (2017)
Director: Ruben Östlund
Reparto: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø, Marina Schiptjenko, Elijandro Edouard, Daniel Hallberg, Martin Sööder, Linda Anborg, Emelie Beckius, Peter Diaz, Sarah Giercksky, Jan Lindwall
Género: Comedia, arte
Duración: 142 minutos.

CINE Y ARTE: LOVING VINCENT (2017)

19:05:00 0 Comentarios

IMPRESIONANTE IMPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO

Por Lucía Pérez García




Animación o no, nunca he visto nada tan real. Una película que huele a óleo. A toneladas de óleo. Una película con empaste. Que se toca y se ve. Se siente.



El paisaje por el que has paseado millones de veces. Los personajes con los que has pasado horas y horas hablando de la vida, y de la muerte. Un hombre pelirrojo pegado a un pincel. Llueva o nieve. Corazón y alma. Emoción brillante e inquieta. Eterno parpadeo de angustia y pasión. Quietud inexistente. Luz de día y luz de noche. Perspectiva perdida en los recovecos del subconsciente creativo. Tristeza errabunda que alegra la vida. Un girasol. Un campo de trigo. Un cuervo. Una Estrella. Millones. Remolino sin forma que da forma a un mundo: Van Gogh.



Minimalismo para el impresionismo de una mente. Clint Mansell y un piano que siempre toca. Nervios frágiles de pintura. Incapaces de permanecer. Desgarrados. Cambiantes. Y la luz. Presente y escondida al mismo tiempo. Voces. Llamadas de locura. ¿Locura? Arte y nada más. Y una canción: “Vincent (Starry, Starry Night)”, de Don MacLean. Si Van Gogh fuera música.




Armand Roulin en busca de un misterio. El doctor Gatchet y un secreto. Tanguy, Gaugin, Pissarro, Lautrec. Surealismo, simbolismo, impresionismo, París. La iglesia de Auvers-sur-Oise. El café Terrace Place Du Forum. De noche. Estrellada. Campos de trigo. Olivos. Una habitación. Unas botas. Gente: Marguerite Gachet, el cartero Joseph Roulin, Theo... Vincent. También fue.



“Por momentos tengo una lucidez terrible, cuando la naturaleza es tan bella como en estos días y entonces dejo de sentirme y el cuadro me viene como en un sueño”. Mejor incluso que el de Kurosawa. Más sueño. Porque es no es de otro, sino suyo. Una película pintada a su imagen y semejanza. Van Gogh. Una historia del arte. Una vida en un gran guión. Un guión que es un cuadro. Un cuadro al que ni Kirk Douglas ni Anthony Quinn añadirían un plus, porque ella sola es plus que la propie vie.



Valoración: 9.5 / 10




LOVING VINCENT

Director: Dorota Kobiela yHugh Welchman
Reparto: Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks, Shaun Newnham
Género: Animación, drama, arte, biopic.
Duración: 95 min.