viernes, 17 de noviembre de 2017

CRÍTICA DE LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (2017)

10:15:00 0 Comentarios
COMO TRATAR LA ENFERMEDAD CON AMOR DE CINE INDI  
Por Lucía Pérez García
 

No siempre el amor es una enfermedad, pero hay veces en las que, literalmente, es objeto de diagnóstico médico en varias de sus acepciones. Solo en esos momentos, y con determinadas condiciones, puede ser tratado con el adjetivo ‘gran’. Y, como todos sabemos, detrás de un ‘gran’ viene siempre una película, cuya grandeza suele ser indirectamente proporcional a la cantidad de ‘gran’ utilizada en el proceso. Es por eso, precisamente, por lo que la película de Michael Showalter puede contener el adjetivo en el título, y acompañarlo de la palabra enfermedad. El melodrama y la épica de las grandes historias de amor llevadas al cine desaparecen tras su condición de independiente nivel Sundance en grado máximo: desde la presencia de Zoe Kazan, que junto con Zooey Deschanel confirma la Z como la inicial predilecta de las chicas del cine independiente; hasta el humor propio del guionista y protagonista Kumail Nanjiani, testigo en primera persona de los acontecimientos reales; pasando por las referencias cinéfilo-seriéfilas, los supermercados, los portales con escaleras, los colchones en el suelo… solo el nombre de Judd Apatow retiene algo de ese ‘gran’ -leáse Hollywood- que, al fin y al cabo, nunca lo es tanto cuando hablamos de comuna comedia, y esta película también lo es. 


Todo sería perfecto en su perfección indi si no fuera por las dos horas que alargan la enfermedad hasta los límites del ‘gran’. Solo el humor familiar, el de la familia pakistaní, y el de los padres de ella –Holly Hunter y Ray Romano nada más y nada menos-, y la gran vivencia de Kumail Nanjiani fuera y dentro de la pantalla, ayudan a sobrellevar esa enfermedad del tiempo en el tercer tramo que, afortunadamente, acaba volviendo a sus orígenes más sencillos, y que más agradece el espectador independiente cuando de algo grande se trata.  

Valoración: 7 / 10 



LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR, “THE BIG SICK” (2017) 
Director: Michael Showalter 
Reparto: Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell, Bo Burnham, Aidy Bryant, Matty Cardarople, Adeel Akhtar, Anupam Kher, Shenaz Treasury, Kurt Braunohler, Rebecca Naomi Jones, Celeste Arias, Myra Turley 
Género: Drama, romántica 
Duración: 119 min.

lunes, 23 de octubre de 2017

CRÍTICA DE AMOR A LA SICILIANA (2016)

10:32:00 0 Comentarios
ITALIANÍSIMO PIF: BUEN CINE A LA SICILIANA
Por Lucía Pérez García 


Qué bonita puede ser la guerra vista en una gran pantalla. Qué bonita cuando hay una historia de amor. Qué bonita cuando se disparan más chistes que balas. Qué bonita cuando tiene ese algo del cine italiano más bellissimo y delizioso, y del cine americano más entrañable. Y lo que es lo mismo, qué bonita cuando es tan surrealista y a la vez tan real. Amor. A la tierra donde nació: Sicilia. A su historia, personajes, tradiciones. Amor al cine: Benigni, Tornatore, Zeffirelli... Forrest Gump. Al arte (por algo es descendiente del escultor Thorvaldsen). A la risa: de sí mismo, de su gente, del mundo entero. A la elegante forma de ver la vida con las comisuras de la boca siempre hacia arriba. 

A la siciliana. Pif nos dijo en que La mafia solo mata en verano. Ahora nos cuenta el camino hacia la calurosa estación de la muerte. Con humor de voz cascada. Con mensajes y símbolos de brillante ingenio. Y con amor. Mucho amor. Amor a la siciliana. 


En guerra. La segunda. La mundial. Bellissima estampa de guerra color desgarrado. Impresionante a su propia escala. Operaciones previas al desembarco del Normandía. Otro lugar. Otra misión. Otro día D. Totalmente a la siciliana. Burro incluido. Porque sí. Allí hubo un burro. Aunque mordedor, que no volador. 

Viendo las italianísimas películas de Pierfrancesco Diliberto (Pif) nosotros también volaremos. Y, seguramente, seremos menos burros.  

Valoración: 7.5 / 10 


AMOR A LA SICILIANA, “IN GUERRA PER AMORE (2016) 
Director: Pierfrancesco Diliberto (Pif) 
Reparto: Pierfrancesco Diliberto, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Stella Egitto 
Género: Comedia, romance, drama, bélico 
Duración: 109 min.

miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA LLAMADA (2017)

10:37:00 0 Comentarios
UNA LLAMADA PERDIDA 
Por Lucía Pérez García 


Si a Dios le gusta el electro latino, yo me hago atea. Otra cosa es que cante –y muy bien- por Whitney Houston. Y otra más curiosa aún, es que sea de un blanco lavado con Perlán. Cuando, docenas de películas mediante, ya me había hecho a la idea de que Dios era negro, viene este señor y me destroza las expectativas. ¿Qué canta por una negra? Ah, eso lo arregla todo. Bueno, no todo. Porque lo que no es Whitney Houston o Presuntos Implicados no se merece el cielo. O sea, que la música original brilla por su presencia, y no precisamente como el oro. Cuando Belén Cuesta y Gracia Olayo me cantan “Estoy Alegre”, yo les respondo que sí, pero que solo un poco. Cuando Macarena García me canta “Si esto es fe”, yo le digo que no. Y el remate. Cuando Macarena García y Anna Castillo me cantan “Lo hacemos y ya vemos”, yo les respondo que mejor que no, que no lo quiero ver. ¿Tan mal lo hacen? No. No es eso. Si cantar, cantan bien. Es otra cosa. Y no es precisamente una llamada. 



Tampoco es precisamente gracia. Ni divina ni de la otra. Un poco sí, pero a ratos. Todos los de Sor Bernarda, y algunos –demasiado pocos para la gracia que tiene Belén Cuesta- de Milagros. El niñateo tiene la gracia justa -muy justita- para justificar el cambio radical de las chicas y poco más. Y la cocinera es un añadido. Y no, no es que actúen mal –no hay nadie como Anna Castillo para hacer de niñata-. Es otra cosa. Es que no le termino de encontrar del todo la comedia. Ni el musical… 

Me prometieron que me llamarían, que escucharía la llamada. Me prometieron que sería divertida y que no querría colgar. Que la música hace milagros. Pero el único milagro que he presenciado durante la película ha sido que, por primera vez en mi vida, me ha gustado escuchar una canción de Presuntos Implicados. Y la única llamada que he recibido, me ha cogido con el móvil apagado. Normas del cine.  

Valoración: 6 / 10 


LA LLAMADA (2017) 
Director: Javier Ambrossi, Javier Calvo 
Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo, Richard Collins-Moore, María Isabel Díaz, Secun De La Rosa, Víctor Elías, Esti Quesada 
Género: Musical, comedia, religión 
Duración: 108 min.

martes, 17 de octubre de 2017

CRÍTICA DE TOC TOC (2017)

11:49:00 4 Comentarios
EL TOC DE LA RISA
Por Lucía Pérez García  



No es lo que parece. No es lo que parece. Es una comedia. Sí. Es una comedia. Sí. Pero si lees entre líneas -y no las pisas-, no sales en ningún momento a lavarte las manos, y compruebas que no te has dejado nada atrás, verás cómo, no solo una sino, grosso modo, unas cuantas veces, la música delata, ta ta ta ta ta ta ta… lo que no parece pero si es. Lo que no parece pero si es. Además de una comedia que te deja ja ja ja ja ja ja ja… muerto risa. 

Porque quien no ha tenido un TOC o un tic tic tic tic… ¿Quién no ha tenido uno? No importa. No importa. Aun así, te reirás el número de veces necesarias para considerarlo un TOC. Si la película dura hora y media, y los tic empiezan a manifestarse en el minuto uno para acabar justo antes de los créditos, en el minuto noventa, con una media de veinte tics por minuto, grosso modo, da un total de un TOC de la risa realmente considerable con el añadido subjetivo de la empatía por asimilación –los personajes no son desiguales, el desigual eres tú y tus manías personales-. Y si a eso sumamos la risa que da el solo imaginar a Rossy de Palma, Alexandra Jiménez y Paco León compartiendo TOCs, y a Adrián Lastra haciendo malabares y triples saltos mortales con tirabuzón doble invertido, la frecuencia de carcajadas por minuto aumenta en un veinte por ciento justo antes del inicio de la película. Lo que viene a acelerar exponencialmente el comienzo de las risas, multiplicando por dos el resultado anteriormente obtenido, ido ido ido ido ido… y si eso no es un TOC, que venga Dios y lo vea, vía Rossy de Palma, contacto directo con el Señor de arriba a través de un magnífico trabajo de tricotaje. 



No sería lo mismo. No sería lo mismo. Con otro reparto, parto parto me parto. Aunque podría ser mejor sin la secretaria gritona, que merece todos los improperios y obscenidades que salen de la boca del señor con tourette. Pero como de locos va la cosa. De locos va la cosa. Y no hay más loco que el que se ríe de ellos. Nosotros nos convertimos en un loco más. Un loco más. Con el TOC de la risa. Y seguro que alguno que otro más, de cuya existencia no sabíamos nada nada nada nada. Aquí todos salen curados, menos nosotros.  

Valoración: 7 / 10 



TOC TOC (2017) 
Director: Vicente Villanueva 
Reparto: Paco León, Rossy de Palma, Alexandra Jiménez, Óscar Martínez, Adrián Lastra, Nuria Herrero, Inma Cuevas 
Obra: Laurent Baffie 
Género: comedia. 
Duración: 95 min.

lunes, 16 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA CABAÑA (2017)

10:13:00 0 Comentarios
EN EL NOMBRE DEL PADRE, DEL HIJO Y DEL ESPÍRITU SANTO 
Por Lucía Pérez García 


En busca de la felicidad más allá de los sueños habitaban angelitos negros que, en lugar de tocar las maracas, marcaban el ritmo al son de la música de Aaron Zigman. Todo era florido y hermoso. Porque de colores se visten los campos en la primavera. Así son los milagros del cielo según el director Stuart Hazeldine y, sobre todo, según William Paul Young, algo así como el escritor de Dios. Padre, Hijo y Espíritu Santo. Negro, por su puesto. Amarillo y chocolate. Lo de las barbas solo se lleva en la tierra. La eternidad es transcendente. Y lo transcendente es antiséptico y relimpio, a la par que ceremonioso, pausado, tranquilo y un poco lacio. Qué bonito todo. Qué paz. Qué lata en ocasiones. Pero qué bonito todo. Aunque un poco repipi, para que mentir. 

Entre carreras sobre el agua, paseos por jardines de fantasía y charlas al calor de un café, el cielo se abre para el personaje de Sam Worthington -acostumbrado a las asombrosas tierras de Avatar, no sé de qué se sorprende-. Miradas al interior, búsqueda de un sentido, perdón. Una homilía de poco más de dos horas camuflada tras un paisaje fabuloso y pronunciada por la siempre risueña Octavia Spencer con ayuda del curioso y simpático Jesús de Avraham Aviv Alush, una más aburrida Sumire en el papel del siempre incomprendido Espíritu Santo, y Alice Braga, una ocupa con aires de reina de las nieves llamada Sofía, alias sabiduría. Así, pues sí. Y si encima da un poco de pena, pues claro. Aunque es un poco repipi, para que mentir. 



Nada de lo que dice está fuera de lugar. A muchos les abrirá su propio cielo. A otros les cerrará los ojos de sueño. A unos les hará pensar. A otros no les gusta que las películas les hagan pensar. A unos les señalará un nuevo camino. A otros les señalará el camino a casa desde el cine. A unos les gustará, y llorarán. A otros les hará despotricar. Pero a nadie le habrá hecho mal. Y además, es todo super bonito. Aunque un poco repipi, para que mentir.  

Valoración: 5.9 / 10 



LA CABAÑA, “THE SHACK” (2017) 
Director: Stuart Hazeldine 
Reparto: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Graham Greene, Megan Charpentier, Ryan Robbins, Gage Munroe, Jordyn Ashley Olson, Alice Braga, Sumire Matsubara, Avraham Aviv Alush, Lane Edwards, Carolyn Adair 
Libro: La cabaña, de William Paul Young. 
Género: Drama, religión 
Duración: 132 min.

domingo, 15 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA SUERTE DE LOS LOGAN (2017)

12:35:00 0 Comentarios
QUE SUERTE LA NUESTRA 
Por Lucía Pérez García 


La suerte no es de los logan, sino nuestra. Por razones varias. 1. Ha vuelto el mejor Steven Soderbergh; 2. Y lo ha hecho para divertirnos; 3. Con un reparto que echa chispas; 4. Y una película de acción-robos-coches que es más que acción, robos y coches; 5. Donde hasta los créditos finales son geniales; 6. “Nobody was robbed during the making of this movie. Except you”; 7. Con unos euros menos, pero estamos de suerte. 

No esperes la genialidad de Traffic ni los premios de Erin Bockovich o Detrás del candelabro. Eso sería demasiada suerte. No esperes el drama y el suspense de Contagio y Efectos secundarios. No se puede tomar todo en serio. No esperes la superficialidad sudorosa de Magic Mike. Esto es otra historia. Espera, si acaso, el descaro y la simpatía de la saga Ocean. Pero no exactamente. Olvida la etiqueta. Aquí lo que se lleva son las rayas, blancas y negras, del un mono carcelario que ni los hermanos Dalton. Olvida la elegancia. Del hortera al kitsch, pasando por la América profunda. Y olvídate del mundo. Disfruta del momento. Solo son dos horas… pero estamos de suerte: se pasan volando. 


¿Los culpables? El reparto. Especialidad de la casa Soderbergh. Porque él sabía que Channing Tatum se metía en cualquier fregado. Sabía que Adam Driver tiene talento, y cara, para lo que le echen -y para lo que le quiten, en este caso, medio brazo-. Sabía que podía contar con sorpresas como Hilary Swank. Y sabía, sobre todo, que Daniel Craig era más que James Bond. Muchísimo más. Su Joe Bang se merece que le paguemos la fianza, que le pongamos un piso y que le demos un Oscar a mejor actor secundario –también vale un globo de oro-. Lo de los secundarios ya es un regalo. 

Si la música hubiera salido de la batuta de un buen compositor o de la astucia del guionista de Baby Driver, y si la cosa no fuera tan ligera y simpaticona, podríamos cantar un pleno. Pero no olvidemos que, mientras nosotros nos divertimos, ellos nos están robando. 

Valoración: 7.5 / 10 


LA SUERTE DE LOS LOGAN, “LOGAN LUCKY” (2016) 
Director: Steven Soderbergh 
Reparto: Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig, Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane, Jack Quaid, Brian Gleeson, Katherine Waterston, Dwight Yoakum, Sebastian Stan, PJ McDonnell, Robert Fortner, Hilary Swank, David Denman Género: Acción, comedia, robos 
Duración: 118 min.

viernes, 13 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA SEDUCCIÓN (2017)

10:07:00 0 Comentarios
UNA SEDUCCIÓN A MEDIAS 
Por Lucía Pérez García 


Si existe el cine femenino, es el de Sofia Coppola. Una directora que seduce. A su particular manera. No es exactamente elegancia. Es algo entre el kitsch y la distinción. Entre el glamour hortera y la etiqueta. Algo que está presente en cada detalle. Desde la fotografía al diálogo. Pero que tiende a enfocarse en el vestuario y la ambientación. Manierismo, si se quiere, con genes Coppola y con nombre Sofia. 

Pero esa seducción que aguanta cualquier época y lugar –desde la Francia del siglo XVIII hasta Los Ángeles del siglo XXI- no llega con la misma fascinación a la América sureña del XIX. Si lo hace, sin embargo, con el mismo tono de ensueño que la versión de Don Siegel de 1971. Con la misma atmósfera borrosa de tensión –léase como se quiera- acumulada. Pero con un resultado conjunto ligeramente inferior, pese a que el éxito, que no acompañó en su momento a la primera, le ha venido cortejando en su aun corto recorrido. Cuestión de seducción. 


Cuestión de Phoenix o Lalo Schifrin. Y cuestión, sobre todo, de Clint Eastwood o Collin Farrell. Para gustos los colores. Para encontrar un hombre en el bosque mejor el joven Eastwood que el soso Farrell. Seducido, sin embargo, por un reparto femenino digno de la señora Coppola que no tuvo aquel, lo soso se adereza. Eastwood ya estaba aderezado sin necesidad de picante. La diferencia es clara. Y es que el de Sofia es un cine femenino -que no feminista- con mayúsculas. Un cine de estética sedosa y actrices talladas en marfil, donde hasta la canción “Lorena” se olvida del amor melancólico de aquel Ethan Edwards de Centauros del desierto, para adentrarse en el más oscuro mundo de la seducción. 

Valoración: 7 / 10 

 
LASEDUCCIÓN, “THE BEGUILED” (2017) 
Director: Sofia Coppola 
Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story
Libro: The beguiled, de Thomas Cullinan.
Género. Drama, Guerra Civil americana 
Duración: 91 min.

jueves, 12 de octubre de 2017

CRÍTICA DE TU MEJOR AMIGO (2017)

10:08:00 0 Comentarios
UN PERRO CON SIETE VIDAS 
Por Lucía Pérez García  



W. Bruce Cameron es algo así como el Nicholas Sparks perruno -yo sospecho que es el perro escritor de Nicholas Sparks-. Lasse Hallström es un poco Nicholas Sparks (Querido John, 2010; Un lugar donde refugiarse, 2013), un poco perruno (Siempre a tu lado (Hachiko), 2009), un mucho romántico (Las normas de la casa de la sidra, 1999; Chocolat, 2000), y se está volviendo un poco perro (El hipnotista, 2012; Un viaje de diez metros, 2014). Las mascotas están de moda. Las novelas romanticonas se venden a miles. Malas, malísimas o indigestas. Siempre enganchan. Como las correas de perro. La fórmula es, pues, exacta. Si después tenemos que recoger los desechos con una bolsa, es cosa nuestra –hay quien los deja en el suelo para que los pisen otros-. Pero el gusto no te lo quita nadie. A todos nos alivia un paseíto de vez en cuando.  

Tu mejor amigo es un Mira quien habla canino donde un pariente romántico de Lassie se reencarna hasta la eternidad, mirándote con ojitos y dándote la patita en cada fotograma. No existe excusa más infalible que bolas de pelo espachurrables con voz propia y sentido del humor animal. Y no existe mejor excusa para dirigir a un perro que darle el papel de celestina. Con final feliz, por su puesto, donde todos son felices y comen perdices y Friskies. Si los perros fueran rosas, sería perfecto. 


Pero ni los perros ni Lasse Hallström son perfectos. Las vidas del perrito en cuestión no están bien equilibradas, y el pobre Dennis Quaid se tiene que conformar con tres perros minutos, mientras que su yo adolescente se traga media película y el resto de dueños ocupa metrajes desiguales sin mucho que decir más que el paso del tiempo. Un tiempo que va acompañado, como no podía ser de otra manera, de las notas de la señora Rachel Portman. No hay más que decir. Seis ladridos. Ni uno más, porque no será la película de nuestras vidas. Ni uno menos, porque, sí, es una película espachurrable.  

aloración: 6 / 10 


TU MEJOR AMIGO, “A DOG’S PURPOSE” (2017) 
Director: Lasse Hallström 
Reparto: Dennis Quaid, Britt Robertson, Bryce Gheisar, Juliet Rylance, Luke Kirby, Josh Gad, K.J. Apa, Peggy Lipton, John Ortiz, Gabrielle Rose, Michael Bofshever, Kirby Howell-Baptiste, Pooch Hall, Nicole LaPlaca, Peter Kelamis, Caroline Cave, Michael Patric, Naomi Frenette, Robert Mann 
Libro: La razón de estar contigo, de W. Bruce Cameron 
Género: Drama, romántico, animales 
Duración: 100 min.

lunes, 9 de octubre de 2017

CRÍTICA DE EN PECADO (2017)

13:57:00 0 Comentarios
HAGMOSLO, Y QUE SEA LO QUE DIOS QUIERA
Por Lucía Pérez García 




“Hermosísimas señoras”, decía Boccaccio, “bastantes hombres y mujeres hay que son tan necios que creen demasiado confiadamente que cuando a una joven se le ponen en la cabeza las tocas blancas y sobre los hombros se le echa la cogulla negra, que deja de ser mujer y ya no siente los femeninos apetitos, como si se la hubiese convertido en piedra al hacerla monja”. 

Improvisemos, dijo el director Jeff Baena. ¿Acaso es pecado reírse? No en un convento de la Toscana. No con unas monjas verduleras. No cuando Dave Franco se llama Masetto de Lamporecchio y se hace pasar por sordo mudo. Improvisemos, pues, y digamos lo que nos dé la gana fuera y dentro de contexto. Llenemos el convento de “fucks”. Hagámoslo literalmente. Pero con gracia. No divina, sino terrenal. Y brujería mediante, adaptemos Boccaccio al siglo XXI sin sacarlo del 1347. ¿Cómo? Con Dios y ayuda… del mismísimo diablo. 


El que habita en los cuentos con moraleja para hacer de la moraleja un asunto de Dios. El que empuja a estas pequeñas e “indefensas” monjitas malhabladas a cometer los más grandes pecados. El que se hace pasar por inocentón con carita de hermano Franco. El que reparte “fucks” a diestro y siniestro. El único capaz de parodiar la vida religiosa sin perder los hábitos. El mismísimo satanás. Se parte de risa en nuestra cara y nos enseña el culo. Y así sucesivamente, escapando -por esos planos en los que entras por un lado y sales por otro sin que nada se mueva- de guardianes que observan tortugas candelabro, de reyes celosos y reinas enamoradas de jovencitos, palizas monjiles y putibrujas inventadas... Al son de una música paródicamente medieval que eleva a las monjas a la quintaesencia de lo arrabalero. Inocentes de ellas… Ja-Ja. Y colorín colorado, este “jodido” cuento se ha acabado. 

¿Qué hemos aprendido? Como bien decía Boccaccio: que la mona, aunque se vista de seda, mona se queda. Pero que si mientras nos reímos un poco, pues mejor que mejor, aunque se han visto cosas mejores.

Valoración: 5.5 / 10 


EN PECADO, “THE LITTLE HOURS” (2017) 
Director: Jeff Baena 
Reparto: Alison Brie, Dave Franco, Kate Micucci, Aubrey Plaza, John C. Reilly, Molly Shannon, Fred Armisen, Jemima Kirke, Nick Offerman, Jon Gabrus, Adam Pally, Lauren Weedman, Paul Weitz, Paul Reiser. 
Libro: Decameron, de Boccaccio. Tercera jornada-Narración primera. 
Género: Comedia, cuentos 
Duración: 89 min.

sábado, 16 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE ALI & NINO (2016)

13:13:00 0 Comentarios
ROMEO Y JULIETA DE AZERBAIYÁN 
Por Lucía Pérez García 


Dos historias de independencia. La de Ali, musulmán nacido en Azerbaiyán, y Nino, cristiana de Georgia. La de Azerbaiyán, tomada por turcos y persas, en su intento por ser libre. Naturaleza, lugares exóticos, amor, identidad. El mejor lugar para que Asif Kapadia explorase el realismo y el ardor amargo de Omar (2013), la inteligencia dramática de Amy (2015) y la grandeza y pasión del cine épico. No hay lugar, sin embargo, para todo ello. La música, en manos de Dario Marianelli, advierte desde el inicio la elección del director: romance. 


Femenino, dulce y tranquilo. El conflicto no es tal. Ni la tragedia ni la pasión llegan a abrirse camino a los ojos y el alma del espectador. No hay contraste. El conflicto, esbozado en pocos planos, tampoco contagia emoción. Todo es llano como la estepa. Si bien no tan impresionante y expansivo como el paisaje. Todo se levanta en torno a cariño y el afecto de un joven amor, si bien no es amor a primera vista lo que sentimos. 

Todo fue épico en los pocos seis años que abarca la película (1914-1920): el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la invasión turca, la independencia de Azerbaiyán, su reconocimiento por el gobierno inglés, la nueva aparición de los rusos. Todo es drama y romance en la historia de los protagonistas: unos jóvenes enamorados, distinta religión, diferentes costumbres, padres, un entorno hostil. No faltan crudeza, grandeza y pasión en el papel. No falta talento en el reparto, en la música, la fotografía, el director. ¿Qué ocurre entonces con Ali & Nino? Peca de amor: le sobra todo el que le falta. Se podría decir tan sosa y edulcorada como el monumento que se levanta en su honor en la ciudad de Batumi (Georgia), sin llegar a sus cotas de horterada turística. 

Valoración: 5.5 / 10 




ALI & NINO (2016) 
Director: Asif Kapadia 
Reparto: Adam Bakri, María Valverde, Mandy Patinkin, Connie Nielsen, Homayoun Ershadi, Halit Ergenç, Fakhraddin Manafov, Nigar Gulahmadova, Parviz Gurbanov, Numan Acar, Daniz Tacaddin, Khumar Salimova, Mekhriban Zeki, Parviz Mammadrzayev, Jovdat Shukurov, Ekin Koç  
Género: Drama, Bélico, romántico, histórico 
Duración: 100 min

martes, 12 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE IT (2017)

11:08:00 2 Comentarios
REMA-IT
Por Lucía Pérez García


Todavía estaba flotando cuando me absorbieron de nuevo por el desagüe. No habían dejado de aparecer globos cuando uno explotó justo delante de mí. Tal era la costumbre que me dejé llevar por el momento. Porque todos flotamos. Porque el estímulo mantenido se convierte en rutina. Intenté hundirme hasta el fondo. Desesperadamente. Pero solo cuando la sonrisa surgió de las aguas sentí que volvía de nuevo a la superficie. Flotaba. Y así, entre un estado y otro, conseguí mantenerme durante más de una hora. Pasada otra media, ya no podía aguantar. Decidí que mis pesadillas me darían más miedo. Buenas noches Pennywise. Nos vemos en mis sueños.

En mis sueños los ochenta no están de moda. Stranger things no ha calado tantísimo en mi subconsciente. Mis sueños no se ruedan en Super 8. De 1958 a 1989. El cambio es lógico: la actualidad, el gusto, la cercanía, la empatía. Los adultos volverán a estar entre nosotros como lo estuvieron, cronológicamente, entre los adultos de los noventa. Aquellos niños que vieron It a escondidas, con los ojos medio tapados, empezarán a recordar. Veintisiete años después. Ni uno más, ni uno menos.


En mis sueños el tiempo se funde. Un espacio unía dos palabras y una época en la novela pertinente. Nuevamente, la estructura ha cambiado. La actualidad, el ahora, manda. Los niños crecen. No hay flashback que controle el desarrollo. Unos años más de espera, y la segunda parte podría contar con los mismos actores para hacer de su yo futuro. ¿Esperar otros veintisiete años? Daría un poco de miedo.

En mis sueños los payasos tenían la cara de Tim Curry. Ahora veo doble. Monstruosa saga la de los Skarsgård.

En mis sueños los actores no eran dignos de aquel nombre. Los niños de ahora no tienen miedo a las cámaras. No espero menos de los adultos.

La producción de mis sueños era horrible. Tanto que daba miedo. Esta vez, siendo de miedo, me dio sueño.

Al despertar, pensé que habían pasado otros veintisiete años.

Quizás, he dejado de creer.



Valoración: 7 / 10

IT (2017)
Director: Andrés Muschietti
Reparto: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert, Stuart Hughes, Geoffrey Pounsett, Megan Charpentier, Javier Botet
Libro: It, de Stephen King.
Género: Terror, fantasia
Duración: 135 min.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

CRÍTICA DE SONG TO SONG (2017)

13:33:00 0 Comentarios
SIEMPRE LA MISMA CANCIÓN
Por Lucía Pérez García


Las canciones de Terrence Malick tienen diferente título pero idéntica melodía. Variaciones sobre un mismo tema o un mismo tema con ligeras variaciones. A penas hay una delgada línea que las separa. El color es lo de menos. Ninguna de ellas nos descubre un nuevo mundo. El árbol de la vida dejó de dar sus frutos hace tiempo. El director no supo abonar las malas tierras. Y aquellos días de cielo despejado llegaron a su fin. To the wonder… pero no más allá.

Quizás el tiempo sea la clave. Porque Malick solo puede ser llamado cineasta cuando se toma su tiempo. Pensar, meditar, reconocer, crear, trabajar. Detectar errores y buscar soluciones. Cuando el tiempo se reduce, el proceso de creación es mínimo y, como resultado, las películas cada vez lo son menos: película, creación y tiempo que tardan en olvidarse. Muy atrás queda el tiempo en el que sus obras eran dignas de proyectarse, más que dignamente, en los cines. Con El Árbol de la vida, paradójicamente, llegó la muerte, en vida.


Ni la fotografía de su inseparable Emmanuel Lubezki. Ni el buen trabajo de Fassbender como un productor musical odioso y odiable. Ni la curiosidad de comprobar que Rooney Mara, teniendo a Blanchett cerca, puede hacer un buen papel tan cercano y tan lejano a la vez del de Carol, sin parecerlo demasiado. Ni los cameos musicales. Ni nada de nada. Todo es real y exactamente lo mismo: ricos que, efectivamente, también lloran; casitas impensables para todo el que no sea futbolista, frialdad –en los personajes y en las casitas-, lejanía con el espectador, voces en off, playas, fiestas, parejas que no saben si se quieren o no se quieren, actores que repiten, actores que quedan cortados en postproducción, largas jornadas de rodaje, improvisación… y si a eso añadimos varios flashes -¿intencionados?- de películas de Ryan Gosling, apaga –la radio- y vámonos que esta canción ya me la sé. De memoria.

Y lo digo yo que, en general, me suele gustar el cine de Terrence Malick -principalmente entre 1973 y 2011-. Yo, fan número uno de las buenas actuaciones –de las malas no tanto- de Michael Fassbender. Yo, cuya actriz favorita es Cate Blanchett. Yo, que le di un 10 a Carol. Yo, que me adoro la música, y más en el cine. No puedo decir más de una película que reúne lo mejor de lo mejor para acabar siendo casi la peor –ese honor lo tiene Knight of Cups-. No puedo abandonarme más que a la esperanza de que la próxima canción de Malick merezca, al menos, ser tarareada.

Valoración: 5.5 / 10



SONG TO SONG (2017)
Director: Terrence Malick
Reparto: Michael Fassbender, Ryan Gosling, Rooney Mara, Natalie Portman, Cate Blanchett, Haley Bennett, Val Kilmer, Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Clifton Collins Jr., Angela Bettis, Bérénice Marlohe, Florence Welch, Holly Hunter, Iggy Pop, Flea, Lykke Li, Patti Smith, Austin Amelio
Género: Drama, música, romántica
Duración: 129 min.

martes, 29 de agosto de 2017

CRÍTICA DE VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS (2017)

13:04:00 2 Comentarios
VALERIAN, LAURELINE DE CARNE, HUESO Y PSICODELIA
Por Lucía Pérez García



La ciencia ficción debe mucho a Valerian y Laureline. Entre los muchos legados de sus misiones espacio-temporales, uno de los más importantes -además de impedir varios cataclismos nucleares, descubrir planetas o cambiar el pasado- ha sido la creación de todo un sistema de vida espacial reconocible en cualquier película del género que se precie. Ya era hora, pues, de que estos personajes se tomarán el cine por su cuenta.

Porque Laureline se puede mover como Pedro por su casa en los tiempos que corren, tan ideológicamente parecidos a los de su nacimiento en los años sesenta. Porque no solo de Goscinny vive el cómic francés. Porque Valerian haría buenas migas con los guardianes de la galaxia. Porque la tecnología lo permite. Porque Dane DeHaan (queda perdonado lo de Life) y Cara Delevingne forman esa extraña pareja de extraña belleza juvenil que no se puede dejar pasar. Y porque Alexandre Desplat tiene la increíble capacidad para controlar el espacio y el tiempo, galáctico (y aquí es donde la galaxia devuelve el favor a la creación de Jean-Claude Mézières), irónico y personal. ¿Se puede dar mejor momento?


Colores, criaturas a gogó (en todos los sentidos), psicodelia, espacios futuristas y grandes espacios abiertos (desérticos, espaciales y hasta avatarianos), curiosas apariciones como la de cawboy Ethan Hawke o la Rihanna intercambiable... Luc Besson, después de las desastrosas Malavita y Lucy, consigue la mezcla perfecta entre la esencia del cómic original y el entretenimiento palomitero, la acción justa y estéticamente controlada para no sentir que te están expandiendo temporalmente hasta la muerte por sobredosis de planos, y la diversión propia de la época del año para asegurarse de que nadie quiera transportarse a otro espacio durante las más de dos horas de película. Si a eso añadimos un cómic que puede hacer la competencia a mismo Asterix (por estilo de dibujo, por pareja protagonista, por tono cómico, por época y por nacionalidad) y un título de esos que gusta pronunciar (da igual en español que en inglés que en francés), se puede pasar que Laureline se apropie de la faceta más manida de Delevigne, que en el tramo final el guión sufra de turbulencias aeroespaciales o que se cambien ciertos detalles del cómic, en su mayoría para acercarlo a la actualidad.

Fuera los prejuicios planetarios. Quien no se arriesga a meterse en un agujero negro, nunca sabrá si puede ser absorbido…

Valoración: 6.8 / 10


VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS, “VALERIAN AND THE CITY OF THE THOUSAND PLANETS” (2017)
Director: Luc Besson Reparto: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Ethan Hawke, Rihanna, Herbie Hancock, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya
Género: Ciencia ficción, comic
Duración: 137 min.

sábado, 26 de agosto de 2017

CRÍTICA DE BABY DRIVER (2017)

12:41:00 0 Comentarios
CÁMARA, MÚSICA, ACCIÓN
Por Lucía Pérez García


Conduce al compás de la MÚSICA. Vive al ritmo de un PLANO SECUENCIA. “Now come on baby”.
La carretera es una pista de BAILE. La ciudad el ESCENARIO de un concierto. “Hitch hitch hike baby”.
107 minutos de música. “Just ride ride ride”.
¿Y el diálogo? Tras los cascos de BABY, la letra de una CANCIÓN, un graffiti en el muro. “Yeah yeah yeah”.

Hay muchos ‘drivers’ en el CINE pero ninguno es como Baby. “I was born one dark gray morn/ With music coming in my ears”.
Se mueve tan FÁCIL como conduce. “And once upon a pair of wheels”.
Tiene CORAZÓN, tiene RITMO, tiene CARISMA. “I hit the road and I’M gone”.
No es el ANSEL ELGORT que conocemos. “Shine a light, ooo ooo oo, ooo ooo oo”.
Por un VIDEOCLIP de Mint Royale y por una canción de Simon & Garfunkel: “They call me BABY DRIVER”.


Te guste o no la ACCIÓN, te engancha como una melodía. “Ready let's go”.
Te guste o no el CRIMEN, disfrutarás como un enano. “Hocus Pocus”.
Incluso con sus clichés, sus ruidos y sus romances a todo gas, EDGAR WRIGTH ha hecho algo que creía imposible: que quiera ver por segunda vez una película de mi género más odiado. “They call me BABY DRIVER”. “They call me BABY DRIVER”.

Valoración: 8.5 / 10


BABY DRIVER (2017)
Director: Edgar Wright
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González, Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer, Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Género: Acción, crimen
Duración: 107 min.

lunes, 21 de agosto de 2017

CRÍTICA DE DUNRKERQUE (2017)

11:50:00 0 Comentarios
LA GUERRA SEGÚN NOLAN
Por Lucía Pérez García



¿Qué es la II Guerra Mundial para los directores contemporaneos? Según Spielberg, el horror y la búsqueda. Según Polanski, el terror y la belleza escondida. Según Tarantino, la comedia de la vida. Según Gibson, una cuestión moral. Según Nolan, supervivencia. El heroísmo es el factor común. El grupo, la unión, un objetivo moral, de búsqueda y por el que sobrevivir, la razón principal de la existencia del héroe de guerra.

Dunkerque podía ser contado de muchas maneras. Nolan prefiere vivirlo de todas las formas posibles, en un esquema temporal que tiende al infinito: de la espera, del agobio, de la claustrofobia. Con la vista puesta en un punto concreto: la salvación. Con unos medios tan simples como tremendamente efectivos.

El silencio. Como si el miedo de los soldados les dejara sin habla. La tensión. Parte inegrante del silencio. La música. Fuente constante de tensión. El tiempo. Más breve de lo que parece, contenido en agobio y suspense constantes. Y la realidad, en su sentido más material. 


Pero si rescatar a más de 300.000 soldados no es tarea fácil, menos lo es colarse en el podium del género bélico. Nolan ha hecho una obra diferente, enorme en su austeridad, pero demasiado enorme, casi interestelar, en espectativas... con todo lo que ello conlleva. Solo el angustioso paso del tiempo dirá si sobrevive o si acaba siendo uno más de los hombres abandonados en las playas francesas, entre los cuales, puedo asegurar, no estará Tom Hardy, cada vez volando -y esta vez literalmente- más alto.

Valoración: 8 / 10




DUNKERQUE, “DUNKIRK” (2017)
Director: Christopher Nolan
Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel
Género: Bélico
Duración: 107 min